Lo Mejor del Cine Negro

Antes de comenzar el countdown, es importante aclarar que en esta lista sólo pondré películas norteamericanas del período comprendido entre el 1941, considerado el año en que nació propiamente el género con The Maltese Falcon, hasta 1958, año en que se estrenó Touch of Evil, considerado el último Noir Clásico.

En otra ocasión haré otra lista de películas precursoras Noir [pre-1941], no norteamericanas y del período post-noir, con obras maestras como Pépé le Moko, Rififi, Chinatown, Body Heat y Blood Simple.

 

15. Kiss Me Deadly [1955]:

De todos los noirs que he visto, es este de Robert Aldrich el que quizás mejor describe y captura ese sentido de decadencia del que hablé en el post anterior. Todos los personajes están rotten to the core y sus acciones sólo sirven para hundirlos más y más, por tanto no es coincidencia que el único personaje puro y de buenos sentimientos muere en los primeros diez minutos.

Todos van tras una caja que nadie sabe su contenido, pero todos están dispuestos a hacer lo que sea por ella.

No me puedo imaginar lo asustada y desoncertada que salió la gente del cine al no obtener una respuesta definitiva de qué había realmente dentro de la caja - ¿la bomba atómica?, ¿El detonante del juicio final? Nunca lo sabremos, y verdaderamente no importa. La caja sólo es una excusa para sacar lo peor de todos los personajes y plasmar en la pantalla la miseria humana en su máxima expresión.

Ha inspirado a innumerables directores y películas, pero la que siempre se menciona es Pulp Fiction, donde también hay un maletín misterioso que todos desean pero el expectador nunca sabe qué contiene.

14. Detour [1945]:

Este es el ejemplo por excelencia de lo mucho que se puede hacer con muy poco. Esta película "poverty row" de Edgar Ulmer se filmó en seis días, con $20,000 y con sólo unos cuantos actores.

El tono melancólico y fatalista nos muestra que un buen hombre sólo está a un paso de convertirse en uno malo, no por su propio deseo, sino por circunstancias sobre las que no tiene control alguno - nadie puede escapar a su propio destino en las reglas del Noir.

Utilizando uno de los recursos clave del género, la película está contada en forma de flashback, iniciando con un vagabundo contándonos sus infortunios durante su trayecto a California para encontrarse con su novia. Por momentos parece que la fortuna le sonríe, pero una y otra vez la vida se encarga de desviarlo por el camino de la perdición.

Anne Savage encarna al arquetipo de la femme fatale - Una mujer sin ningún tipo de escrúpulos que se encargará de hundir al protagonista.

Con sólo 69 minutos de duración, esta película no tiene un sólo momento desperdiciado. Muchos consideran que todavía hoy, a más de 60 años de su estreno, es la mejor película independiente y de bajo presupuesto jamás hecha.

 

 

13. Laura [1944]/Gilda [1946]:

¿Que por qué pongo a estas dos juntas? Todos los noirs de alguna manera u otra nos presentan un papel femenino como parte importante de la trama, pero en los casos de Laura y Gilda, las historias giran absolutamente alrededor de ellas. Ambas interpretadas por dos de las mujeres más bellas de la historia de la pantalla, Gene Tierney y Rita Hayworth, y ambos papeles son por los que serían recordadas por siempre.

También está el hecho de que las dos no son las típicas mujeres fatales. Al contrario. En un twist del género, ambas son las víctimas de las circunstancias y de los hombres que las rodean.

Laura tiene uno de los mejores empleos del recurso del flashback y el voice over de todos los noirs.

El momento en que se dejan de usar estos dos recursos, ocurre algo curioso - parece que estuvieramos viendo otra película totalmente diferente, la película sufre un cambio de tono radical. Algunos dicen que todo se trata de un sueño, lo que sólo ha servido para elevar el allure de misterio que rodea tanto a la película como al mítico personaje de Laura.

Por otro lado, Gilda trasciende al cine. Rita Hayworth nunca pudo escapar de su so

mbra, al punto de decir "Men go to bed with Gilda, but wake up with me."

La película tiene dos de mis ingredientes noir-ish favoritos: personajes con secretos y que mienten constantemente y un nightclub que constituye el punto de reunión shady donde se reúne toda la escoria de la sociedad y donde se cierran todos los negocios sucios. Es precisamente en ese lugar donde se desarrolla la escena más memorable de la película y una de las escenas más icónicas de la historia del cine: el striptease de Gilda cantando Put The Blame on Mame.

12. Touch of Evil [1958]:

Un tema emblemático del canon del Film Noir llevado a la pantalla de forma magistral por Orson Welles: La corrupción en todas sus variantes.

Lo que vemos en pantalla es una complicada maraña de corrupción, manipulación y racismo, desarrollada por un conjunto de personajes y lugares arquetípicos del universo noir: policías corruptos, pandilleros, traficantes de drogas, callejones fronterizos oscuros, prostíbulos, héroes y antihéroes, todo contado en un período de 24 horas.

La película inicia con una de las secuencias más impresionantes de la historia del cine - un tracking shot sin interrupciones de 3 minutos de duración, donde observamos desde la colocación de una bomba dentro de un carro hasta el momento en el que estalla.

Como ocurre con la mayoría de las grandes películas, cuando se distribuyó por primera vez fue un fracaso absoluto, posiblemente en parte por tratar de forma normal temas que p

ara la época eran aún escandalosos, como la ambigüedad sexual de algunos de sus personajes y el mostrar a la policía como un entidad controlada por corruptos.

El capitán Quinlan fue interpretado por el mismo Welles en su etapa más grotesca - su obesidad y alcoholismo lo habían convertido en el actor perfecto para interpretar a un hombre obsesionado con impartir justicia a su manera sin importar las consecuencias. La otra cara de la moneda es un Charlton Heston dizque mexicano, interpretando al policía idealista, quien todavía cree en la justicia, y cuya luna de miel queda interrumpida en su afán de aclarar el asunto de la bomba. Durante su investigación, su ahora esposa es secuestrada por un cartel de la droga de poca monta, así que su misión ahora será recopilar las pruebas necesarias para de

mostrar que Quinlan es un corrupto y rescatar a su esposa.

La película deja al expectador con la interrogante de si la justicia deja de ser justa si los medios utilizados para llegar a ella no son los adecuados.

El final, con la inolvidable Marlene Dietrich, es un clásico absoluto: He was some kind of a man - What does it matter what you say about people?

11. This Gun For Hire [1942]:

Otro personje del universo noir: El asesino a suelo.

Basada en una novela del célebre Graham Greene, muchos consideran que este es uno de los contados casos donde la versión cinematográfica supera a la fuente literaria original.

Una poderosa corporación ha creado una peligrosa formula química que venderá al "enemigo" [¿los alemanes?] y que a la vez ha sido robada por un hombre que los está chantajeando. Para deshacerse de este problema, contratan al infame cicario Phillip Raven. Su intención es recuperar la fórmula y deshacerse del chantajista, y si lo hacen sin necesidad de pagar mejor aún, por lo que toman la decisión errada de pagar los servicios de Raven con billetes marcados para que la polícia los pueda rastrear rápidamente.

A pesar de no poseer la profundidad temática de Kiss Me Deadly o los visuales de Touch of Evil, This Gun For Hire es una maravilla del studio system. Al igual que películas como Casablanca, todos los elementos de esa gran maquinaria funcionaron para hacer una película perfecta.

Raven es un asesino sin escrúpulos, pero a pesar de eso simpatizamos con él y esperamos que triunfe. La película fue considerada controversial no sólo por ese factor, sino porque en los momentos finales, el asesino es mostrado como un hombre noble y sobre todo un americano patriótico, mientras que la gran corporación es la traidora ambiciosa que venderá su fórmula y la posible receta del triunfo de la guerra al enemigo.

Es cierto que faltan elementos claves como una femme fatale, el voice over, o un flash

back, pero a pesar de eso This Gun For Hire emociona y es una de las mejores representantes del género.

10. The Killing [1956]/The Asphalt Jungle [1950]:

Ambas protagonizadas por Sterling Hayden y dirigidas por dos de los grandes maestros del cine, Stanley Kubrick y John Huston, tienen la particularidad de ser las mejores representantes del subgénero del Noir-Heist. En ambas vemos paso a paso como se planea y desarrolla un gran robo, llegamos a conocer a todos los personajes y la forma en que se relacionan unos con otros.

Como sucede en la mayoría de los noirs, aunque sabemos que están haciendo algo indebido, simpatizamos con ellos y deseamos que triunfen, pero como es ya sabido, en el universo del noir el triunfo no existe, la perdición está a sólo un paso y no hay forma de escaparse de ella.

Todos los elementos están presentes: la narración ominosa, los flashbacks, los ladrones expertos acabados de salir de la cárcel con deseos de comerse el mundo, los novatos, los traidores, las mujeres fatales y la presencia de Marylin Monroe en uno de sus primero roles.

Con películas como The Maltese Falcon y Key Largo, John Huston ya se había establecido como una de las voces definitivas del estilo noir, mientras que The Killing fue el trampolín de Kubrick para establecerse como uno de los talentos emergentes a los que había que poner atención.

Ninguna de las dos goza del privilegio de ser la precursora del estilo de narrativa no-lineal, pero sí son sin duda alguna dos ejemplos excepcionales de la técnica que han servido de inspiración para películas como Pulp Fiction, The Usual Suspects, Memento o Reservoir Dogs.

9. Pickup on South Street [1953]:

La mano precisa de Sam Fuller, uno de los grandes directores norteamericanos olvidados, está detrás de esta película.

Un experto carterista roba un microfilm que contiene información importantísima a una mujer que está sirviendo de intermediaria entre un mercenario y "los comunistas."

La escena que abre la película, donde se comete el robo que mencioné anteriormente, es una lección de cine. Los tensos primeros planos de los ojos de Candy [la femme fatale que en realidad no lo es] y Skip [el carterista], así como de los policías que los siguen, nos indican que lo que veremos es una historia donde no sabemos quién es verdaderamente culpable o inocente, todo es cuestión de la perspectiva con que se observe.

La actuación de Thelma Ritter, la más grande de las character actresses, es inolvidable. Ella es la mayor conocedora de las actividades y protagonistas del bajo mundo y a quien la policía acude cuando necesita información. A pesar de su condición, ella representa la balanza moral entre el mundo de los justos y de los criminales.

 

Como se observa en This Gun For Hire, el antihéroe es el menor de los dos males. A pesar de representar lo más bajo de la sociedad, en sus manos está la posibilidad de impedir que la seguridad de su país - la democracia - quede a merced del "enemigo." Fuller trata de decir que en una sociedad corrupta todos somos más o menos culpables, pero culpables al fin.

Lo que a primera vista podría parecer simple propaganda pro-norteamericana y anticomunista, es en realidad una ácida crítica a ese sentimiento conservador. Muchos estudiosos del cine dicen que Sam Fuller se dedicó a lo largo de toda su carrera a desenmascarar en la pantalla lo que llamaban The Big American Lie - que los Estados Unidos eran el bastión de los buenos valores, la moralidad y la justicia. Los comunistas puede que fueran el enemigo, pero las prácticas que utilizaba el gobierno para hacerlo parecer como tal también lo convertían en un enemigo.

La vigencia al día de hoy de este tema hacen de Sam Fuller uno de los grandes visionarios del cine.

Obra Maestra.

8. Out of the Past [1947]:

Robert Mitchum es el rostro del Film Noir.

Podía usar sus expresivos ojos para encarnar tanto al reluctanct hero como a la representación más pura del mal.

En Out of the Past, Mitchum hace una de las mejores interpretaciones de su carrera, dando vida a un hombre que se da cuenta que por más que se esconda, el pasado siempre regresará a cobrar cuentas pendientes.

Jeff Bailey ha escapado de su vida anterior y se ha establecido en una pacífica comunidad donde administra una estación de gasolina.

Estructurada alrededor de un extenso flashback, vemos como Jeff, un detective privado, fue contratado por el gangster Whit Sterling [interpretado por Kirk Douglas] para ir tras la pista de Kathie Moffat, la mujer que lo traicionó, dejándolo por muerto y huyendo con $40,000. Como es de esperarse, Jeff se enamorará de Kathie, una femme fatale inescrupulosa que se encargará de llevarlo a su desgracia. Jeff sabe que Kathie es su perdición, pero su atracción por ella es más fuerte que él mismo.

En esta película vemos las dos representaciones femeninas típicas del universo noir: Kathie representa la emoción del peligro, una mujer completamente dañina que no reparará en hacer lo que sea, incluyendo mentir y matar, para conseguir lo que quiere. Del otro lado Anne, la nueva novia de Jeff, es la inocencia virginal y en la que ve la posibilidad de comenzar una nueva vida. Las mujeres tienen una posición de poder muy fuerte en esta película, pero a pesar de esto, ha sido catalogada como una obra antifeminista y misógina por años.

Rompiendo con uno de los cánones del estilo noir, Jacques Torneur decidió desarrollar la acción en lugares abiertos y hermosos y no en callejones y lugares oscuros. La oscuridad emana de los personajes mismos, no de su ambiente.

"You're like a leaf that the wind blows from one gutter to another" le dice Jeff a Kathie en un escena, la descripción perfecta.

Esta es una de las esenciales no sólo del género Noir, sino del cine en general. Magnífica.

7. Notorious [1946]:

La palabra Notorious en inglés tiene una connotación negativa.

Notorious es el adjetivo que se utiliza para describir a alguien infame, conocido por sus malos actos y costumbres.

¿A quién se le ocurriría utilizar a alguien como Ingrid Bergman para dar vida a una mujer de dudosa reputación, promiscua y alcohólica?

A Alfred Hitchcock, por supuesto.

Ingrid Bergman da vida a Alicia Huberman, hija de un ex-espía Nazi, a quien gracias a su notoria reputación un agente del gobierno americano [interpretado por Cary Grant] contacta para infiltrarse en una célula de espías nazi radicada en Río de Janeiro. Alicia terminará casándose con la cabeza del grupo, interpretado magistralmente por Claude Rains, quien en el fondo la ama, pero su lealtad a su grupo y el amor retorcido por su madre lo llevará a tratar de eliminarla envenenándola poco a poco.

Nuevamente, aquí nos encontramos con una femme fatale que en realidad no lo es. Cuando Alicia se enamora del Agente Devlin, vemos que en el fondo es una mujer insegura y asustada, en busca de una figura masculina que le ofrezca el sentido de validación y protección que busca - otro elemento del canon noir.

En esta película encontramos algunos de los elementos signature de Hitchcock - el elemento clave buscado por todos los personajes [que le llamaba McGuffin] que hace que avance la historia [el uranio que utilizarían los nazis para fabricar otra bomba], la figura materna opresiva y el uso simbólico de las escaleras.

Una escena en particular de esta película es una de las mas tensas de la historia del cine, la búsqueda de una llave y el descubrimiento por parte de Alicia y Devlin del uranio escondido en botellas:

Aunque el nombre de Hitchcock no está asociado propiamente con el género noir al igual que directores como Fritz Lang, toda su obra está repleta de obras maestras noir como Shadow of a Doubt y Strangers on a Train.

Notorious funciona como thriller, como suspense y como Noir.

6. The Big Heat [1953]:

El mejor y más serio retrato que se ha hecho sobre la venganza.

Esta película constituye el landmark de la carrera del maestro Fritz Lang en su etapa como director en Estados Unidos.

Es otra de muchas películas de los 50 donde se trataba de crear conciencia de la profunda corrupción en las esferas de poder, y el control que los círculos del crímen orginazado tenían sobre ellos.

Es una historia sumamente sencilla [uno de las características del noir] hecha interesante por su brillante puesta en escena.

La historia gira alrededor de Dave Bannion, magistralmente interpretado por Glenn Ford [protagonista de otra película de la lista, Gilda], quien es un incorruptible detective de la policía dentro de una sociedad y un sistema corrompido en todos sus niveles, desde el mismo jefe de la policía hasta el ciudadano más común. Lang se encarga de hacernos ver cómo Bannion deberá sucumbir y poner sus valores de lado para conseguir justicia luego del cruel asesinato de su esposa por un grupo de gangsters.

Su determinación no le dejará ser transformado por ese bajo mundo, y para lograr su objetivo utilizará la ayuda de Debby Marsh [la ganadora del Oscar Gloria Grahame] una femme fatale y mujer de uno de los jefes de la organización, interpretado por Lee Marvin en una de las mejores actuaciones de su carrera.

Aquí observamos dos tipos de femme fatale. Debby, quien aparenta ser la peor, en realidad no lo es. Hallará su redención ayudando a Bannion a impartir justicia, mientras que Bertha Duncan, la viuda del jefe de la policía que se suicida al principio de la película, aparenta ser el retrato de la pulcritud y la decencia, pero que en realidad es una chantajista y una mujer sin escrúpulos.

Violenta y cruda en una época en la que los momentos más violentos quedaban implícitos y no eran mostrados en pantalla, en The Big Heat vemos la desfiguración de la cara de una mujer y personas disparadas a sangre fría. Si contamos lo que no ocurre en pantalla, es más violenta aún - una mujer es asesinada en una explosión, un hombre se suicida, torturas, golpes, en fin, esta película sin duda fue revolucionaria cuando se estrenó por su crudeza.

A fin de cuentas, lo que Lang nos dice es que para luchar contra las fuerzas del mal que amenzan nuestra sociedad, lo que se necesita es de personas valientes y con valores sólidos unidas en una lucha común. Un mensaje con una vigencia eterna.

Obra maestra.

5. Scarlet Street [1945]:

Edward G. Robinson es otro de los rostros clave del Film Noir. Sus facciones duras y su cara de malo lo hacían uno de los actores que mejor interpretaba papeles de gangster y de hombre desalmado.

Aquí es todo lo contrario - Chris Cross [un juego de palabras ingenioso] es un hombre dócil y dominado totalmente por su esposa, que encontrará en la aparentemente inocente "Kitty" March -otra de las peores femmes fatales de la historia del Noir- el peor de los destinos.

Dan Duryea, otro de los actores que por su cara y voz de sinvergüenza es reconocido por interpretar villanos, interpreta a Johnny, el amante de Kitty y quien organiza el plan de sacar a Chris todo el dinero que puedan.

Chris vive una vida aburrida con una esposa que lo desprecia y cree encontrar en la “inocente” Kitty la oportunidad de darle vida a su gris existencia.

Johnny y Kitty forman una de mis parejas favoritas. Los dos por separado son pura escoria humana, y juntos forman la pareja perfecta. Las actuaciones apropiadamente over the top y campy de Joan Bennet y Dan Duryea son una delicia.

El tema central de esta obra maestra es el tema central del estilo Film Noir - como el hombre común sólo está a un paso de olvidarse de sus valores y sucumbir ante la tentación ya sea del dinero, del amor de una mujer o del crimen.

Es difícil decir entre The Big Heat y Scarlet Street de cuál es la mejor película de Fritz Lang en Estados Unidos, pero por ahora le doy el edge a Scarlet Street.

El final es inolvidable - La culpa es la carga más grande que existe.

El mismo equipo compuesto por Fritz Lang, Edgard G. Robinson, Joan Bennet y Dan Duryea trabajó el año anterior en otro excelente noir, The Woman in The Window que por fin saldrá en DVD el mes próximo.

4. Gun Crazy [1950]:

Si de femmes fatales se habla, Annie Laurie Starr -interpretada por Peggy Cummings- es el arquetipo por el que deben ser medidas todas. 

Lo que la hace más característica aún es que a diferencia de otras como Kathie Moffat en Out of The Past, Annie no pone ninguna excusa para sus actos ni se hace la víctima inocente. Es mala porque sí. Al que no le guste se tendrá que enfrentar a su puntería infalible.

Dos pistoleros, él un soldado recién salido del Army aficionado a las armas, y ella la estrella de un acto de circo, se juntan y forman la pareja de asalta bancos más infame hasta que aparecieran Bonnie & Clyde.

Visualmente es impresionante. No se me olvida en especial la escena donde Bart y Laurie roban su primer banco. Vemos en una sola toma cómo ocurre el robo sin la cámara moverse del asiento trasero, esperándolos. La audiencia es la cámara.

Lo más curioso de ésta película es que generalmente en el universo del Noir el amor entre el antihéroe y la femme fatale se limita a lo físico o a la conveniencia, pero en el caso de Gun Crazy, Bart y Laurie realmente se aman, y ese amor tan retorcido y dañino es lo que los lleva a su perdición. No es sólo amor, es ese thrill que se observa en los ojos y en las sonrisas de ambos cuando cometen un crímen lo que los mantiene unidos. La naturalidad y química entre John Dall y Peggy Cummings es clave para lograr esto.

Se puede sacar un interesante subtexto sexual del dominio y deseo de Annie por sus pistolas, pero eso será en otro post...

Este es definitivamente uno de los mejores film noirs de la historia y de visión absolutamente esencial.

3. Sunset Boulevard [1950]:

- "You're Norma Desmond, you used to be big"

- "I AM big, it's the pikchas that got small!"

Bienvenido al mundo de la decadencia, los excesos y de la locura de una estrella olvidada - Norma Desmond.

Contada en forma de flashback, Joe Gillis acaba de ser asesinado y a lo largo de la historia narra los hechos que lo llevaron a estar flotando en la piscina de Norma Desmond, una de las más grandes estrellas de la época muda y que ahora es una has-been totalmente acabada.

Aunque muchos consideran que carece de muchos elementos para considerarse propiamente un Noir, esto es sólo porque Billy Wilder, uno de los grandes artistas del siglo XX, decidió enfocarse en la oscuridad interna de sus personajes, y no en crear una atmósfera de sensuales mujeres fatales o callejones oscuros.

En lugar de concentrarse en el mise-en-scene arquetípico al que las otras películas de esta lista se apegan, prefirió enfocarse en los aspectos abstractos del Film Noir: el sentido de pesimismo, auto-destrucción y de fatalidad habita cada segundo de Sunset Boulevard.

 

Esto es cine en su expresión máxima.

 

 

2. The Third Man [1949]:

Este es quizás el Noir mejor ambientado de todos.

La utilización de la ciudad de Viena luego de terminada la guerra no puede ser mejor. La ciudad devastada y decandente es un reflejo de todos los personajes que habitan esta película.

Basada en una historia del gran Graham Greene [autor también de la #11 de la lista, This Gun For Hire] y adaptada por él mismo, esta es una de las mejores películas de la historia del cine. El hecho de que sea un Film Noir es incidental.

La fuerza argumental es sólo superada por una puesta en escena magistral. La labor fotográfica de Robert Krasker y su uso del claroscuro es de escuela. Visualmente, este es tal vez el Noir definitivo.

Graham Greene decía que la película y la historia en que se inspiró podía definirse en una sóla frase "I saw a man walking down the Strand, whose funeral I had only recently attended."

Holly Martins, interpretado por Joseph Cottens en una de las actuaciones cumbres de su carrera, viaja a Viena para tratar de decifrar la desaparición de su amigo Harry Lime. Mientras más se adentra en la historia de Harry, irá descubriendo más y más detalles sórdidos de su vida.

La escena de la aparición de cierta persona que se suponía estaba muerta es uno de los grandes momentos de la historia del cine.

 

Decir que The Third Man es una obra maestra sería un understatement.

 

1. Double Indemnity [1944]:

"...an unholy love and an almost perfect crime."

Aquí se alinearon todos los elementos para crear una obra de una perfección única.

Lo que he querido establecer a lo largo de esta lista es que el Film Noir es a fin de cuentas la representación de los deseos y pasiones que nos corrompen como seres humanos: Dinero, crimen, amor, la atracción del hombre común por el peligro y las consecuencias de salirse del camino.

Aquí un simple vendedor de seguros se olvida de sus valores y se entrega a una baja pasión. Lo pagará muy caro.

Double Indemnity funciona por la misma razón por la que casi todas [por no decir todas] las películas de Billy Wilder funcionan - un guión sólido.

Walter Neff y una ama de casa aburrida y sin escrúpulos llamada Phyllis Dietrichson planean asesinar a su esposo y hacer que parezca un freak accident para cobrar una póliza de vida de doble indemnización.

La química entre Barbara Stanwyck, una de las mejores actrices de la época dorada de Hollywood, y Fred McMurray es una de las razones por las que la película funciona a la perfección. La tensión sexual presente entre los dos trasciende a la pantalla. Wilder decía que quería hacer parecer a McMurray como al hombre común y corriente que cae en las garras de una mujer ordinaria, de la clase de mujer que "bebe desde la botella", disfrazando su condición con dinero.

La escena donde por fin se comete el crimen y Wilder nos presenta un close-up del rostro de Stanwyck es impresionante. La satisfacción que se observa en sus ojos de por fin haberse librado de su marido, y pensar el dinero que pronto cobrará [lo único que realmente le importa]  es casi orgásmica. Es la cara misma del mal.

Inteligente, con diálogos legendarios y con un cinismo sin comparación, Double Indemnity es una de las obras cumbre del cine mundial.

Al final Walter y Phyllis aprenderán de mala manera que no existe el crimen perfecto y que como dice el tagline de la película - "You can't kiss away a murder!"

 

Menciones especiales:

• The Killers [Robert Siodmak, 1946]
• Sudden Fear [David Miller, 1952]
• Angel Face [Otto Preminger, 1952]
• On Dangerous Ground [Nicolas Ray, 1951]
• Leave Her to Heaven [John M. Stahl, 1945]
• The Naked City [Jules Dassin, 1948]
• The Postman Always Rings Twice [Tay Garnett, 1946]
• The Lady from Shanghai [Orson Welles, 1947]

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