I WANT!!

Wild About Wilder

El pasado viernes 22 de junio iba a subir este post en conmemoración del nacimiento de uno de mis héroes, pero por descuido se me pasó.

Si estuviera vivo, ese día hubiera cumplido 101 años.

Billy Wilder es un maestro, un pionero y un visionario.

La llegada al mundo de Hollywood de Samuel Wilder se dio en un momento muy particular. La hegemonía del studio system era total. Los grandes estudios eran los amos y señores: se encargaban de escribir, producir, distribuir e incluso de manejar la vida de sus estrellas. El director y los actores sólo eran una parte más del engranaje de una industria que vivía uno de sus mejores momentos. Billy Wilder se convirtió uno de los contados cineastas que trabajarían para el sistema, pero darían a su obra un toque personal indeleble.

Comenzó primero como escritor, con películas tan inolvidables como Ninotchka y Ball of Fire, pero eso cambió cuando le preguntó a su mentor Ernst Lubitsch que qué debía hacer para que su trabajo se respetara, para que no apareciera ningún actor y de propasado se le ocurriera cambiar siquiera una palabra de los diálogos que tanto trabajo le había dado crear. Lubitsch simplemente le dijo: Dirígela tú.

Su obra producida junto Charles Brackett y más tarde junto a Izzi Diamond en las décadas del 40, 50 y principios del 60, lo coloca en un sitial al que muy pocos se acercan. Fue una época en la que experimentó en todos los géneros y en todos produjo trabajos que son absolutamente esenciales. Su obra reunía lo mejor de los dos mundos: la sensibilidad europea de su maestro Lubitsch y la calidad narrativa de los norteamericanos como Hawks y Ford.

A lo largo de su carrera trabajó con los más grandes: Bogart, Stanwyck, Monroe, Dietrich, Hepburn, Cooper. Películas como Sunset Boulevard y Double Indemnity se convirtieron en arquetipos del género Film Noir, Lost Weekend del drama de denuncia y The Apartment de la comedia romántica.

La mayor parte de sus filmes ahora son considerados adelantados a su época y son vistos como reflejos del momento en que fueron lanzados: Dos personas terminan destruidas por su ambición en Double Indemnity, lanzada al final de la Segunda Guerra Mundial. A mediados y finales de los 50, The Seven Year Itch y Some Like It Hot mostraban, a través de la imagen de la tentación misma -Marilyn Monroe- a una sociedad norteamericana que despertaba a la liberación sexual que viviría más tarde en los 60. Un grupo de aviadores norteamericanos en un campo de prisioneros de guerra dudaban de la fidelidad a su causa de un William Holden en Stalag 17, lanzada en medio de la caza de brujas de McCarthy. Este tema lo volvería a explorar en Witness for the Prosecution, ejercicio ejemplar del género courtroom drama, en donde la suerte de Tyrone Power dependía de la declaración de Marlene Dietrich como testigo de cargo.

Todas estas películas presentan, ya sea de forma cómica como en Some Like it Hot o más seria en Sunset Boulevard y Sabrina, el que es quizás el tema más recurrente de su filmografía: La exploración de quiénes somos vs. quiénes pretendemos ser.

Aunque siempre consideró la creación de un buen guión como el principal ingrediente para la realización de una buena película [algo que definitivamente aprendió de su maestro Lubitsch], su filmografía desborda de momentos visuales inolvidables. Según sus propias palabras, en ninguna de sus películas había una toma fingida, no creía en rodar por tajos, sino con elegancia. De acuerdo a los que mejor lo conocían, esa reflexión describía su persona perfectamente. ¿Tal vez otra prueba de que su obra era una extensión de su personalidad?

Wilder era ante todo, a pesar de ese cinismo tan cortante presente en toda su obra, un humanista. La grandeza de sus filmes está dada por historias habitadas por personajes reales, palpables, a los que honra regalándoles diálogos inteligentes y colocándolos en situaciones en las que cualquiera de nosotros podríamos vernos identificados. The Apartment es sin dudas la mejor descripción del carácter Wilderiano. Una película exquisita en su sencillez y en su puesta en escena, y donde una vez más Wilder aprovecha para mostrar otro de sus temas recurrentes: dos personajes que se convierten en mejores seres humanos por el simple hecho de estar juntos.

Al igual que los grandes como Chaplin, Orson Welles o Hitchcock, su obra final, aunque no a la altura de sus trabajos anteriores, debe ser vista y evaluada en el contexto de toda su carrera. Quizás en un intento de no emular a su creación Norma Desmond, decidió retirarse a tiempo y prefirió dedicarse a ser una figura de culto en vida.

Afortunadamente para nosotros los amantes del séptimo arte, mientras exista el cine, existirá el espíritu de Wilder. Billy Wilder ES el cine.

Nunca olvidaré cuando en la entrega del Oscar del 93, al aceptar el premio a la mejor película extranjera por Belle Epoque, Fernando Trueba dijo: “Me gustaría dar gracias a Dios, pero no creo Dios, así que doy gracias a Billy Wilder.”

Felíz 101!

100 Years...100 Movies

En 1998 se cumplieron 100 años del nacimiento del cine como tal en Estados Unidos [en 1895, los hermanos Lumiere ya habían hecho su primera exhibición de cortos en París], y para celebrarlo, el AFI [American Film Institute] realizó una encuesta entre sus más de 1,500 miembros para hacer una lista de las 100 mejores películas norteamericanas de todos los tiempos.

En general fue una buena lista, pero como siempre sucede, se encontraban par de clunkers como Guess Who's Coming to Dinner y películas en posiciones muy altas o muy bajas, como The Searchers en el #96.

A ya casi 10 años del lanzamiento de esa lista, y en lo que será una costumbre cada 10 años, decidieron hacer otra encuesta para actualizarla.

En estos 10 años apareció algo que revolucionó el cine para siempre: El DVD.

La última vez que se hizo la lista, estoy seguro que la gente votó por películas que nunca había visto, pero ahora con el DVD [con contadas excepciones], las películas más importantes de la historia están abiertamente disponibles. Hace 7-8 años era casi imposible encontrarlas en VHS o proyectadas en algún Revival House olvidado.

No me voy a poner a comentar película por película porque me tomaría una eternidad, pero voy a decir algo de cada una, lo primero que se me ocurra estilo medio stream of consciousness.

Aquí va:

1. CITIZEN KANE -- Aquí no hay discusión. A esta nadie la va a quitar de este lugar por muchos años, y rightfully so.

2. THE GODFATHER -- Bien, aunque me gusta más la II. Me gusta lo que dijo Coppola una vez cuando le preguntaron qué era The Godfather. Su respuesta: America.

3. CASABLANCA -- Bien. Hollywood entertainment hecho a la perfección.

4. RAGING BULL -- El mejor character study que jamás se haya hecho. No me imaginé que iban a tener los cojones de ponerla tan alta. Martin Scorsese es el director norteamericano más importante desde John Ford.

5. SINGIN' IN THE RAIN -- Perfecta.

6. GONE WITH THE WIND -- Las 4 horas que más rápido pasan.

7. LAWRENCE OF ARABIA -- Espectacular. No me quiero morir sin haberla visto como debe ser vista, en una pantalla bien grande.

8. SCHINDLER'S LIST -- Meh. Jewish guilt shows its head.

9. VERTIGO -- Debería estar más alta. La mejor película del maestro.

10. THE WIZARD OF OZ -- Bien. Esta película es magia.

11. CITY LIGHTS -- No es mi película favorita de Chaplin, pero es una película absolutamente perfecta.

12. THE SEARCHERS -- La mejor película de John Ford. De lo mejor que se ha hecho en la historia. El mejor western y uno de los mejores retratos de una obsesión.

13. STAR WARS -- Demasiado alta. Es una película importante, pero debería estar en los 80 o 90s. Además, The Empire Strikes Back es mejor.

14. PSYCHO -- Aquí debería estar otra película de Hitchcock como Notorious.

15. 2001: A SPACE ODYSSEY -- Perfecta.

16. SUNSET BLVD. -- Debería estar más alta. Otra perfecta.

17. THE GRADUATE -- Marcó una época. Excelente, pero muy alta.

18. THE GENERAL -- Esta debería estar en el top 10. Buster Keaton es un genio y mejor que Chaplin. Beneficiada de estar en DVD.

19. ON THE WATERFRONT -- Muy alta. La actuación de Brando es mejor que la película.

20. IT'S A WONDERFUL LIFE -- Bien. De visión obligada de cada 24 de diciembre.

21. CHINATOWN -- Perfecta. El renacer del Noir.

22. SOME LIKE IT HOT -- La mejor comedia de la historia. Billy Wilder es el mejor director americano sin ser americano de la historia. Esta es su segunda película en la lista.

23. THE GRAPES OF WRATH -- Una de las mejores adaptaciones literarias ever made. El discurso final de Henry Fonda es de leyenda.

24. E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL -- Una de mis favoritas, pero no creo que deba estar en esta lista.

25. TO KILL A MOCKINGBIRD -- Perfecta.

26. MR. SMITH GOES TO WASHINGTON -- Sentimentalismo americano hecho bien. Nadie como Capra sabía manejarlo.

27. HIGH NOON -- Overrated.

28. ALL ABOUT EVE -- El mejor grupo de actuaciones de la historia.

29. DOUBLE INDEMNITY -- El más logrado y el mejor de todos los Film Noirs. Otra obra maestra de Billy Wilder en la lista.

30. APOCALYPSE NOW -- La mejor película de guerra que se ha hecho. Ver esta película no es ver la guerra, es vivirla.

31. THE MALTESE FALCON -- La madre del Film Noir. Por eso está aquí, pero hay mejores.

32. THE GODFATHER PART II -- Mejor que la primera.

33. ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST -- Overrated. Aquí debería estar la otra película de Milos Forman - Amadeus que injustamente desapareció en esta lista. En la anterior estaba en el #53.

34. SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS -- La madre de la animación. No ha envejecido nada. Walt Disney era un genio adelantado a su época por mucho.

35. ANNIE HALL -- Excelente. Lo mejor de Woody.

36. THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI -- Excelente, pero hubiera preferido ver la otra película de David Lean que estaba aquí - Dr. Zhivago y que también desapareció de la lista.

37. THE BEST YEARS OF OUR LIVES -- Obra maestra.

38. THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE -- Hollywood entertainment at its best. Bien.

39. DR. STRANGELOVE -- Debería estar más alta.

40. THE SOUND OF MUSIC -- Bien.

41. KING KONG -- Overrated. Si el remake de Peter Jackson no fuera tan largo y bloated fuera mejor que esta.

42. BONNIE AND CLYDE -- Excelentísima. Aquí Hollywood comenzó a glamourizar el crimen y de qué forma.

43. MIDNIGHT COWBOY -- Muy buena y controversial, pero yo no la pondría aquí. Hay películas de los 70s más revolucionarias e importantes.

44. THE PHILADELPHIA STORY -- Ver a Cary Grant, Katharine Hepburn y Jimmy Stewart juntos en pantalla es un regalo. Una de las mejores comedias.

45. SHANE -- Overrated.

46. IT HAPPENED ONE NIGHT -- La mejor película de Capra y una comedia absolutamente perfecta. Aquí no hay un sólo segundo desperdiciado.

47. A STREETCAR NAMED DESIRE -- Actuaciones magistrales, pero no se si el todo sea tan bueno como sus partes.

48. REAR WINDOW -- Debería estar más alta.

49. INTOLERANCE -- Otra obra suprema del cine. Me alegra que haya reemplazado a Birth of a Nation, y debería estar más alta.

50. THE LORD OF THE RINGS: THE FELLOWSHIP OF THE RING -- Si había que poner una de las tres aquí, era lógico que fuera esta. Con el tiempo la importancia de estas películas va a aumentar, pero en este momento esta posición es demasiado alta.

51. WEST SIDE STORY -- Uno de los mejores musicales que se han hecho. Excelente.

52. TAXI DRIVER -- Scorsese y sus character studies. Obra Maestra.

53. THE DEER HUNTER -- Overrated. No la soporto.

54. M*A*S*H -- Excelente. No es mi película favorita de Altman, pero me alegra que esté en esta lista.

55. NORTH BY NORTHWEST -- Obra Maestra de Hitchcock. La pondría más alta.

56. JAWS -- Esta marcó un antes y un después. Muchos la desprecian, porque la consideran el nacimiento del cine comercial y la muerte del cine de autor, pero whatever.

57. ROCKY -- No la soporto y no se qué hace aquí. Es una verguenza que esta película haya ganado el Oscar el mismo año en que Network y Taxi Driver competían.

58. THE GOLD RUSH -- Si de causar risa se trata, esta es la mejor comedia de Chaplin.

59. NASHVILLE -- Me encanta ver que por fin se reconozca el trabajo de Robert Altman.

60. DUCK SOUP -- Me encuentro a los hermanos Marx insoportables.

61. SULLIVAN'S TRAVELS -- Preston Sturges es un genio y me alegra ver una película suya aquí, aunque hubiera preferido que fuera The Lady Eve.

62. AMERICAN GRAFFITI -- Icónica y no ha envejecido nada.

63. CABARET -- Excelente musical. No estaba en la lista anterior.

64. NETWORK -- Obra Maestra.

65. THE AFRICAN QUEEN -- Las dos estrellas más grandes de Hollywood juntos. Muy entretenida, pero no se si es una de las"100 mejores película americanas."

66. RAIDERS OF THE LOST ARK -- Lo mejor del cine de aventuras. Muy buena posición.

67. WHO'S AFRAID OF VIRGINIA WOOLF? -- Esta película es un thrill ride desde que comienza hasta que termina. Magnífica.

68. UNFORGIVEN -- El renacimiento del Western. Excelente.

69. TOOTSIE -- Muy buena comedia, pero no se qué hace en esta lista.

70. A CLOCKWORK ORANGE -- Debería estar más alta.

71. SAVING PRIVATE RYAN -- El AFI parece que odia a Terrence Malick. No está Days of Heaven y ponen a esto en lugar de The Thin Red Line.

72. THE SHAWSHANK REDEMPTION -- Classic Hollywood storytelling hecho bien. Aunque su gran popularidad ha generado un backlash en su contra, es una película excelente.

73. BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID -- Excelente. Aquí se comenzó a ver que en los westerns no había que tomarse las cosas tan en serio. Redford y Newman son una de las parejas más legendarias del cine.

74. THE SILENCE OF THE LAMBS -- Bien. El tiempo la ha tratado muy bien, todavía es una película que emociona.

75. IN THE HEAT OF THE NIGHT -- Fue una película importante cuando salió, pero ahora no entiendo qué hace esto aquí.

76. FORREST GUMP -- No voy a decir nada.

77. ALL THE PRESIDENT'S MEN -- Excelente, pero no creo que debería estar en esta lista.

78. MODERN TIMES -- La mejor comedia de Chaplin en mi opinión. Debería estar más alta.

79. THE WILD BUNCH -- Obra Maestra. Cada tiro que se ve en las películas de hoy día se le debe agradecer a esta película.

80. THE APARTMENT -- Debería estar entre las primeras 20. Otra obra maestra de la tragicomedia de Billy Wilder.

81. SPARTACUS -- Cine épico de primera clase, aunque fue un encargo para Kubrick y no una película personal.

82. SUNRISE -- Esta no es una Obra Maestra, es una Obra Suprema del cine y de cualquier arte. Debería estar en el top 10.

83. TITANIC -- Entiendo por qué debe estar en esta lista. Es una película importante, pero no por las razones correctas.

84. EASY RIDER -- Otra que marcó época aunque para mi está envejecida.

85. NIGHT AT THE OPERA -- De nuevo, no paso a los hermanos Marx. Aparte de dos o tres gags visuales, no soporto esta película. Es un tipo de humor super envegecido para mi.

86. PLATOON -- Overrated.

87. 12 ANGRY MEN -- Henry Fonda prueba aquí de nuevo por qué es el mejor actor de su generación y por qué Sidney Lumet es uno de los mejores directores norteamericanos. No tiene desperdicio.

88. BRINGING UP BABY -- Excelente comedia, pero si tuviera que escoger otra de Katharine Hepburn y Cary Grant, me quedo con Holiday.

89. THE SIXTH SENSE -- ¿Qué hace esto aquí? Es una película buena y super efectiva, pero a quién se le ocurre pensar que es una de las mejores películas de los últimos 10 años.

90. SWING TIME -- Excelente. Me alegra que de las películas de Fred Astaire y Ginger Rogers hayan escogido esta y no Top Hat.

91. SOPHIE'S CHOICE -- La actuación de Meryl Streep en esta película, que es un landmark, le ha dado a esta película una estatura que yo creo que no merece. Me parece injusto que salgan de la lista anterior películas como A Place in the Sun, The Third Man y Amadeus para que entre esto

92. GOODFELLAS -- Obra maestra de Scorsese. Debería estar entre las primeras 30.

93. THE FRENCH CONNECTION -- Excelente thriller policíaco, pero el hecho de que cayera 23 puestos hace pensar que no mucha gente la está viendo estos días.

94. PULP FICTION -- La película más importante de los 90. Debería estar más alta.

95. THE LAST PICTURE SHOW -- Excelente. Uno de los mejores retratos de la nostalgia de pueblo. En la lista anterior no estaba. A diferencia de Sophie's Choice, esta es una muy buena adición.

96. DO THE RIGHT THING -- Otra que marcó una época. Está muy bien en esta posición.

97. BLADE RUNNER -- La reputación de esta película crece con los años. En 20 años más va a estar entre las primeras 30. Este año se va a lanzar de nuevo en los cines. Ojalá que la traigan.

98. YANKEE DOODLE DANDY -- Overrated.

99. TOY STORY -- Revolucionó la forma de hacer animación. Excelente película, aunque la segunda me gusta más.

100. BEN-HUR -- De lo mejor que el cine épico clásico tiene que ofrecer. Un poco larga, pero visualmente es un espectáculo.

En 10 años nos vemos de nuevo!

Why Forrest Gump Sucks

Este post sé que va a ser controversial.

La película es increíblemente popular, y por eso quizás mi corazón por naturaleza negro y cínico hace que no me guste, pero en realidad, después de verla recientemente de nuevo, me la encuentro peor todavía - Más ñoña, más preachy y más obvia. Detesto las cosas obvias. No tengo ningún problema con películas que wear their hearts out on their sleeves como dicen los gringos, pero aquí es insorportable.

Esto lo escribí hace ya un buen tiempo, más de 5 años creo, y decidí ver la película de nuevo para comprobar si mi opinión era la misma.

Aquí va:

Forrest Gump:

The Cynical "Masterpiece"

A girl I know once complained to me about how dumb she was. She claimed to have no practical knowledge and even less common sense. I was at a loss of words. Mostly because I didn't want to be mean, but I really couldn't think of any way to disagree.

Despite my almost crippling initial shyness, I can actually think quite well on my feet when feeling comfortable. So, without too much of a pause, I managed to reply with: "Don't worry, intelligence doesn't get you anywhere. When it comes to being happy in this life, the two prime movers are blissful ignorance and dumb luck."

That might not be too happy of an outlook, but it occurred to me that a very popular mid-90s film centered on that very philosophy: Forrest Gump.

The movie that proudly told us all that our lives will be given meaning through straight-up, dumb-as-shit luck.

But it's more than that. Gump doesn't candy-coat history. It tells it like it is: a series of completely random occurrences in which intelligence or order play no part. Our world is shaped by bumbling idiocy.

Those who voted for Bush won't wake up tomorrow and see the light. Truth won't prevail. This concept of "Enlightenment" is completely and utterly socially irrelevant.

Everything is just a crapshoot. Life is like a box of chocolates. You never know what you're going to get – Maybe the most pessimistic quote in motion picture history.

Blissful Ignorance and Dumb Luck. They are all that matter. This is what Mr. Gump has taught me. Yet some people call it an inspirational story.

Why?

I remember arguing with a friend about how fucked up Forrest Gump is, in the sense that if its message was taken literally by people, we’re doomed. It's played off as inspiration where it should have been played off as a satire on American culture. Some people described him as inspirational, and proof that you can do anything in America, but that's debatable. If only Gump represented some sort of "ignorance is bliss" satire on America, or Western culture in general, but I’ve always thought it took itself way too seriously.

Take the tagline for instance: "See the world through the eyes of Forest Gump.” Could sound innocent. Could be a subtext for how society wants to perceive history and life. That all these things will happen to you if you are like Forest Gump - never question the system, etc.

It rained a lot in Vietnam, sometimes it rained upside down, and Gump did whatever the army told him to do. He went for a long run, and had a load of followers and then got quoted a lot [I always saw that as a stab at religion].

What I can remember that bothered me the most about it is how the "good" aspects are implicitly, heavy-handedly defined: Football, military heroism, capitalism, friendship, and family values, while the "bad" aspects are sex, drugs, rock and roll, and social activism. It strongly implies that both Jenny and Forrest deserve what they get because of their life choices – Jenny deserves to die of AIDS because she was a promiscuous, anti-war activist whore, while in Forrest's case, his gentle passivity, his conformism leads him to a nice, peaceful life. Don’t forget he ended up being rich too.

Republicanism vs Liberalism, maybe?

It's been a while since I've seen the movie, but if it was less sentimental and more satirical, it could very well have been brilliant. But I really do think Zemeckis thought of this film as inspirational and made it so.

Pulp Fiction was robbed.

Shrek 3: Más de lo Mismo

Si no hay una historia interesante o que realmente valga la pena contar, ¿para qué molestarse?

Shrek 3 no es más que una reiteración de lo que ya vimos en las dos primeras: un montón de referencias pop culture que en 10 o 20 años nadie va a entender y no van a causar gracia, el mismo tema gastado de "Acéptate como eres!!!!!!" y los mismos chistes de pipí y pupú que ya hartan.

El sense of joy y la originalidad de la primera ya no existen. Cada momento está tan fríamente calculado que no hay sorpresa alguna - ya sabemos que Shrek es un gruñon, que la princesa Fiona es feisty pero comprensiva, que el burro es un estereotipo andante y que todos los personajes de los cuentos de hadas van a provocar situaciones "graciosas" - ¿la misma broma de que Pinocho va a decir una mentira sin querer, que la Bella Durmiente se está durmiendo en todas partes o que los ratoncitos ciegos se van a caer puede causar risa después de 5 o 6 veces?

El público ya no se sorprende, al contrario, está a la espera de situaciones como esas y se ríe casi por obligación ya. ¿Cuál es el punto de hacer tres películas si los personajes no van a sufrir ningún cambio o evolución?

Pero claro, yo mismo me respondo la pregunta del principio: the almighty dollar. Ese es el único idioma que se habla en Hollywood.

Ya la idea no es sorprender al público con ideas nuevas. Para qué molestarse con ese cuando se puede ir por lo seguro.

Todo en Shrek 3 es tan run-of-the-mill y básico que por momentos se siente más como un especial de televisión que una película para el cine.

Jeffrey Katzenberg, uno de los fundadores de los estudios Dreamworks y el productor ejecutivo de las tres películas de Shrek ha dicho que esperemos Shrek 4 y 5 muy pronto.

No, gracias.

Pirates of the Caribbean 3: Por Fin Se Acabó!!

Que tortura.

Si la segunda se sentía como un overstuffed mess, a esta no sé ni cómo describirla.

Lamentablemente, esta franquicia que prometía muchísimo potencial después de la excelente primera película, se desgastó con la segunda, y se fue a la porra con este trainwreck.

Los piratas sufrieron el mismo destino de Neo y sus amigos de las películas The Matrix - los productores, incluyendo a Disney y al todopoderoso Jerry Bruckheimer, en su afán de hacer más y más dinero pensaron que para superar al primer episodio de la trilogía, lo único que debían hacer era tomar todo lo que funcionó en la primera, y elevarlo a la enésima potencia, es decir, convertir a un actor del calibre de Johnny Depp y a un personaje que al principio resultaba tan simpático como Jack Sparrow en una caricatura insoportable, tomar los elementos sobrenaturales que funcionaron tan bien en la primera y estirarlos hasta crear una "mitología piratística" que no puede ser más disparatosa y absurda, y escenas de acción en el mar abierto que en lugar de emocionar hartan y desesperan.

Afortunadamente, la gente, que al parecer no es tan bruta como los genios de Hollywod a veces creen, se ha dado cuenta del tremendo clavo que es esta película, y todo parece indicar que terminará haciendo menos dinero que la primera.

De las tres "grandes" del verano, las dos primeras, incluyendo ésta y Spider-Man 3, han resultado dos fiascos. La próxima es Shrek 3, que se estrena mañana, y que si juzgamos por la reacción de los críticos americanos, es otro desastre.

¿Quién salvará al verano? ¿Transformers? ¿La película de Los Simpson?

Esas 3 horas no me las devuelve nadie.

Fuck you, Hollywood.

Lo Mejor del Cine Negro

Antes de comenzar el countdown, es importante aclarar que en esta lista sólo pondré películas norteamericanas del período comprendido entre el 1941, considerado el año en que nació propiamente el género con The Maltese Falcon, hasta 1958, año en que se estrenó Touch of Evil, considerado el último Noir Clásico.

En otra ocasión haré otra lista de películas precursoras Noir [pre-1941], no norteamericanas y del período post-noir, con obras maestras como Pépé le Moko, Rififi, Chinatown, Body Heat y Blood Simple.

 

15. Kiss Me Deadly [1955]:

De todos los noirs que he visto, es este de Robert Aldrich el que quizás mejor describe y captura ese sentido de decadencia del que hablé en el post anterior. Todos los personajes están rotten to the core y sus acciones sólo sirven para hundirlos más y más, por tanto no es coincidencia que el único personaje puro y de buenos sentimientos muere en los primeros diez minutos.

Todos van tras una caja que nadie sabe su contenido, pero todos están dispuestos a hacer lo que sea por ella.

No me puedo imaginar lo asustada y desoncertada que salió la gente del cine al no obtener una respuesta definitiva de qué había realmente dentro de la caja - ¿la bomba atómica?, ¿El detonante del juicio final? Nunca lo sabremos, y verdaderamente no importa. La caja sólo es una excusa para sacar lo peor de todos los personajes y plasmar en la pantalla la miseria humana en su máxima expresión.

Ha inspirado a innumerables directores y películas, pero la que siempre se menciona es Pulp Fiction, donde también hay un maletín misterioso que todos desean pero el expectador nunca sabe qué contiene.

14. Detour [1945]:

Este es el ejemplo por excelencia de lo mucho que se puede hacer con muy poco. Esta película "poverty row" de Edgar Ulmer se filmó en seis días, con $20,000 y con sólo unos cuantos actores.

El tono melancólico y fatalista nos muestra que un buen hombre sólo está a un paso de convertirse en uno malo, no por su propio deseo, sino por circunstancias sobre las que no tiene control alguno - nadie puede escapar a su propio destino en las reglas del Noir.

Utilizando uno de los recursos clave del género, la película está contada en forma de flashback, iniciando con un vagabundo contándonos sus infortunios durante su trayecto a California para encontrarse con su novia. Por momentos parece que la fortuna le sonríe, pero una y otra vez la vida se encarga de desviarlo por el camino de la perdición.

Anne Savage encarna al arquetipo de la femme fatale - Una mujer sin ningún tipo de escrúpulos que se encargará de hundir al protagonista.

Con sólo 69 minutos de duración, esta película no tiene un sólo momento desperdiciado. Muchos consideran que todavía hoy, a más de 60 años de su estreno, es la mejor película independiente y de bajo presupuesto jamás hecha.

 

 

13. Laura [1944]/Gilda [1946]:

¿Que por qué pongo a estas dos juntas? Todos los noirs de alguna manera u otra nos presentan un papel femenino como parte importante de la trama, pero en los casos de Laura y Gilda, las historias giran absolutamente alrededor de ellas. Ambas interpretadas por dos de las mujeres más bellas de la historia de la pantalla, Gene Tierney y Rita Hayworth, y ambos papeles son por los que serían recordadas por siempre.

También está el hecho de que las dos no son las típicas mujeres fatales. Al contrario. En un twist del género, ambas son las víctimas de las circunstancias y de los hombres que las rodean.

Laura tiene uno de los mejores empleos del recurso del flashback y el voice over de todos los noirs.

El momento en que se dejan de usar estos dos recursos, ocurre algo curioso - parece que estuvieramos viendo otra película totalmente diferente, la película sufre un cambio de tono radical. Algunos dicen que todo se trata de un sueño, lo que sólo ha servido para elevar el allure de misterio que rodea tanto a la película como al mítico personaje de Laura.

Por otro lado, Gilda trasciende al cine. Rita Hayworth nunca pudo escapar de su so

mbra, al punto de decir "Men go to bed with Gilda, but wake up with me."

La película tiene dos de mis ingredientes noir-ish favoritos: personajes con secretos y que mienten constantemente y un nightclub que constituye el punto de reunión shady donde se reúne toda la escoria de la sociedad y donde se cierran todos los negocios sucios. Es precisamente en ese lugar donde se desarrolla la escena más memorable de la película y una de las escenas más icónicas de la historia del cine: el striptease de Gilda cantando Put The Blame on Mame.

12. Touch of Evil [1958]:

Un tema emblemático del canon del Film Noir llevado a la pantalla de forma magistral por Orson Welles: La corrupción en todas sus variantes.

Lo que vemos en pantalla es una complicada maraña de corrupción, manipulación y racismo, desarrollada por un conjunto de personajes y lugares arquetípicos del universo noir: policías corruptos, pandilleros, traficantes de drogas, callejones fronterizos oscuros, prostíbulos, héroes y antihéroes, todo contado en un período de 24 horas.

La película inicia con una de las secuencias más impresionantes de la historia del cine - un tracking shot sin interrupciones de 3 minutos de duración, donde observamos desde la colocación de una bomba dentro de un carro hasta el momento en el que estalla.

Como ocurre con la mayoría de las grandes películas, cuando se distribuyó por primera vez fue un fracaso absoluto, posiblemente en parte por tratar de forma normal temas que p

ara la época eran aún escandalosos, como la ambigüedad sexual de algunos de sus personajes y el mostrar a la policía como un entidad controlada por corruptos.

El capitán Quinlan fue interpretado por el mismo Welles en su etapa más grotesca - su obesidad y alcoholismo lo habían convertido en el actor perfecto para interpretar a un hombre obsesionado con impartir justicia a su manera sin importar las consecuencias. La otra cara de la moneda es un Charlton Heston dizque mexicano, interpretando al policía idealista, quien todavía cree en la justicia, y cuya luna de miel queda interrumpida en su afán de aclarar el asunto de la bomba. Durante su investigación, su ahora esposa es secuestrada por un cartel de la droga de poca monta, así que su misión ahora será recopilar las pruebas necesarias para de

mostrar que Quinlan es un corrupto y rescatar a su esposa.

La película deja al expectador con la interrogante de si la justicia deja de ser justa si los medios utilizados para llegar a ella no son los adecuados.

El final, con la inolvidable Marlene Dietrich, es un clásico absoluto: He was some kind of a man - What does it matter what you say about people?

11. This Gun For Hire [1942]:

Otro personje del universo noir: El asesino a suelo.

Basada en una novela del célebre Graham Greene, muchos consideran que este es uno de los contados casos donde la versión cinematográfica supera a la fuente literaria original.

Una poderosa corporación ha creado una peligrosa formula química que venderá al "enemigo" [¿los alemanes?] y que a la vez ha sido robada por un hombre que los está chantajeando. Para deshacerse de este problema, contratan al infame cicario Phillip Raven. Su intención es recuperar la fórmula y deshacerse del chantajista, y si lo hacen sin necesidad de pagar mejor aún, por lo que toman la decisión errada de pagar los servicios de Raven con billetes marcados para que la polícia los pueda rastrear rápidamente.

A pesar de no poseer la profundidad temática de Kiss Me Deadly o los visuales de Touch of Evil, This Gun For Hire es una maravilla del studio system. Al igual que películas como Casablanca, todos los elementos de esa gran maquinaria funcionaron para hacer una película perfecta.

Raven es un asesino sin escrúpulos, pero a pesar de eso simpatizamos con él y esperamos que triunfe. La película fue considerada controversial no sólo por ese factor, sino porque en los momentos finales, el asesino es mostrado como un hombre noble y sobre todo un americano patriótico, mientras que la gran corporación es la traidora ambiciosa que venderá su fórmula y la posible receta del triunfo de la guerra al enemigo.

Es cierto que faltan elementos claves como una femme fatale, el voice over, o un flash

back, pero a pesar de eso This Gun For Hire emociona y es una de las mejores representantes del género.

10. The Killing [1956]/The Asphalt Jungle [1950]:

Ambas protagonizadas por Sterling Hayden y dirigidas por dos de los grandes maestros del cine, Stanley Kubrick y John Huston, tienen la particularidad de ser las mejores representantes del subgénero del Noir-Heist. En ambas vemos paso a paso como se planea y desarrolla un gran robo, llegamos a conocer a todos los personajes y la forma en que se relacionan unos con otros.

Como sucede en la mayoría de los noirs, aunque sabemos que están haciendo algo indebido, simpatizamos con ellos y deseamos que triunfen, pero como es ya sabido, en el universo del noir el triunfo no existe, la perdición está a sólo un paso y no hay forma de escaparse de ella.

Todos los elementos están presentes: la narración ominosa, los flashbacks, los ladrones expertos acabados de salir de la cárcel con deseos de comerse el mundo, los novatos, los traidores, las mujeres fatales y la presencia de Marylin Monroe en uno de sus primero roles.

Con películas como The Maltese Falcon y Key Largo, John Huston ya se había establecido como una de las voces definitivas del estilo noir, mientras que The Killing fue el trampolín de Kubrick para establecerse como uno de los talentos emergentes a los que había que poner atención.

Ninguna de las dos goza del privilegio de ser la precursora del estilo de narrativa no-lineal, pero sí son sin duda alguna dos ejemplos excepcionales de la técnica que han servido de inspiración para películas como Pulp Fiction, The Usual Suspects, Memento o Reservoir Dogs.

9. Pickup on South Street [1953]:

La mano precisa de Sam Fuller, uno de los grandes directores norteamericanos olvidados, está detrás de esta película.

Un experto carterista roba un microfilm que contiene información importantísima a una mujer que está sirviendo de intermediaria entre un mercenario y "los comunistas."

La escena que abre la película, donde se comete el robo que mencioné anteriormente, es una lección de cine. Los tensos primeros planos de los ojos de Candy [la femme fatale que en realidad no lo es] y Skip [el carterista], así como de los policías que los siguen, nos indican que lo que veremos es una historia donde no sabemos quién es verdaderamente culpable o inocente, todo es cuestión de la perspectiva con que se observe.

La actuación de Thelma Ritter, la más grande de las character actresses, es inolvidable. Ella es la mayor conocedora de las actividades y protagonistas del bajo mundo y a quien la policía acude cuando necesita información. A pesar de su condición, ella representa la balanza moral entre el mundo de los justos y de los criminales.

 

Como se observa en This Gun For Hire, el antihéroe es el menor de los dos males. A pesar de representar lo más bajo de la sociedad, en sus manos está la posibilidad de impedir que la seguridad de su país - la democracia - quede a merced del "enemigo." Fuller trata de decir que en una sociedad corrupta todos somos más o menos culpables, pero culpables al fin.

Lo que a primera vista podría parecer simple propaganda pro-norteamericana y anticomunista, es en realidad una ácida crítica a ese sentimiento conservador. Muchos estudiosos del cine dicen que Sam Fuller se dedicó a lo largo de toda su carrera a desenmascarar en la pantalla lo que llamaban The Big American Lie - que los Estados Unidos eran el bastión de los buenos valores, la moralidad y la justicia. Los comunistas puede que fueran el enemigo, pero las prácticas que utilizaba el gobierno para hacerlo parecer como tal también lo convertían en un enemigo.

La vigencia al día de hoy de este tema hacen de Sam Fuller uno de los grandes visionarios del cine.

Obra Maestra.

8. Out of the Past [1947]:

Robert Mitchum es el rostro del Film Noir.

Podía usar sus expresivos ojos para encarnar tanto al reluctanct hero como a la representación más pura del mal.

En Out of the Past, Mitchum hace una de las mejores interpretaciones de su carrera, dando vida a un hombre que se da cuenta que por más que se esconda, el pasado siempre regresará a cobrar cuentas pendientes.

Jeff Bailey ha escapado de su vida anterior y se ha establecido en una pacífica comunidad donde administra una estación de gasolina.

Estructurada alrededor de un extenso flashback, vemos como Jeff, un detective privado, fue contratado por el gangster Whit Sterling [interpretado por Kirk Douglas] para ir tras la pista de Kathie Moffat, la mujer que lo traicionó, dejándolo por muerto y huyendo con $40,000. Como es de esperarse, Jeff se enamorará de Kathie, una femme fatale inescrupulosa que se encargará de llevarlo a su desgracia. Jeff sabe que Kathie es su perdición, pero su atracción por ella es más fuerte que él mismo.

En esta película vemos las dos representaciones femeninas típicas del universo noir: Kathie representa la emoción del peligro, una mujer completamente dañina que no reparará en hacer lo que sea, incluyendo mentir y matar, para conseguir lo que quiere. Del otro lado Anne, la nueva novia de Jeff, es la inocencia virginal y en la que ve la posibilidad de comenzar una nueva vida. Las mujeres tienen una posición de poder muy fuerte en esta película, pero a pesar de esto, ha sido catalogada como una obra antifeminista y misógina por años.

Rompiendo con uno de los cánones del estilo noir, Jacques Torneur decidió desarrollar la acción en lugares abiertos y hermosos y no en callejones y lugares oscuros. La oscuridad emana de los personajes mismos, no de su ambiente.

"You're like a leaf that the wind blows from one gutter to another" le dice Jeff a Kathie en un escena, la descripción perfecta.

Esta es una de las esenciales no sólo del género Noir, sino del cine en general. Magnífica.

7. Notorious [1946]:

La palabra Notorious en inglés tiene una connotación negativa.

Notorious es el adjetivo que se utiliza para describir a alguien infame, conocido por sus malos actos y costumbres.

¿A quién se le ocurriría utilizar a alguien como Ingrid Bergman para dar vida a una mujer de dudosa reputación, promiscua y alcohólica?

A Alfred Hitchcock, por supuesto.

Ingrid Bergman da vida a Alicia Huberman, hija de un ex-espía Nazi, a quien gracias a su notoria reputación un agente del gobierno americano [interpretado por Cary Grant] contacta para infiltrarse en una célula de espías nazi radicada en Río de Janeiro. Alicia terminará casándose con la cabeza del grupo, interpretado magistralmente por Claude Rains, quien en el fondo la ama, pero su lealtad a su grupo y el amor retorcido por su madre lo llevará a tratar de eliminarla envenenándola poco a poco.

Nuevamente, aquí nos encontramos con una femme fatale que en realidad no lo es. Cuando Alicia se enamora del Agente Devlin, vemos que en el fondo es una mujer insegura y asustada, en busca de una figura masculina que le ofrezca el sentido de validación y protección que busca - otro elemento del canon noir.

En esta película encontramos algunos de los elementos signature de Hitchcock - el elemento clave buscado por todos los personajes [que le llamaba McGuffin] que hace que avance la historia [el uranio que utilizarían los nazis para fabricar otra bomba], la figura materna opresiva y el uso simbólico de las escaleras.

Una escena en particular de esta película es una de las mas tensas de la historia del cine, la búsqueda de una llave y el descubrimiento por parte de Alicia y Devlin del uranio escondido en botellas:

Aunque el nombre de Hitchcock no está asociado propiamente con el género noir al igual que directores como Fritz Lang, toda su obra está repleta de obras maestras noir como Shadow of a Doubt y Strangers on a Train.

Notorious funciona como thriller, como suspense y como Noir.

6. The Big Heat [1953]:

El mejor y más serio retrato que se ha hecho sobre la venganza.

Esta película constituye el landmark de la carrera del maestro Fritz Lang en su etapa como director en Estados Unidos.

Es otra de muchas películas de los 50 donde se trataba de crear conciencia de la profunda corrupción en las esferas de poder, y el control que los círculos del crímen orginazado tenían sobre ellos.

Es una historia sumamente sencilla [uno de las características del noir] hecha interesante por su brillante puesta en escena.

La historia gira alrededor de Dave Bannion, magistralmente interpretado por Glenn Ford [protagonista de otra película de la lista, Gilda], quien es un incorruptible detective de la policía dentro de una sociedad y un sistema corrompido en todos sus niveles, desde el mismo jefe de la policía hasta el ciudadano más común. Lang se encarga de hacernos ver cómo Bannion deberá sucumbir y poner sus valores de lado para conseguir justicia luego del cruel asesinato de su esposa por un grupo de gangsters.

Su determinación no le dejará ser transformado por ese bajo mundo, y para lograr su objetivo utilizará la ayuda de Debby Marsh [la ganadora del Oscar Gloria Grahame] una femme fatale y mujer de uno de los jefes de la organización, interpretado por Lee Marvin en una de las mejores actuaciones de su carrera.

Aquí observamos dos tipos de femme fatale. Debby, quien aparenta ser la peor, en realidad no lo es. Hallará su redención ayudando a Bannion a impartir justicia, mientras que Bertha Duncan, la viuda del jefe de la policía que se suicida al principio de la película, aparenta ser el retrato de la pulcritud y la decencia, pero que en realidad es una chantajista y una mujer sin escrúpulos.

Violenta y cruda en una época en la que los momentos más violentos quedaban implícitos y no eran mostrados en pantalla, en The Big Heat vemos la desfiguración de la cara de una mujer y personas disparadas a sangre fría. Si contamos lo que no ocurre en pantalla, es más violenta aún - una mujer es asesinada en una explosión, un hombre se suicida, torturas, golpes, en fin, esta película sin duda fue revolucionaria cuando se estrenó por su crudeza.

A fin de cuentas, lo que Lang nos dice es que para luchar contra las fuerzas del mal que amenzan nuestra sociedad, lo que se necesita es de personas valientes y con valores sólidos unidas en una lucha común. Un mensaje con una vigencia eterna.

Obra maestra.

5. Scarlet Street [1945]:

Edward G. Robinson es otro de los rostros clave del Film Noir. Sus facciones duras y su cara de malo lo hacían uno de los actores que mejor interpretaba papeles de gangster y de hombre desalmado.

Aquí es todo lo contrario - Chris Cross [un juego de palabras ingenioso] es un hombre dócil y dominado totalmente por su esposa, que encontrará en la aparentemente inocente "Kitty" March -otra de las peores femmes fatales de la historia del Noir- el peor de los destinos.

Dan Duryea, otro de los actores que por su cara y voz de sinvergüenza es reconocido por interpretar villanos, interpreta a Johnny, el amante de Kitty y quien organiza el plan de sacar a Chris todo el dinero que puedan.

Chris vive una vida aburrida con una esposa que lo desprecia y cree encontrar en la “inocente” Kitty la oportunidad de darle vida a su gris existencia.

Johnny y Kitty forman una de mis parejas favoritas. Los dos por separado son pura escoria humana, y juntos forman la pareja perfecta. Las actuaciones apropiadamente over the top y campy de Joan Bennet y Dan Duryea son una delicia.

El tema central de esta obra maestra es el tema central del estilo Film Noir - como el hombre común sólo está a un paso de olvidarse de sus valores y sucumbir ante la tentación ya sea del dinero, del amor de una mujer o del crimen.

Es difícil decir entre The Big Heat y Scarlet Street de cuál es la mejor película de Fritz Lang en Estados Unidos, pero por ahora le doy el edge a Scarlet Street.

El final es inolvidable - La culpa es la carga más grande que existe.

El mismo equipo compuesto por Fritz Lang, Edgard G. Robinson, Joan Bennet y Dan Duryea trabajó el año anterior en otro excelente noir, The Woman in The Window que por fin saldrá en DVD el mes próximo.

4. Gun Crazy [1950]:

Si de femmes fatales se habla, Annie Laurie Starr -interpretada por Peggy Cummings- es el arquetipo por el que deben ser medidas todas. 

Lo que la hace más característica aún es que a diferencia de otras como Kathie Moffat en Out of The Past, Annie no pone ninguna excusa para sus actos ni se hace la víctima inocente. Es mala porque sí. Al que no le guste se tendrá que enfrentar a su puntería infalible.

Dos pistoleros, él un soldado recién salido del Army aficionado a las armas, y ella la estrella de un acto de circo, se juntan y forman la pareja de asalta bancos más infame hasta que aparecieran Bonnie & Clyde.

Visualmente es impresionante. No se me olvida en especial la escena donde Bart y Laurie roban su primer banco. Vemos en una sola toma cómo ocurre el robo sin la cámara moverse del asiento trasero, esperándolos. La audiencia es la cámara.

Lo más curioso de ésta película es que generalmente en el universo del Noir el amor entre el antihéroe y la femme fatale se limita a lo físico o a la conveniencia, pero en el caso de Gun Crazy, Bart y Laurie realmente se aman, y ese amor tan retorcido y dañino es lo que los lleva a su perdición. No es sólo amor, es ese thrill que se observa en los ojos y en las sonrisas de ambos cuando cometen un crímen lo que los mantiene unidos. La naturalidad y química entre John Dall y Peggy Cummings es clave para lograr esto.

Se puede sacar un interesante subtexto sexual del dominio y deseo de Annie por sus pistolas, pero eso será en otro post...

Este es definitivamente uno de los mejores film noirs de la historia y de visión absolutamente esencial.

3. Sunset Boulevard [1950]:

- "You're Norma Desmond, you used to be big"

- "I AM big, it's the pikchas that got small!"

Bienvenido al mundo de la decadencia, los excesos y de la locura de una estrella olvidada - Norma Desmond.

Contada en forma de flashback, Joe Gillis acaba de ser asesinado y a lo largo de la historia narra los hechos que lo llevaron a estar flotando en la piscina de Norma Desmond, una de las más grandes estrellas de la época muda y que ahora es una has-been totalmente acabada.

Aunque muchos consideran que carece de muchos elementos para considerarse propiamente un Noir, esto es sólo porque Billy Wilder, uno de los grandes artistas del siglo XX, decidió enfocarse en la oscuridad interna de sus personajes, y no en crear una atmósfera de sensuales mujeres fatales o callejones oscuros.

En lugar de concentrarse en el mise-en-scene arquetípico al que las otras películas de esta lista se apegan, prefirió enfocarse en los aspectos abstractos del Film Noir: el sentido de pesimismo, auto-destrucción y de fatalidad habita cada segundo de Sunset Boulevard.

 

Esto es cine en su expresión máxima.

 

 

2. The Third Man [1949]:

Este es quizás el Noir mejor ambientado de todos.

La utilización de la ciudad de Viena luego de terminada la guerra no puede ser mejor. La ciudad devastada y decandente es un reflejo de todos los personajes que habitan esta película.

Basada en una historia del gran Graham Greene [autor también de la #11 de la lista, This Gun For Hire] y adaptada por él mismo, esta es una de las mejores películas de la historia del cine. El hecho de que sea un Film Noir es incidental.

La fuerza argumental es sólo superada por una puesta en escena magistral. La labor fotográfica de Robert Krasker y su uso del claroscuro es de escuela. Visualmente, este es tal vez el Noir definitivo.

Graham Greene decía que la película y la historia en que se inspiró podía definirse en una sóla frase "I saw a man walking down the Strand, whose funeral I had only recently attended."

Holly Martins, interpretado por Joseph Cottens en una de las actuaciones cumbres de su carrera, viaja a Viena para tratar de decifrar la desaparición de su amigo Harry Lime. Mientras más se adentra en la historia de Harry, irá descubriendo más y más detalles sórdidos de su vida.

La escena de la aparición de cierta persona que se suponía estaba muerta es uno de los grandes momentos de la historia del cine.

 

Decir que The Third Man es una obra maestra sería un understatement.

 

1. Double Indemnity [1944]:

"...an unholy love and an almost perfect crime."

Aquí se alinearon todos los elementos para crear una obra de una perfección única.

Lo que he querido establecer a lo largo de esta lista es que el Film Noir es a fin de cuentas la representación de los deseos y pasiones que nos corrompen como seres humanos: Dinero, crimen, amor, la atracción del hombre común por el peligro y las consecuencias de salirse del camino.

Aquí un simple vendedor de seguros se olvida de sus valores y se entrega a una baja pasión. Lo pagará muy caro.

Double Indemnity funciona por la misma razón por la que casi todas [por no decir todas] las películas de Billy Wilder funcionan - un guión sólido.

Walter Neff y una ama de casa aburrida y sin escrúpulos llamada Phyllis Dietrichson planean asesinar a su esposo y hacer que parezca un freak accident para cobrar una póliza de vida de doble indemnización.

La química entre Barbara Stanwyck, una de las mejores actrices de la época dorada de Hollywood, y Fred McMurray es una de las razones por las que la película funciona a la perfección. La tensión sexual presente entre los dos trasciende a la pantalla. Wilder decía que quería hacer parecer a McMurray como al hombre común y corriente que cae en las garras de una mujer ordinaria, de la clase de mujer que "bebe desde la botella", disfrazando su condición con dinero.

La escena donde por fin se comete el crimen y Wilder nos presenta un close-up del rostro de Stanwyck es impresionante. La satisfacción que se observa en sus ojos de por fin haberse librado de su marido, y pensar el dinero que pronto cobrará [lo único que realmente le importa]  es casi orgásmica. Es la cara misma del mal.

Inteligente, con diálogos legendarios y con un cinismo sin comparación, Double Indemnity es una de las obras cumbre del cine mundial.

Al final Walter y Phyllis aprenderán de mala manera que no existe el crimen perfecto y que como dice el tagline de la película - "You can't kiss away a murder!"

 

Menciones especiales:

• The Killers [Robert Siodmak, 1946]
• Sudden Fear [David Miller, 1952]
• Angel Face [Otto Preminger, 1952]
• On Dangerous Ground [Nicolas Ray, 1951]
• Leave Her to Heaven [John M. Stahl, 1945]
• The Naked City [Jules Dassin, 1948]
• The Postman Always Rings Twice [Tay Garnett, 1946]
• The Lady from Shanghai [Orson Welles, 1947]