Este Blog

Este especio surgió [como casi todo en mi vida] por razones eminentemente egoístas.

La idea era que funcionara a modo de diario, de vehículo de introspección, de reliquia para que dentro de 20 años pudiese tener un récord de lo que pensé sobre tal o cuál película en un momento dado. Y de paso, para que los tres gatos que [me consta] aún entran regularmente a ver si hay algo nuevo publicado, se sintieran identificados, informados, y hasta inspirados con mis desvaríos sobre el cine y sus hacedores.

Ya tiene cinco años, y aunque más abandonado que nunca, con los blogs moribundos gracias a la inmediatez de otras herramientas de comunicación, aprovecho la ocasión para recordar y recordarme a mí mismo qué es lo que siempre [aún fuese esporádicamente] encontrarán en este espacio. Lo hago para establecer cuál es mi propósito como crítico y como apreciador y escribidor cinematográfico, y [y aquí peco de una arrogancia que no puedo contener] para diferenciarme de toda la cháchara vacía disfrazada de apreciación cinematográfica que prolifera localmente desde hace unos meses, donde el análisis, el razonamiento y la calidad de redacción brillan por su ausencia.

Me voy a atrever a citar casi verbatim en algunas de estas puntualizaciones a Andrew Sarris en su obra fundamental sobre la crítica cinematográfica The American Cinema, una de mis mayores inspiraciones cuando empecé a escribir sobre cine:

1. Primero establecer la diferencia entre cronista/reseñador, y crítico. El que reseña araña la superficie, se dedica a contar la película, escribe un reporte para recomendar ver o no ver. El que critica analiza, trata a su lector como un igual. Eleva el nivel de la conversación, trata de inspirar e ilustrar. Ser lo segundo es lo que espero.

2. Estoy obsesionado con la totalidad del cine como medio. El cine es todo, pero es también la calidad de los elementos individuales que lo componen. Aspiro a alcanzar esa totalidad con lo que escribo, aunque sé que alcanzarla es imposible.

3. Tengo una fe profunda en la historia del cine como una actividad cultural continua. Ninguna película es vieja, y toda película es nueva si no se ha visto. Como dijo William Faulkner, el pasado nunca muere, ni siquiera es pasado, y el cine es la memoria de nuestro tiempo. Preservar, y alertar sobre la importancia de mantenerla viva, es una de las labores del crítico.

4. Detesto la imparcialidad, y creo que buscarla es un oficio inútil. Quien la busque, que vaya a leer un periódico [no local, claro]. Los puntos de vista que encontrarán aquí siempre serán parciales y filtrados por mis gustos, por mis experiencias, y por el poco o mucho conocimiento que tengo sobre el cine.

5. Vuelvo a la historia del cine como actividad continua. Creo firmemente en el autheur critic como fue acuñado por Andrew Sarris. Me considero uno, y por tanto voy a estar juzgando el presente constantemente en términos del pasado, y para lograrlo buscaré siempre hacerlo de la forma más analítica y clara posible. La historia del cine es tanto el cine en la historia como la historia de las películas. El cine es tanto una respuesta a una época como un reflejo de la misma, porque el cine es ventana y es espejo.

6. No soy magistrado del buen gusto, pero aquí siempre se cultivará la idea de que el buen gusto surge a partir de muchos disgustos. Para apreciar el cine hay que ver MUCHO cine, pero sin caer en la cinefagia inútil de ver películas solo para decir que se vieron.

7. Siempre evitaré ser lo que Sarris llamaba “Forrest Critic” -- el que ignora los árboles y se concentra en el bosque, el que mira a Hollywood por encima del hombro, el que juzga sin haber visto, el que se forma opiniones a priori, el que ve el cine de género como inferior, el que considera que la grama del vecino es más verde [el cine extranjero siempre será mejor], el que cree que el hecho de ser “realista” hace a una película estéticamente superior a una que no lo es, el que se escuda en términos como campy/pop para defender su gusto por cine que considera inferior. Todo el cine será tratado igual.

 

Y ya. El próximo post será sobra la mejor película que he visto en mucho tiempo.

Sobre los críticos y la crítica, II

 

Anton Ego – crítico y sourpuss extraordinaire.

Mientras termino las 1,350 reseñas que iré publicando en los próximos días [Fantastic Mr. Fox y Nine son la próximas], aprovecho para dar un poco de seguimiento a un post que publiqué hace un año, el cual surgió  luego de leer una apreciación de Roger Ebert sobre el papel de los críticos en el mundo de hoy.

Ahora me encuentro con otro escrito, autoría de Devin O’Leary de alibi.com, en referencia a la estrepitosa disminución de críticos cinematográficos  laboralmente activos en la prensa  norteamericana,  cuando  paralelamente florence la aparición de críticos copy/paste, la repetición de información sin ningún tipo de análisis ni comentario, y de blogs de chismes que pretenden incluir comentario fílmico “serio” mientras se dedican a alimentar la creciente y dañina cultura de adoración a las celebridades. Al margen de ello, también pienso en la actitud de ciertas personas, que ciegamente se oponen a todo el que ose “criticar” el trabajo ajeno, irónicamente  practicando el mismo ejercicio que ellos mismos denostan.

Me tomo la libertad de traducir un par de extractos:

“Creo que la crítica cinematográfica tiene una función valiosa. Incentiva a la gente a pensar un poco más seriamente sobre las películas que consume. Sí, las películas existen principalmente como fuente de entretenimiento, ¿pero acaso ello significa que no se puede ser un consumidor informado también en materia fílmica?”

y luego sigue…

“Cuando compras un automóvil, le preguntas a tus amigos que saben de autos sobre lo que piensan. Lo mismo debería ocurrir con el cine. Los críticos de cine no son sólo bocones con una opinión [al menos no todos lo somos]. Un buen crítico de cine conoce la historia del cine, entiende cómo se hacen las películas, se ha memorizado los CV de montones de involucrados en la industria, y puede participar como un experto en el juego de “Six Degrees of Kevin Bacon.” Un crítico de cine profesional puede proveerte de todo tipo de información útil sobre una película, no importa si es buena o mala. Los críticos no están ahí simplemente para decirte “Thumbs Up” o “Thumbs Down”, ve esta o aquella película. Están ahí para ofrecerte el tipo de información que te permita tomar una decisión informada, decidir si quieres o no ver tal o cual película, y en caso de que decidas verla, que puedas salir de la sala con una apreciación y un entendimiento más profundo sobre ella. Haz lo que hago yo: leer montones de reseñas luego de que veas una película. Esto definitivamente podrá darte una perspectiva nueva y diferente sobre lo que acabas de ver.”

 

Y aprovecho para repetir la máxima de Roger Ebert:

“¿Cuál es la labor de un crítico de cine? Un crítico debe incentivar el pensamiento crítico, mirar más allá, ser un meteorólogo de tendencias sociales, elevar el discurso, enseñar, informar, entretener, inspirar, generar empatía, pero también no temer a generar rechazo.”

 

Amén.

Máscara contra Cabellera

Kathryn Bigelow y James Cameron durante el rodaje de Strange Days.

Escogí la peor semana para ausentarme. En menos de cinco días anunciaron sus Top 10 desde Ebert hasta Manohla Dargis, nominaciones de los Golden Globes y SAG, y premios de los críticos de New York, Los Angeles, Chicago y Boston. Como la mentalidad de ganado y el deseo de parecerse al Oscar es una maldición de la que ni los propios críticos [sobre todo los norteamericanos] se escapan, ya hay constantes que se repiten una y otra vez: The Hurt Locker y Kathryn Bigelow [¡sí!], Up in the Air [bien], Carey Mulligan por An Education [¡sí!], Meryl Streep por Julie & Julia, George Clooney por Up in the Air, Jeff Bridges por Crazy Heart [¡sí!], Mo’Nique por Precious [horror], y Christoph Waltz por Inglorious Basterds [¡sí!].

Pero la batalla más interesante será la de los exes visionarios. Si existe la justicia, esta batalla terminó antes de comenzar, con Kathryn Bigelow como triunfadora.

 

Por otro lado, esta semana fue una carrera de resistencia: soportar un frío de hasta –13 grados, 7 pulgadas de nieve, 14 películas y 1 obra de teatro en 8 días, y eso sin contar todas las otras actividades no fílmicas.

Desde ya puedo decir que los puntos más altos fueron Fantastic Mr. Fox, An Education y A Serious/Single Man; los más bajos Invictus y Nine. Con Avatar todavía no decido lo que fue, pero punto alto definitivamente no.

Los próximos días serán intensos.

Sobre el consumismo y la frivolidad

Algo rápido.

Este comentario llega con unas semanas de retraso, pero no podía evitar hacerlo. Anoche por fin ví Sex and the City y me quedaron un par de ideas en la cabeza.

En The Women, la obra seminal de George Cuckor y la Women’s Picture por excelencia [y ahora objeto de un seguramente nefasto remake protagonizado por Meg Ryan], hay una escena donde de la nada la película se detiene y momentáneamente se convierte en un desfile de modas/extravaganza Technicolor que aparentemente nada tiene que ver con el resto. Un momento gratuito que sirvió como experimento para demostrar las capacidades y belleza del filme a color en un momento en el que el blanco y negro era la regla, y también un poco de eye candy para su audiencia meta: la mujer que sueña con una vida fabulosa y sin problemas, con un guardarropa de marca, un hombre a su altura y amigas que compartan sus mismos intereses. ¿Suena familiar?

Aunque lamentablemente el cine “dirigido a la mujer” no es lo que era antes, ya no cuenta con mujeres audaces como Irene Dunne y Barbara Stanwyck ni con historias escritas por Billy Wilder, parece que lo que desea ver en la pantalla  la mayor parte del público que consume este tipo de cine no ha cambiado mucho en 70 años.

Como escuché a alguien decir hace poco, Sex and the City -tanto la película como el show- son para la mujer promedio lo que James Bond sería para el hombre promedio,  lo mismo que fueron las llamadas películas italianas de Teléfono Blanco: un mero divertimiento sin mayores pretensiones. Una farsa en la que por un par de horas el espectador se puede perder en una fantasía donde sus personajes viven en un mundo perfecto, idealizado, uno donde el héroe afronta sus problemas sin nunca perder ni su estilo ni su sentido de individualidad.

Aunque la frivolidad en forma de ropa y zapatos de marca y restaurantes y clubes newyorkinos imposibles de pagar por la clase trabajadora es una parte vital del universo de Carrie Bradshaw y sus compartes, en mi experiencia viendo algunos episodios, unos excelentes y otros no tanto, el centro de Sex and the City y la razón de su enorme éxito es la forma novedosa y sin inhibiciones en que retrata a un grupo de mujeres inteligentes, independientes y exitosas por mérito propio mientras luchan por descifrar la forma en que se puede ser mujer y amante en la gran ciudad.

¿Que si lo logra? En algunos episodios sí, en otros no, y ese es el mismo problema de la película. Se siente como una colección de episodios de calidad desigual, con uno que otro momento de verdadero ingenio y sinceridad [la confesión final de Samantha hacia Smith], dando como resultado una película mediocre, más nada. Un esfuerzo que los fanáticos de la serie disfrutan y aprecian, pero que como cine no es nada especial.

Ahora, lo que me causa curiosidad es la forma en que la gran mayoría de la crítica norteamericana, actuando en conjunto casi como un monolito velador de la moral y buenas costumbres,  ni se molesta en discutir la película como tal y se dedica a destrozar la supuesta filosofía del show.

Porque hablar de "corrupción espiritual", "inversión de valores", y hasta de "servir de material de reclutamiento del Talibán" cuando se habla de Sex and the City me parece una visión medieval y me huele a hipocresía, a pura misoginia oculta tras snobismo.

Independientemente de su calidad, si algo prueba el fenómeno Sex and the City y el éxito de otra reciente como The Devil Wears Prada es que el público femenino está ávido de fantasías femeninas. La mujer que va al cine también quiere su Transformers o su Casino Royale, entretenimiento mindless con el cual se pueda identificar.

Pero, ¿cuál es el problema con eso? Que Hollywood, un conglomerado manejado por hombres blancos, conservadores y de más de 50 años no se siente cómodo haciéndolo. La crítica norteamericana –quitando lo de conservadores y una que otra Manohla Dargis- no se aleja mucho de ese patrón.

Esa contigencia de críticos preocupados por el bienestar de la conciencia femenina colectiva, esos que califican a algo tan inofensivo como vacío, frívolo y hasta peligroso y a su protagonista como el peor ser humano que existe, creo que esas acusaciones dicen más sobre ellos mismos que de la película en sí.

En una industria como Hollywood, donde el 99% de las películas son hechas por hombres, sobre hombres y para hombres, ¿por qué causa tanta sorpresa y conmoción que una película como esta sea apoyada por el público femenino en masa?, ¿Qué hace que una película provoque ataques tan viperinos?

Si películas como Wanted, dirigidas para satisfacer las fantasías del público masculino que aspira al ideal del alpha-male y que promueven "antivalores" similares a los de Sex and the City fueran protagonizadas por mujeres, ¿la reacción de la crítica norteamericana fuera contraria a la actual?

A Christmas Story [Bob Clark,1983]

No hay nada como recordar los tiempos cuando nuestra única preocupación era portarnos bien para recibir el día de Navidad ese regalo que tanto anhelábamos, aunque con ese regalo corriéramos el riesgo de sacarnos un ojo.

La alegría que me causa ver A Christmas Story sólo se compara con la que siente el padre de Ralphie cuando recibe lo que tanto desea - su lámpara en forma de pierna.

"Ra-gee-lay. That must be Italian."
"Uh, I think that says FRAGILE, dear."
"Oh, yeah."

A Christmas Story se ha convertido en la película tradicional navideña por excelencia [sin dejar de lado a la magnífica It’s A Wonderful Life] precisamente porque hay algo de Ralphie y su familia en todos nosotros.

La nostalgia que se siente al ver esta película, un poema a tiempos inocentes que se ven ya tan distantes, es incomparable.

Ya es una tradición que el canal TBS haga un maratón de 24 horas el 25 de diciembre transmitiendo la película una y otra vez y es una perfecta oportunidad para disfrutar de ella una o varias veces más.

The Nightmare Before Christmas [Tim Burton, 1993]

La mente de Tim Burton debe ser un lugar fascinante - poblado de personajes y situaciones grotescas, pero a la vez de una inocencia casi infantil.

Haciendo uso de la centenaria técnica de stop-motion y combinándola con su estilo inspirado por las películas de terror de la Hammer, el expresionismo alemán de figuras alargadas ,y usando un poco de la narrativa del Dr. Seuss, Burton logra en The Nightmare Before Christmas la mejor representación en imágenes de su imaginación y sensibilidad artística.

La tecnología stop-motion viene usándose desde los inicios del cine, y es un arte que requiere no sólo de talento, sino de una gran paciencia.

A diferencia de la animación tradicional, donde todo es dibujado a mano o creado por una computadora, esta técnica implica crear desde cero elementos reales, desde el set más complicado hasta el personaje menos importante, e irlos moviendo cuadro por cuadro, para que cuando sean filmados se produzca el efecto de movimiento.

En el universo de esta película, cada día festivo tiene su propia ciudad, donde todos sus habitantes trabajan todo el año en los preparativos para celebrarlo.

Jack Skellington es el rey de Halloween Town, y como cada año, la conmemoración del día de Halloween representa su día más importante.

Halloween siempre se ha presentado como un día oscuro, pero en esta película se le muestra como el día más feliz del año. Halloween Town es un mundo lleno de alegría, donde todos los personajes disfrutan ser criaturas grotescas, y el hecho de asustar a alguien es una distinción. Como uno de los personajes dice “Life’s no fun without a good scare.”

Los problemas comienzan cuando Jack, cansado de la rutina de todos los años, se da cuenta que a las afueras de Halloween Town hay portales a otras ciudades, entre ellas Christmas Town.

Fascinado por ese mundo rojo y verde, cubierto de nieve y gobernado por un señor que cree se llama Sandy Claws, Jack decide llevar a Halloween Town la idea de romper con la rutina y celebrar la navidad.A pesar de querer robarse la navidad como El Grinch, las intenciones de Jack son buenas, pero la idea de combinar Halloween con la Navidad resulta un desastre.

Ambos mundos están repletos de personajes que, gracias al increíble trabajo de animación y voces, están llenos de personalidad y vida.

The Nightmare Before Christmas es un triunfo de la animación, pero la verdadera estrella de esta película es la música.

Danny Elfman, colaborador eterno de Burton, logra con su música dotar a este universo de una vitalidad sin igual. Con letras llenas de un humor deliciosamente macabro, los personajes igual cantan sobre el proceso de crear la Navidad o de secuestrar a Santa Claus. Además de componer la música y letras de todas las canciones, Eflman también es la voz de Jack.

Al momento de su estreno fue sólo un exito modesto para Disney, pero con el paso del tiempo se ha convertido en una verdadera película de culto gracias a la cultura goth y las tiendas Hot Topic, que tal vez sin proponérselo, han desvirtuado el mensaje cínico de Burton, y se la han tomado más en serio de la cuenta, convertido a Jack y Sally en representaciones de su status de "diferentes" y "rechazados por la sociedad." Allá ellos.

The Nightmare Before Christmas es ya un clásico, y gracias a la iniciativa de Disney, llevarla a los cines ahora en su versión en 3D será una tradición de todos los años.

Celebrar Halloween en países como el nuestro me parece un disparate. Mi celebración se limitará a disfrutar nuevamente de esta joya.

De La Muestra

Una excelente y otra una decepción.

Los países latinoamericanos compartimos más que el idioma y algunas costumbres, casi todos hemos sufrido terrible dictaduras.

En la tradición de otras películas latinoamericanas como Machuca [Chile] y Kamchatka [Argentina], El Año Que Mis Padres Se Fueron de Vacaciones examina la opresión militar sufrida por Brasil en el 1970, el mismo año del mundial México 70, vista a través de los ojos de un niño, cuyos padres socialistas están "de vacaciones" ocultándose de los cuerpos de represión.

Antes de retirarse, sus padres lo dejan con su abuelo en el barrio Bom Retiro,un pintoresco lugar donde habitan las comunidades judía e italiana de Sao Paulo. La súbita muerte del abuelo antes de su llegada deja al niño al cuidado de la comunidad judía, que se siente comprometida con él al verlo como una especie de Moisés abandonado en el Nilo.

Es a la vez un coming-of-age drama, un retrato de la pasión que siente toda una nación por el futbol y una denuncia de los horrores cometidos por las dictaduras, destruyendo familias y sueños.

Excelente película que se alzó con La Ciguapa de Oro, el premio máximo de la Muestra, así como el premio al mejor director y a la mejor musicalización. Dependiendo de su competencia, es posible que sea nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera.

La otra, Soñar No Cuesta Nada, a pesar de venir con grandes recomendaciones y con el hecho de ser la selección Colombiana para el Oscar, no pasa de ser un esfuerzo lowbrow, con actuaciones que van desde aceptables a muy malas, y situaciones sacadas de telenovela.

Basada en una historia real ocurrida en Colombia hace 4 años, sospecho que la licencia artística tomada por los creadores de la película para modificar esos hechos reales a su conveniencia fue bastante grande.

Un grupo de soldados del ejército colombiano se encuentran en medio de la selva con una guaca, barriles llenos de dinero en peso y dólares escondidos por la guerrilla producto de sus actividades de narcotráfico y secuestros.

Se reparten el dinero entre todos -no sin antes mostrarnos los obligatorios momentos en los que parece que serán descubiertos- y llegan a la ciudad a derrocharlo todo.

No sé que tan apegadas a la realidad sean las caracterizaciones de los soldados, pero todos parecen caricaturas exageradas y no personas reales. A pesar de esto, los momentos de humor funcionan y son lo más destacable.

El peor pecado de la película es su neutralidad complaciente. La película no toma ninguna posición respecto a los soldados y sus decisiones. Por momentos los presenta de forma negativa, luego quiere hacernos simpatizar con ellos, y salta entre las dos posiciones sin decidir cuál quiere tomar. El final endulzado a lo Shawshank Redemption me dejó rolling my eyes.

Lo bueno es que la Muestra crece y cada año asiste más público deseoso de un cine alternativo.

Las funciones siguen hasta el día de hoy, y precisamente hoy a las 9:15pm va una de las favoritas de la gente, la suiza Todo Un Invierno Sin Fuego.

Espero que en años venideros, con el prestigio que gana cada año y el apoyo del público, se puedan traer más películas de la categoría de El Año Que Mis Padres Se Fueron De Vacaciones y dejar de lado el relleno para llenar espacio y películas de hace 2 y 3 años.

A Mighty Heart [Michael Winterbottom, 2007]

Hay personalidades cuya vida fuera de la pantalla está tan documentada por los medios de comunicación, que a veces resulta imposible separar a la persona o la actriz de la celebridad.

El caso por excelencia es Angelina Jolie.

Su fama de mujer fatal, el ser parte del binomio “Brangelina” y sus cuestionables decisiones en los papeles que ha elegido últimamente, han puesto en duda su capacidad actoral, después de actuaciones tan destacables como en Gia o Girl, Interrupted, que le valió el Oscar.

En A Mighty Heart pone fin a esas dudas.

La película cuenta la historia real de la periodista francesa-cubana Mariane Pearl y su marido Daniel Pearl, periodista del Wall Street Journal. Ambos se trasladaron primero a Afganistán y luego a Karachi, Pakistán para cubrir las incidencias en esos países de lo que ocurrió luego del 11 de septiembre.

A modo casi de documental, vemos cómo Daniel fue secuestrado en el 2002 por un grupo extremista vinculado a Al Qaeda, y de la forma en que su esposa embarazada y un enorme grupo de personas usan todos los medios para salvarlo.

Los que conocen la historia sabrán que el final no es muy feliz. El video de la forma en que Daniel fue brutalmente decapitado se hizo tan famoso como cualquiera de los videos que Bin Laden [o el mismo Bush?] decide “lanzar” cada cierto tiempo.

Michael Winterbottom fue el director ideal para contar esta historia, basada en un libro escrito por la misma Mariane. Su estilo de filmar en video de alta definición y cámara en mano se presta para dar un sentido de inmediatez y urgencia a las imágenes. También es muy efectivo el uso del flashback para presentar situaciones antes del secuestro y de la vida feliz que llevaban Mariane y Daniel.

Todo el peso de la película recae sobre los hombros de Angelina Jolie, y su actuación es impecable.

Un ejemplo de instrospección, es una actuación calmada y controlada, que unida a un acento perfecto y el maquillaje, hacen que nos olvidemos por completo que estamos viendo a la mujer más famosa del mundo. Estamos frente a una actriz entregándose totalmente a un personaje, no un simple stunt de afearse y dejar que la peluca y el maquillaje hagan el trabajo.

La escena donde por fin tiene su catarsis y deja explotar todas sus emociones guardadas luego de más de 2 semanas de incertidumbre es uno de los momentos más conmovedores del año.

Si hay justicia, ese será su clip cuando sea anunciada como una de las nominadas al Oscar el año próximo.

Al igual que Paul Greengrass con United 93, aunque pudo aprovechar la oportunidad para hacerlo, Michael Winterbottom se abstiene de hacer juicios políticos, y sólo se limita a narrar los hechos, que según la propia Mariane Pearl, la película refleja tal como sucedieron.

Ya está disponible en DVD.

Ahora, para que vean la otra cara de la mujer más sexy del mundo, chequéense este comercial:

Arroba de Oro

Me inscribí por inscribirme, sin esperar nada, pero a todos los que votaron por mí, MIL GRACIAS.

Comencé a escribir este blog para mi deshago personal, pero es bueno saber que hay gente ahí fuera que se interesa por lo que uno escribe y se toma la molestia de entrar, leer y hasta comentar algo. También a los que llegan por un googlazo [que son muchísimos, cada día me sorprendo más] y se quedan por un rato viendo lo que hay, aunque no digan nada.

Hoy salieron los preseleccionados de la Arroba de Oro, y en la categoría de Blogs, Cinema Blender quedó entre los 10 finalistas.

Me pusieron en primer lugar, pero no se si significa que fui el que saqué más votos, o es por orden alfabético según su dueño, o por calidad de contenido, no se, pero gracias!

Espero que con su ayuda [hay que votar de nuevo dentro de poco] lleguemos a algo!

Muchas felicidades y suerte a los demás nominados.

Away From Her

Dicen por ahí que somos la suma de nuestros recuerdos, y que por eso la enfermedad de Alzheimer es la muerte en vida.

En esta hermosa película, debut como directora de Sarah Polley, vemos la forma en que este mal afecta a quien lo sufre, pero sobre todo a los que le rodean y tienen que observar la lenta destrucción de su ser querido.

Grant [Gordon Pinsent] y Fiona [Julie Christie] tienen ya 44 años de casados. Fiona padece de Alzheimer, y Grant tiene que tomar la difícil decisión de internarla en un asilo especializado.

Julie Christie, ya una leyenda viviente, da una de las mejores actuaciones de su carrera, y me apuesto todo a que será nominada para los próximos premios Oscar. Que nadie se sorprenda si gana. Sería su segundo.

El paso de los años y unas cuantas arrugas y canas no han disminuido su belleza, y sus luminosos ojos azules no han perdido el brillo de cuando interpretó a la inolvidable Lara en Doctor Zhivago.

Tal como hizo David Lean en Doctor Zhivago, Sarah Polley utiliza esos mismos ojos de Julie Christie para contar su historia - mostrar el deterioro progresivo de la mente de Fiona y su distanciamiento mental y físico de su esposo Grant. De ahí el título de Away From Her.

En un papel secundario está igualmente excelente la también ganadora del Oscar Olympia Dukakis, interpretando a Marian, una mujer cuyo esposo también sufre de Alzheimer y está internado en el mismo asilo que Fiona.

Entre estos cuatro personajes se crea una curiosa relación, porque con este hombre Fiona entabla una conexión que, unida a su enfermedad, comienza a alejarla cada vez más de su esposo, mientras él encuentra en Marian el apoyo y la comprensión de alguien que entiende lo que es perder a alguien por esta enfermedad.

Muy buena película con un conjunto de actuaciones excelentes. Sarah Polley demuestra que ha aprendido un par de cosas de su mentor Atom Egoyan sobre cómo dirigir un character study efectivo.

Ya esta disponible en DVD, no se la pierdan.

Para saber más sobre Julie Christie, su carrera y su alejamiento del cine, lean esta interesante entrevista que concedió al New York Times.

The Last Temptation of Christ [Martin Scorsese, 1988]

Es una lástima que por la intolerancia y miopía de la todopoderosa iglesia católica y otros grupos conservadores, la mejor película de la vida de Cristo sea tan ignorada, poco vista y despreciada.

Los que me conocen saben que no soy para nada espiritual, y mi fé religiosa es casi nula [por no decir absolutamente nula], pero lo que Scorsese logra plasmar en esta película me conmueve como pocas cosas.

Tal vez el secreto esté en que por encima de retratar la vida de Cristo y exaltar su figura, esta película es más sobre uno de los sentimientos más básicos del hombre: La duda.

Es bastante irónico que la película haya sido y todavía sea tan atacada, cuando [al contrario de películas sádicas y crueles como la horripilante La Pasión de Cristo] es una de las obras más REAFIRMADORAS de fe que existen. Cristo fue tentado una vez más momentos antes de su muerte, y una vez más supo superar esa prueba.

Es poco probable que tengan la oportunidad de encontrarse con esta película en televisión en esta época de Semana "Santa", ya que esos espacios están reservados para la millonésima transmisión de Los 10 Mandamientos, pero si de casualidad se la encuentran por ahí, pongan de lado todos los prejuicios y comentarios negativos que puedan haber leído o escuchado sobre ella, y déjense perder en las imagenes creadas por el maestro Martin Scorsese.