No art form passes our conscience in the way film does, and goes directly to our feelings, deep down into the dark rooms of our souls -- Ingmar Bergman.
Penélope y José Luis Gómez a lo Ingrid Bergman y Cary Grant en el final de Notorious de Alfred Hitchcock, una de
las tantas películas a las que Almodóvar homenajea visual y temáticamente.
Me siento abandonado en el desierto.
Todos los que conozco que han visto Los Abrazos Rotos –incluyendo fanáticos de Almodóvar y personas a quienes respeto y cuyas opiniones tengo en alta estima- la odian, la llaman aburrida, cansina, sin sentido, su peor película, la obra de un director al tope de su egolatría masturbándose grotescamente en pantalla en nombre de su propia grandeza, entre otras bellezas.
Luego de una tercera visión la sigo llamando la película más madura del realizador manchego, la más impredecible, en la que mejor uso hace de sus referencias, en la que mejor recicla y reusa sus ideas y obsesiones ya harto conocidas, en la que mejor plantea la forma en la que el cine y su historia y sus estrellas han moldeado y siguen moldeando su propio cine y su estilo, la segunda mejor [la primera sigue siento Todo Sobre Mi Madre, por supuesto] en la que declara de forma enfática su amor por las actrices y por las actrices que hacen de actrices en el cine, la que mejor demuestra que el cine es un reflejo de todas las artes, de la alegría, del miedo, de los sueños, y la forma en la que el cine es un reflejo del propio cine. En fin, que es una película a la que sigo llamando extraordinaria y una de las mejores del año.
Nuevamente, pésele a quien le pese, el puesto de Almodóvar junto a Buñuel, Berlanga y Saura como EL autor español se mantiene inamovible.
Mi primera impresión desde que la ví por primera vez en marzo cuando se estrenó en España se mantiene. Para leer lo que escribí de ella mientras estuve en Cannes, iraquí.
Los Abrazos Rotos es una película que demanda ser vista en el cine, así que no desaprovechen la oportunidad. Se presenta mañana jueves 19 a las 7:00pm en la Sala Principal del Teatro Nacional, el sábado 21 a las 9:30pm en el Palacio del Cine de la Avenida Venezuela, y el lunes 23 a las 7:00pm en la Cinemateca Dominicana.
A la distancia, casi imperceptible a primera vista, se divisa una pareja abrazándose en las arenas negras del golfo de la isla de Lanzarote. ¿Qué historia se esconderá tras ese abrazo?
Las historias de Almodóvar en su gran mayoría [por no decir todas] parten de experiencias muy personales, no en vano siempre cita a su madre y su crianza en La Mancha como su mayor fuente de inspiración, pero en Los Abrazos Rotos por primera vez toma como punto de partida algo tan impersonal como la imagen de una fotografía tomada por él mismo accidentalmente. El desvelar la cadena de eventos imaginarios que llevó a esta pareja a sellar con un abrazo el encuentro que se observa en la foto es la perfecta excusa para tomar algo impersonal y furtivo, y tornarlo brutalmente propio, utilizando para ello su segunda mayor fuente de inspiración: El cine.
La prensa española no tuvo piedad con Los Abrazos Rotos. Afortunada y justamente, aquí en Cannes la reacción ha sido otra. Pedro Almodóvar ha llegado a un punto de celebridad que en España sus películas son eventos que logran mayor atención que cualquier producto Hollywoodense, y él, siendo un hombre que ama autopromocionarse y vender sus películas tanto como hacerlas, no pierde oportunidad para conseguir que se hable de sus proyectos, ya sea bien o mal. Para hacer las cosas "peores", se hace acompañar en este trabajo de la única persona más amada/odiada por la prensa que él: Penélope Cruz, Pé o Pé-sada, dependiendo a quién se pregunte.
Pero pésele a quien le pese, Almodóvar es, junto a Buñuel y Berlanga, el director de cine más importante de España, y Los Abrazos Rotos, como lo fué Todo Sobre Mi Madre hace 10 años, se convierte en un punto de inflexión importantísimo en su carrera.
Su filmografía se haya repleta de homenajes y guiños de ojo al cine que lo inpira y que lo motivó a convertirse en realizador, pero en esta ocasión estos tienen un propósito expreso - utilizar al cine y su proceso creativo de principio a fin como caso de estudio, y a la vez como paralelismo del nacimiento, desarrollo y muerte de una relación amorosa.
Penélope Cruz es Lena, una amalgama de las heroínas del cine negro como Gilda o Laura, que sin ser propiamente una mujer fatal, son sus actos, sus decisiones y su poder sobre dos hombres los que desatan el conflicto central de la historia.
Lena es el objeto de deseo de dos hombres: Ernesto Martel, su marido millonario mucho mayor que ella al que desprecia, y Mateo Blanco, el director de la película de la que es protagonista, Chicas y Maletas. Ambos la desean obsesivamente, uno para demostrarse a sí mismo que todavía tiene sangre en las venas, y el otro como su musa inspiradora.
El cine como proceso creativo integral es aquí el punto neurálgico. De forma muy original, Almodóvar estructura el desarrollo de la historia tal cual como se realiza una película: los personajes mismos escriben un guión, lo van viviendo paralelamente mientras lo filman, y finalmente lo editan y lanzan al público. Muchos directores a lo largo de la historia han dicho que una es la película que se rueda y otra la que toma forma y vida propia en la sala de edición, y en ese último proceso es en el que recae el mayor peso emocional de toda la película: ¿qué sucede con una obra inconclusa y cómo afecta ello a su creador? Esa obra inconclusa puede ser igual una película o una relación amorosa, aquí ambas cosas significan lo mismo.
Hace unas semanas atrás hablaba en otra entrada sobre Almodóvar de la enorme importancia de las interrupciones y los momentos inconclusos en Todo Sobre Mi Madre, y como buen autor que es, Almodóvar visita nuevamente este pozo a buscar más agua, porque un abrazo roto es precisamente eso, un momento interrumpido ya sea por un accidente o por una enorme pérdida, pero un abrazo roto también es aquel que separa intempestivamente a un director de cine de su creación.
Durante la realización de Chicas y Maletas -la película dentro de la película- es donde Almodóvar se crece como director por tres razones:
- Primero, como arquitecto visual original, logrando secuencias memorables en las que mezcla todos los estilos que ha utilizado a lo largo de su carrera, creando un universo distintivamente suyo y único: el Madrid de los excesos en forma de la mansión de Ernesto Martel, llena de sombras y espacios vacios que parecen devorar a los que habitan en ella, el Madrid psicodélico lleno de colores y personajes estrambóticos que se observa en Chicas y Maletas, y finalmente los paisajes de Lanzarote, cuya aridez es una representación de la fatalidad que se acerca.
- Segundo, como arquitecto visual que sabe homenajer y referenciar sin copiar, creando momentos que son un verdadero regalo para los cinéfilos más adelantados: desde el ominoso eco de unos zapatos como enTorn Curtain de Hitchcock, una caída por las escaleras a lo Kiss of Death o Leave Her to Heaven que concluye con una resolución que recuerda al final de Notorious, la obsesión por una imagen que parece cobrar vida como en Blow Up de Antonioni, el voyeur con cámara en mano de Peeping Tom, el nombre "artístico" de Lena que es el mismo de Catherine Deneuve enBelle de Jour de Buñuel, y todo para concluir homenajéandose a sí mismo, haciendo de Chicas y Maletas una especie de remake de Mujeres al borde de un ataque de nervios.
- Tercero, como director de actores. Si con Volver sacó a Penélope Cruz del hueco en que se había hundido en Hollywood, ahora la muestra inmensa, más bella y más firme como intérprete que nunca, encarnando en una sóla mujer a todas las chicas Almodóvar: la mujer sufrida y la mujer fatal, la Marylin Monroe, la Audrey Hepburn y hasta la propia Carmen Maura. Imposible dejar de destacar la magistral interpretación de Ángela Molina como la madre de Lena, que en menos de 10 minutos de tiempo en pantalla deja una impresión imborrable, igual la de Lluis Homar, el verdadero corazón de esta historia, y la de José Luis Gómez, quien demuestra nuevamente que es quizás el mejor actor de toda España.
En una escena durante su estancia en Lanzarote, Lena y Mateo ven en la televisión la obra maestra de Roberto Rossellini Viaggio in Italia. Como es su costumbre, Almodóvar no pierde oportunidad para que sus personajes aparezcan en pantalla viendo películas, y aquí ese momento tiene tanta importancia como cuando Carmen Maura ve Johnny Guitar en Mujeres al borde de un ataque de nervios y Bellissima en Volver.
El paralelismo a primera vista no se ve tan claro, la relación de Mateo y Lena no se encuentra tan irremediablemente destruída como la de George Sanders e Ingrid Bergman. Una primera lectura sería que Lena siente un terrible miedo al ver que su destino junto a Mateo podría ser el mismo que el de esa pareja enterrada bajo las cenizas del Vesubio, unida en un último abrazo.
En una segunda visión queda claro que Almodóvar igual que Rosellini utiliza la imágen de las ruinas de Pompeya para indicar una destrucción horrorosa, pero la destrucción ya no es de una relación amorosa, sino de la película sin terminar que dejaron detrás. Una película que es la representación física, la evidencia tangible de su amor, de la que sólo quedarán las ruinas esperando pacientemente que alguien trate de reconstruirlas.
Más tarde, en otra escena clave, quizás la más importante de toda la película, Mateo [ahora ciego] le dice a Diego que desea escuchar la voz de Jeanne Moreau. La película que elige es Ascensor al Cadalso, el magistral debut de Louis Malle. En aquella película dos amantes también son separados por una interrupción, pero queda una fotografía como prueba de una unión más fuerte que la misma muerte. Lo que queda plasmado en imágenes es eterno, sobreviene cualquier cosa, hasta la muerte.
Almodóvar concluye dejando claro que el cine puede ser un encargo, un oficio, una pasión, pero tanto para él como para Mateo Blanco el cine es un medio de sanación, de exorcismo. Terminar Chicas y Maletas es la única manera de sanar una herida abierta y sangrante. Las películas deben terminarse.
Al escribir esto son las 11:00pm en Cannes, y la lluviosa cuarta jornada del Festival acaba de concluir.
Acompañando a un Allen visiblemente cansado y desgastado que no para de trabajar [está en medio del rodaje de su nueva comedia newyorkina] estuvieron sólo Penélope Cruz y Rebecca Hall. Notable la ausencia de Scarlett Johansson y Javier Bardem.
Al parecer Vicky Cristina Barcelona demuestra que, continuando con la promesa de Match Point, Woody Allen está de vuelta:
"Vicky Cristina Barcelona" is a sexy, funny divertissement that passes as enjoyably as an idle summer's afternoon in the titular Spanish city. With Javier Barden starring as a bohemian artist involved variously with Scarlett Johansson, Penelope Cruz and Rebecca Hall, pic offers potent romantic fantasy elements for men and women and a cast that should produce the best commercial returns for a Woody Allen film since "Match Point." And, in the bargain, if Barcelona wants even more visitors than it already attracts, this film will supply them."
Y luego de ser comparada con Sofía Loren en Volver, Penélope parece volver [no pun intended] a evocar a otra diva italiana:
"Cruz, who officially graduated from sex kitten to powerhouse melodramatic actress in "Volver," is in full Anna Magnani mode here, storming up and down mountain peaks of emotion and captivating everyone in the process. Allen even generates affectionate comic mileage from the common rap on Cruz's acting--that she's great in Spanish but blah in English--by having her deliver Maria Elena's colorful tirades in her native language, only to be told again and again by Juan Antonio to speak English so Cristina can understand her. She's dynamite here in either language." -- Variety.
Aquí el trailer que la hace parecer más Almodóvar que Allen:
De la sección oficial se estrenaron la brasileña Linha de Passe, o Línea de Pase [del lingo futbolístico], co-dirigida por Walter Salles [Diarios de Motocicleta, Central do Brasil] y Daniela Thomas, y la china Er Shi Si Cheng Ji [24 City], dirigida por Jia Zangke.
Con Vinícious de Oliveira [el niño de Central do Brasil] como protagonista, Walter Salles y Daniela Thomas se reencuentran como directores a 12 años de Terra Estrangeira para contar esta historia sobre cuatro hermanos que buscan salir de su barrio de Sao Paulo jugando futbol.
El recibimiento de la prensa en Cannes ha sido entusiasta, pero esto tipo de película raramente es premiada por el jurado:
"Using a mainly non-pro cast and a deeply realist style, it relies on a strong screenplay and a hard-driving rhythm to keep viewers interested in the interwoven stories of four brothers and their single mom. Comparisons to Luchino Visconti's "Rocco and His Brothers" are inevitable, but without name actors in the cast, this is not going to be as easy a commercial ride as Salles' cultish "The Motorcycle Diaries. On the plus side, "Linha de passe" (a soccer term) has a great deal of strength and sincerity going for it, which should attract the kind of audiences who admired the sociological line of "Central Station." Set on the poverty-stricken outskirts of the Sao Paulo megalopolis, it traces one summer in the lives of Cleuza (Sandra Corveloni), a pregnant housemaid, her three teenage sons and her young Reginaldo (Kaique de Jesus Santos), son of a black bus driver. If you think of this remarkable child actor as the transformed character of the young Alain Delon, you begin to see how radically Visconti's film has been rethought." -- The Hollywood Reporter.
"Above all, the film comes across as a film about religion - that is, Brazil 's true religion of football." -- Screendaily.
Con Er Shi Si Cheng Ji, o 24 City, el chino Jia Zhang Ke reafirma su posición como uno de los principales autores del cine mundial.
Su estilo de unir realidad y ficción viene de la idea de que toda historia es siempre el resultado de la mezcla de hechos reales manipulados por la imaginación de quien los cuenta.
Jia Zhang acompañado de las protagonistas Joan Chen y Zhao Tao
Es imposible que su cine meditativo y "lento" genere reacciones indiferentes, o se ama o se odia:
"Following "Still Life" and "Useless", documentary and fictional artifice are combined ever more egregiously by Mainland helmer Jia Zhangke in "24 City," in which the demolition of a state-owned factory for a new development becomes a tool to reminisce on 50 years of modern Chinese history. Result is far more accessible than Jia's previous two pictures, with moments of genuine emotion by the real-life interviewees. But technique of interweaving name actors into the docu fabric smacks of auteurism for the sake of it, and pic says nothing new or revealing that hasn't been said in countless other movies and docus. Further fest play beckons." -- Variety.
"This picture may appeal to the mind more than it does to emotions. Jia purposely refrains from voicing any opinions here and its authenticity may be arguable, but if pure fiction is so often taken as historical testimony, why shouldn't half-fiction qualify for the same honours?" -- Screendaily.
Uno de los aspectos favoritos del público de Cannes son las populares proyecciones gratuitas que se hacen en el érea de La Croisette. La vida de Cannes gira alrededor del mar de la Cote d'Azur, así que ¿qué mejor lugar para proyectar una película que en la misma playa?
En estos 4 días se han presentado desde los clásicos cortos de la Warner Bros de los Looney Tunes hasta la obra maestra de Arthur Penn Bonnie & Clyde. El día de hoy le tocó el turno a un revival del clásico de culto de Robert Clouse Enter The Dragon, la película más icónica de Bruce Lee.
Mañana, la respuesta a la pregunta que todos se hacen, ¿destruyeron George Lucas, Steven Spielberg y Harrison Ford la magia de Indiana Jones? Con la presencia de todos ellos se estrena finalmente luego de 19 años de espera Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull.
