Una Madre Tenaz

Mirando 10, 15 años atrás, podemos concluir que hay ciertas características ante las que la Academia y sus votantes caen rendidos a la hora de marcar en su boleta tal o cual interpretación femenina como su ganadora en el renglón de Mejor Actuación Femenina.

 

En el siguiente trailer podrán ver a la segura nominada [y casi segura ganadora] del Oscar el año próximo:

 

Recapitulemos --

Actríz hermosa, la más famosa, taquillera, fotografiada y perseguida del mundo interpreta a:

• Mujer atormentada 
• Mujer desequilibrada
• Mujer indefensa que desafía al sistema

 

Película en la que hay:

• Escena en la que da un discurso importante y/o inspirador
• Escena en la que, desesperada, rompe un plato
• Escena en la que tiene una crisis nerviosa
• Dirigida por Clint Eastwood

 

Digamos que sólo le faltó afearse como hicieran Charlize Theron y Halle Berry, y desde que se filmara la primera escena el premio sería suyo.

 

La tan mentada genialidad de Clint Eastwood me elude. Las comparaciones con el padre absoluto del cine norteamericano John Ford me perplejan aún más. Si me preguntaran, la grandeza del cine de Clint Eastwood concluye con Unforgiven.

Sus esfuerzos recientes, como las celebradísimas al exceso Mystic River [episodio alargado de Law & Order con sobreactuaciones a granel], Million Dollar Baby [dos primeros actos que son meras excusas para el manipulador punch final Paul Haggis-esco] y su dupla Flags of Our Fathers [prueba de que el recurso del flashback en exceso hace daño] y Letters From Iwo Jima [la mejor del grupo] me dejan frío e indiferente. En ninguna veo ni remotamente nada lo suficientemente destacable como para llamarlo la segunda venida del director de The Searchers o The Man Who Shot Liberty Valance. La economía narrativa quizás, pero vaya.

Durante su presentación en Cannes el pasado mayo no ganó ningún premio importante, pero la crítica internacional en su mayoría se volcó en elogios, y nombró a Changeling como su consagración en el autor norteamericano contemporáneo definitivo, y la actuación de Angelina Jolie como reveladora. Las comparaciones con películas del género film noir que retratan la corrupción policíaca y social de Los Angeles como Chinatown, LA Confidencial o The Big Heat tampoco se hicieron esperar.

Juzgar una película por un trailer es un error que se comete a menudo, pero sólo espero que esta vez Eastwood me sorprenda. Al menos visualmente parece su película más interesante en muchos años.

Ganó dos en el 93 por Unforgiven, y dos en el 2005 por Million Dollar Baby.

Independientemente de lo que quien suscribe opine, considerando que Eastwood es uno de los favoritos de la Academia y son pocos los individuos que gozan del nivel de respeto y admiración que la industria le profieren, esperen nominaciones al Oscar no sólo para Eastwood y Jolie, sino para todos los aspectos técnicos que parecen -como en todo el cine de Eastwood- impecables.

Se estrena el 31 de Octubre.

Venecia 2008

Visitar el Lido y ver de cerca el montaje de uno de los festivales cinematográficos más importantes del mundo es una experiencia algo surreal.

Pisar el lugar en el que maestros como -por citar algunos- Fellini, Kurosawa, Mizoguchi, Visconti y Kazan presentaron sus obras cumbres [Trivia Alert - todos el mismo año, 1954, On the Waterfront, Sansho the Bailiff, Senso, Seven Samurai y La Strada, todas ellas en la sección oficial], tiene una magia que no se puede describir. Venecia que de por sí es quizás la ciudad más bella creada por la mano del hombre, durante la celebración de la Mostra adquiere una dimensión y un allure incluso mayor.

El lineup de la última entrega de la Mostra ha sido considerado uno de los más flojos de los últimos años, con la prensa española llegando a calificar esta edición como "La Monstra ."

Los organizadores culpan a la fuerte competencia de los festivales de Cannes y Toronto y los efectos colaterales de la huelga de escritores como las principales razones de las deficiencias en el catálogo de películas de este año.

La falta de cintas norteamericanas de prestigio/Ocarbait como las presentadas el año pasado [Atonement, Michael Clayton, I'm not There, The Assassination of Jesse James] y las estrellas que las protagonizaron y que traen consigo un enorme splash publicitario también ha sido otra de las causas de la falta de "brillo" de esta entrega. Su presidente Marco Fuller ha asegurado ante las críticas: "We go look for the vitality of cinema where it is hidden, be it in popular works or auteur cinema; it makes no difference to us." - No hay más que decir ante tales palabras.

Cinco películas en particular [4 de ellas de Hollywood/"Independientes", qué sorpresa] eran las más comentadas por el público y la prensa durante el tiempo que estuve en el Lido y que se perfilaban desde ese entonces como las favoritas. Algunas parece que cumplirán su promesa inicial de ser abrazadas por el jurado, otras no tanto:

The Hurt Locker

Kathryn Bigelow junto a su elenco.

La sección oficial está llena de comebacks. Esta película representa el regreso de la directora de culto norteamericana Katheryn Bigelow [Strange Days, Near Dark], cuya carrera parecía finalizada luego del enorme fracaso de K-19: The Widowmaker.

Tocando un tema tan espinoso como el rol de la milicia norteamericana en la guerra de Iraq, The Hurt Locker no suena precisamente como una película de festival:

The definitive film about the U.S. involvement in Iraq has yet to be made, and "The Hurt Locker" doesn't aspire to compete in the category. Tensely action-packed and muscularly directed by Kathryn Bigelow, this tale of an elite U.S. army bomb disposal unit in Baghdad is a familiar story in new clothes, targeted at the young male demographic. -- The Hollywood Reporter.

The Hurt Locker probably isn't the "great" Iraq film which will finally move audiences into theatres but it does play out like fragments of one. -- Screendaily.

The Wrestler

Mickey Rourke junto a Evan Rachel Wood y Darren Aronofsky a su llegada al Palazzo del Cinema del Lido.

La carrera de Mickey Rourke es una de las más curiosas. En el pico de su estelaridad como el ídolo juvenil de los años 80, decidió abandonarlo todo y dedicarse al boxeo. El resultado de su corta y fracasada carrera como boxeador fueron las cirugías plásticas que dejaron su rostro en un estado que harían hasta al propio Michael Jackson temblar de miedo.

Pero como bien dicen por ahí, no hay otra cosa que Hollywood aprecie más que un comeback kid. Luego de medio revivir su carrera dando la actuación de su vida en Sin City, ahora parece que lo que Darren Aronofsky [Pi, Requiem for a Dream] ha hecho por él es similar a lo que hizo Tarantino con John Travolta en Pulp Fiction.

Acompañado por Evan Rachel Wood y Marisa Tomei en esta historia sobre un luchador retirado que busca un nuevo sentido a su vida, The Wrestler ha conseguido algunas de las mejores reseñas de todos los filmes de la sección oficial y que colocan a Rouke como el favorito para llevarse la Copa Volpi a la Mejor Actuación Masculina:

Bolstered by a career-best performance from Mickey Rourke and outstanding work by Marisa Tomei and Evan Rachel Wood, the film could nab audience interest, especially if Rourke's portrayal generates the awards fever that greeted Ellen Burstyn's turn in Aronofsky's "Requiem for a Dream." -- The Hollywood Reporter.

Talk about comebacks. After many years in the wilderness and being considered MIA professionally, Mickey Rourke, just like the washed-up character he plays, attempts a return to the big show in "The Wrestler." Not only does he pull it off, but Rourke creates a galvanizing, humorous, deeply moving portrait that instantly takes its place among the great, iconic screen performances. An elemental story simply and brilliantly told, Darren Aronofsky's fourth feature is a winner from every possible angle, although it will require deft handling by a smart distributor to overcome public preconceptions about Rourke, the subject matter and the nature of the film. -- Variety.

A deceptively conventional storyline from Darren Aronofsky boasts just the right amount of edge – and, surprisingly, humour – and a performance Mickey Rourke was born for, making The Wrestler a natural awards contender and audience-pleaser without feeling overtly manipulative on the way. -- Screendaily.

Ponyo on the Cliff by the Sea

Hayao Miyazaki.

Venecia adora a Miyazaki, y, como era de esperarse, el maestro indiscutido de la animación moderna ha entregado otra maravilla:

Visually, it's extraordinary; imaginatively, it's daring. Once again Hayao Miyasaki is playing in a league of his own with Ponyo On The Cliff By The Sea, a sweet, gentle, moving, and always delightful Japanese take on the classic Little Mermaid fable. Bowing internationally in Competition at Venice, Ponyo plays out as exuberant blast of colour, making all else around it seem gray, so brightly does it shine. -- Screendaily.

Coming from Miyazaki, this is as miraculous as it is to be expected (he has a number of comparable successes under his belt, even if Ponyo, the fish that becomes a little girl does not attain the genius of Princess Mononoke). And as an assessment of the art of cinema, it is foreseeable but a lot less heartening. -- Cahiers du Cinéma.

Esta es la segunda película de Miyazaki en Venecia, y aunque ya se le otorgó un León honorario en el 2005, no sería sorpresa que se alzara mañana con uno de los premios principales.

The Burning Plain

Arriaga junto al elenco encabezado por Charlize Theron y José María Jazpik.

Muy comentada como una de las favoritas, eso hasta que aparecieron las primeras reseñas puntualizando lo que me temía - aunque Guillermo Arriaga terminó agriamente su relación creativa con González Iñárritu, los gimmicks presentes en la obra de ambos se mantienen en este que representa su debut como realizador - la visión depresiva del mundo, las coincidencias acomodativas y la estructura no linear, lo que la prensa no tomó con demasiado entusiasmo:

Many of the weaknesses and few of the strengths of Guillermo Arriaga as a scripter are evident in his directing debut, "The Burning Plain." Multicharacter head-scratcher, yo-yoing between New Mexico and Oregon, and back and forth in time, doesn't finally reveal much beneath the emperor's clothes to repay viewers' concentration during the first half. Despite an OK-to-good cast led by Charlize Theron and Kim Basinger, plus a handsome tech package, this remains an elaborate writing exercise with few emotional hooks. Upscale auds, drawn by Arriaga's name, may be curious. -- Variety.

"The Burning Plain" is an ambitious, visually handsome production which fails to ignite. This is a film that makes viewers work hard to understand what's going on -- so hard, in fact, that there’s little time to get emotionally involved with the characters or their woes. -- The Hollywood Reporter.

Rachel Getting Married

Anne Hathaway junto a la guionista Jenny Lumet [hija de Sidney Lumet] y Jonathan Demme.

Margot at the Wedding de Noah Baumbach fue una de nuestras películas favoritas del año pasado, y luego de ver el trailer de Rachel Getting Married resulta imposible no hacer comparaciones entre ambas.

Luego de años de realizar proyectos comerciales de poca trascendencia, Jonathan Demme parece haber vuelto a sus raíces de storyteller, afincado en una actuación de Anne Hathaway que desde ya huele a Oscar:

Jonathan Demme, last in Venice with "The Manchurian Candidate," breathes a breath of honest cinema into a lackluster competition with "Rachel Getting Married," a film whose lightness of touch rides a wave of family conflict to perfectly balance smiles and tears. Playing the spitfire sister of the bride, an award-worthy Anne Hathaway gives the story a clear central focus and offers Jenny Lumet's subtle script some wiggle room to set aside a lot of the usual genre conventions without losing the audience's attention. -- The Hollywood Reporter.

Hand-held, free-wheeling and at times joyously spontaneous, the dogme-like Rachel Getting Married sees Jonathan Demme paying tribute to Robert Altman (in particular A Wedding). In its treatment of a Connecticut family with the dark hole of family loss and dysfunction at its centre, Rachel Getting Married travels familiar thematic ground from Ordinary People on up.

Packed with superb performances, in particular from Anne Hathaway in the lead role and Debra Winger in a small supporting turn she makes memorable, Rachel Getting Married will undoubtedly be up for awards consideration in the major categories.-- Screendaily.

Brimming with energy, elan and the unpredictability of his "Something Wild", Jonathan Demme's triumphant "Rachel Getting Married" may just lay the wedding film to rest, being such a hard act to follow. -- Variety.

El recuento día por día de Cahiers du Cinéma.

Los ganadores se anunciarán mañana a las 7:00pm hora de Venecia [1:00pm ET].

Actualización con los ganadores:

Mickey Rourke y Darren Aronofsky con el León a la Mejor Película.

Por un tecnisismo tonto del reglamento que indica que una misma película no puede ganar más de un premio, Mickey Rourke, a pesar de ser lo más comentado en una Mostra con poco que ofrecer, no ganó la Volpi al Mejor Actor.

El mismo Wim Wenders, presidente del jurado, se encargó de dejar claro durante la ceremonia de premiación que Rourke no había ganado expresamente por esa razón. Su camino al Oscar se divisa claro y seguro a partir de ahora:

• LEONE D’ORO al Mejor Film:

The Wrestler de Darren ARONOFSKY - EEUU

• LEONE D’ARGENTO a la Mejor Dirección:

Aleksey German Jr. por Bumažnyj Soldat [Paper Soldier] - Russia

• PREMIO SPECIALE DELLA GIURIA:

Teza de Haile Gerima - Etiopia, Alemania, Francia

• COPPA VOLPI a la Mejor Interpretación Masculina:

Silvio Orlando por Il papà di Giovanna - Italia

• COPPA VOLPI a la Mejor Interpretación Femenina:

Dominique Blanc por L’autre - Francia

• PREMIO MARCELLO MASTROIANNI al Actor Jóven Revelación a:

Jennifer Lawrence por The Burning Plain - EEUU

• OSELLA a la Mejor Cinematografía:

Alisher Khamidhodjaev y Maxim Drozdov por Bumažnyj Soldat [Paper Soldier]

• OSELLA al Mejor Guión:

Haile Gerima por Teza di Haile Gerima

• PREMIO “LUIGI DE LAURENTIIS” a la Mejor Ópera Prima [Unánime]:

Pranzo di Ferragosto de Gianni Di Gregorio

El año próximo [con suerte] ¡volvemos!

De Vuelta

"The London Underground is NOT a political movement!"

Un plato de fish and chips al que adivine primero de qué película desarrollada en la ciudad de Londres proviene esa frase tan famosa.

 

Viajar y desconectarse de todo por un tiempo es una de las actividades más enriquecedoras que existen, pero la peor parte, esa que a veces llega a opacar todo lo disfrutado, es la de volver a la realidad, a la rutina castrante.

Como por antonomasia todo lo asocio al cine, y Europa como ningún otro lugar sabe y huele a cine en todos sus rincones, ahora me encuentro con una caterva de películas ambientadas en los lugares que visité que no puedo esperar a revisar con ojos nuevos. Desde ver a Audrey Hepbrun recorriendo Roma en una Vespa junto a Gregory Peck en Roman Holiday, el París romantizado de Amelie y Before Sunset y el París desenfadado de la Nouvelle Vague, la Roma Fellinesca de La Dolce Vita y la Roma cruda de Rossellini, la Venecia terrorífica de Nicholas Roeg en Don't Look Now y la Venecia idealizada de Visconti en Muerte en Venecia, el Londres posh de About a Boy y Closer, el Londres cínico de las comedias Ealing, el Londres "swinging" de Blow Up y Alfie,  y el Londres oscuro de Eastern Promises y Dirty Pretty Things, hasta llegar al extremo de ansiar sufrir viendo Hannibal nuevamente sólo para disfrutar sus bellísimas vistas de Florencia. La lista es interminable.

Escribir en este blog es algo que me ha hecho más falta de la que pensaba. Ya comprobé que más que una distracción, es algo que verdaderamene necesito. 

Afortunadamente, tenemos material en abundancia, desde nuestras aventuras en Venecia y La Mostra, reseñas de un montón de películas y mi conversación frustrada con Steven Soderbergh en el aeropuerto de Barajas.

The Dark Knight [Christopher Nolan, 2008]

"I'm an agent of chaos."

No sé si sea demasiado pronto para llamar a Christopher Nolan un autor, pero si vemos su filmografía en conjunto hasta este punto, hay un tema en común –el principal requisito para ser considerado como tal– difícil de ignorar.

En Memento hay un hombre obsesionado con revivir una mentira que le dé sentido a su vida, en Insomnia hay un hombre obsesionado con resolver un crímen, en The Prestige hay un hombre obsesionado y dispuesto a todo con tal de ser mejor que su rival. El Batman de Nolan es otro hombre obsesionado, y como sucede a todos los demás héroes de su oeuvre, esa obsesión se ha convertido en su razón de ser.

Al ver The Dark Knight, las comparaciones que tanto se han hecho con Heat de Michael Mann son inevitables. Más que cualquier elemento del patrón de thriller policíaco, lo que creo que acerca más a las dos es el uso que Nolan ha dado en sus dos entregas de Batman de uno de los recursos emblemáticos de Mann - el gran protagonismo de sus locaciones.

Como los objetos inanimados con vida propia que describe John Ruskin en su teoría del Pathetic Fallacy, la cual Mann ha asumido como suya en todo su cine desde que creara Miami Vice, el Gotham City de Nolan es el verdadero protagonista de esta historia. Un ente viviente, un microcosmos cuya cadena alimentaria [criminales menores – mafia – policía corrupta – justicia] ha sido perturbada por un vigilante en la búsqueda de reestablecer el orden, dando como resultado aún más caos del que había antes.

The Dark Knight es una especie de maravilla casi indescriptible, es una brillante exploración de temas tan complejos como la justicia y el crímen y la responsabilidad social ante ellos, así como un thriller con tintes operáticos que obvia casi todos los convencionalismos de su género, trascendiendo sus orígenes, donde cada personaje tiene la oportunidad de brillar y contar su historia, donde todos deben enfrentarse a dilemas éticos, desde el ciudadano simple hasta el miembro más importante de las esferas de poder.

Si bien Superman y Spider-Man luchan en hechos aislados por la prevalencia del bien sobre el mal, nunca se han enfrentado [al menos en el cine] con una batalla tan terrible, y en la que nunca hay ganadores, como la de tratar de mantener el status quo frente al caos total. Nolan nos muestra a un héroe que se encuentra de frente no con un científico desquiciado ni con un megalómano con ansias de controlar el mundo, sino con una fuerza incontrolable que, como él mismo dice, sólo desea ver al mundo arder porque sí. El pesimismo del universo del Batman de Nolan no sólo se limita a la pérdida de poderes o problemas amorosos, sino a la creación de una atmósfera tan opresiva en la que no existe en ningún momento la seguridad de que todo saldrá bien, todo lo contrario.

Afortunadamente, Nolan no condona las prácticas reaccionarias de Batman, pero sí se queda pisando la línea de la ambigüedad, presentando que cuando se trata de pelear una guerra tan terrible, siempre habrá víctimas insalvables, y que para proteger a la colectividad se debe pagar un costo doloroso pero necesario. Sectores de la derecha norteamericana se han tomado elementos como ese más a pecho de la cuenta, y han tomado al personaje de Batman como una personificación de George Bush, el héroe incomprendido que durante los últimos años se ha visto obligado a utilizar prácticas cuestionables para "proteger" su nación de una gran amenaza, y en el camino ha quedado como el villano. Y si Batman es George Bush y Harvey Dent es el idealista Barack Obama, la ciudadanía aterrorizada de Gotham City es la misma sociedad norteamericana post-9/11, un reflejo de lo que sucede cuando se vive bajo la cultura del miedo.

Luego de una segunda revisión, lo que más me impresiona es cómo The Dark Knight, evitando a toda costa la fórmula del blockbuster/crowdpleaser veraniego, ha sido abrazado por las masas como tal. Un filme elegante y old-fashioned en su estructura, más interesado en sus momentos de exposición que en sus escenas de acción delirante [y un tanto confusas], que cosa rara en el género, es acción con propósito y consecuencias.

Mucho se ha hablado de Heath Ledger como el Joker, y al observarlo no se puede evitar sentir una gran nostalgia de ver un talento de tal magnitud ido a destiempo, poseído por última vez por el Brando Spirit. Su caracterización estudiada y profunda de un ser nihilista sin ninguna motivación, sólo la de convertirse en la representación misma del mal, es reveladora, impregnada de una volatilidad y carácter impredecible que no sólo me recuerda a Brando y su fisicalidad interpretativa como Stanley Kowalski en A Streetcar Named Desire, sino al diabólico Richard Widmark en esa obra maestra del cine negro Kiss of Death, y hasta a la misma Jessica Lange y sus arranques de locura en Frances.

El manejo visual que Nolan da al terror absoluto que el Joker desata, al igual que el nivel de tensión en cada momento que el personaje aparece en pantalla o cuando siquiera se menciona su nombre, es destacable. Por su actitud errática que oculta al estratega más preciso, siempre estamos a la espera de que algo más terrible que lo anterior ocurra en cualquier momento.

Como Anton Chigurh en No Country Ford Old Men, el Joker es una fuerza, un arquetipo. Esta visión del personaje, no es más que una simple máscara de locura y desenfreno, no necesita ningún tipo de trasfondo ni historia, su papel es empujar a Batman y a Harvey Dent al límite de sus fronteras morales, por eso me causaron tanta gracia sus intentos de explicar sus cicatrices y traducir sus motivaciones como consecuencia de algún trauma pasado como es el cliché acostumbrado en este tipo de historias.

En la escena donde vemos al personaje por primera vez, el empleado del banco dice al Joker que los criminales de antaño creían en algo. Lo que este no sabía es que el Joker es precisamente el criminal de antaño con un ideal llevado al paroxismo - “This city deserves a better class of criminal…and I’m going to give it to them.” Su intención es reducir a cada habitante de Gotham a su nivel, el que no esté a la altura de ese reto se va o muere. .

El universo Batmanezco de Nolan se reduce a la visión de una sociedad que a pesar de sus limitaciones busca desesperadamente creer en un ideal tan simple que las tribulaciones del día a día y la complejidad del mundo actual han convertido en una utopía.

El planteamiento de Nolan es interesantísimo, ¿qué es más importante, un héroe que hace lo que tiene que hacer sin importar el rechazo de la mayoría, o un símbolo de esperanza y cambio como Harvey Dent?, ¿cúal de los dos es más valioso preservar?

Lo que me queda de The Dark Knight es que personajes como Batman son necesarios, pero por circunstancias ajenas a ellos, terminan siendo parte del problema y no la solución. Porque la teoría de los Nolan parte de la idea de que si la sociedad se uniera por ese ideal en común, personajes como el Joker no existirían, ni vigilantes como Batman tendrían que surgir para combatirlos. Así como Catwoman y el Pingüino de Batman Returns de Burton surgen del lado vigilante nocturno y del freak sin padres de Batman, el Joker es una respuesta a la ruptura de una cadena necesaria para mantener el balance en una sociedad como Gotham City.

Contrario a la creencia tan extendida en las últimas semanas, The Dark Knight no es una obra maestra, los diálogos grandilocuentes que también plagaron a Batman Begins, sus problemas de elipsis y de lógica interna le pesan demasiado, pero que grandioso es encontrar cine que entretiene, emociona y nos obliga a hacernos preguntas.

Que venga la tercera.

Like a Dog Chasing Cars - Hans Zimmer/James Newton Howard

Batman en RD

Como me imagino ya sabrán, el estreno de The Dark Knight es por fin este jueves. Sabiendo lo que se avecina, la gente de Caribbean Cinemas han hecho lo que el público clamaba desde hace mucho para este tipo de película de evento: La preventa de boletos.

Desde el sábado pasado, pueden adquirir sus entradas para ver The Dark Knight este fin de semana en todos los cines de Caribbean Cinemas. No creo que para estas alturas queden muchas, pero pueden hacer el intento. Si van este fin de semana, vayan preparados, porque el caos que habrá será algo como no se ve desde hace mucho tiempo. Uno de los efectos secundarios de poner a la gente a esperar más de un mes.

Por mi parte, gracias a la exquisita Beatriz Bienzobas, editora de la Revista Estilos, podré verla mañana en la premiere oficial. Manténganse aguantando el aliento hasta el día siguiente cuando publique mi reseña.

Mientras tanto, para juzgar y apreciar en su justa dimensión el logro de Christopher Nolan de regresar al Caballero de la Noche al lugar que pertenece, este es un resumen de en lo que había quedado reducido el personaje, un miembro más del homoerótico show de luces de neón llamado Batman & Robin, todavía la peor película que he visto en mi vida:

Uno No es Primo

Ese el título del primer número de Lengua, el nuevo experimento de un grupo de artistas que me invitaron a ser parte de su sueño colaborando para su su sección de Cine. En esta primera edición escribo sobre mi película favorita del 2007, la rumana 4 Months, 3 Weeks & 2 Days, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año pasado.

La revista está disponible en Casa de Chavón, la galeria de arte District & Co, el ITLA, la Cinemateca Dominicana y Cinema Café y la tienda Puma de Acrópolis. En los próximos días hará acto de presencia en más lugares.

Para conocer más sobre el proyecto y sus colaboradores [casi todos ilustres Chavoneros menos yo que soy un banquero aburrido], vayan al grupo de Facebook.

¡Gracias, Paolat!

Sobre el consumismo y la frivolidad

Algo rápido.

Este comentario llega con unas semanas de retraso, pero no podía evitar hacerlo. Anoche por fin ví Sex and the City y me quedaron un par de ideas en la cabeza.

En The Women, la obra seminal de George Cuckor y la Women’s Picture por excelencia [y ahora objeto de un seguramente nefasto remake protagonizado por Meg Ryan], hay una escena donde de la nada la película se detiene y momentáneamente se convierte en un desfile de modas/extravaganza Technicolor que aparentemente nada tiene que ver con el resto. Un momento gratuito que sirvió como experimento para demostrar las capacidades y belleza del filme a color en un momento en el que el blanco y negro era la regla, y también un poco de eye candy para su audiencia meta: la mujer que sueña con una vida fabulosa y sin problemas, con un guardarropa de marca, un hombre a su altura y amigas que compartan sus mismos intereses. ¿Suena familiar?

Aunque lamentablemente el cine “dirigido a la mujer” no es lo que era antes, ya no cuenta con mujeres audaces como Irene Dunne y Barbara Stanwyck ni con historias escritas por Billy Wilder, parece que lo que desea ver en la pantalla  la mayor parte del público que consume este tipo de cine no ha cambiado mucho en 70 años.

Como escuché a alguien decir hace poco, Sex and the City -tanto la película como el show- son para la mujer promedio lo que James Bond sería para el hombre promedio,  lo mismo que fueron las llamadas películas italianas de Teléfono Blanco: un mero divertimiento sin mayores pretensiones. Una farsa en la que por un par de horas el espectador se puede perder en una fantasía donde sus personajes viven en un mundo perfecto, idealizado, uno donde el héroe afronta sus problemas sin nunca perder ni su estilo ni su sentido de individualidad.

Aunque la frivolidad en forma de ropa y zapatos de marca y restaurantes y clubes newyorkinos imposibles de pagar por la clase trabajadora es una parte vital del universo de Carrie Bradshaw y sus compartes, en mi experiencia viendo algunos episodios, unos excelentes y otros no tanto, el centro de Sex and the City y la razón de su enorme éxito es la forma novedosa y sin inhibiciones en que retrata a un grupo de mujeres inteligentes, independientes y exitosas por mérito propio mientras luchan por descifrar la forma en que se puede ser mujer y amante en la gran ciudad.

¿Que si lo logra? En algunos episodios sí, en otros no, y ese es el mismo problema de la película. Se siente como una colección de episodios de calidad desigual, con uno que otro momento de verdadero ingenio y sinceridad [la confesión final de Samantha hacia Smith], dando como resultado una película mediocre, más nada. Un esfuerzo que los fanáticos de la serie disfrutan y aprecian, pero que como cine no es nada especial.

Ahora, lo que me causa curiosidad es la forma en que la gran mayoría de la crítica norteamericana, actuando en conjunto casi como un monolito velador de la moral y buenas costumbres,  ni se molesta en discutir la película como tal y se dedica a destrozar la supuesta filosofía del show.

Porque hablar de "corrupción espiritual", "inversión de valores", y hasta de "servir de material de reclutamiento del Talibán" cuando se habla de Sex and the City me parece una visión medieval y me huele a hipocresía, a pura misoginia oculta tras snobismo.

Independientemente de su calidad, si algo prueba el fenómeno Sex and the City y el éxito de otra reciente como The Devil Wears Prada es que el público femenino está ávido de fantasías femeninas. La mujer que va al cine también quiere su Transformers o su Casino Royale, entretenimiento mindless con el cual se pueda identificar.

Pero, ¿cuál es el problema con eso? Que Hollywood, un conglomerado manejado por hombres blancos, conservadores y de más de 50 años no se siente cómodo haciéndolo. La crítica norteamericana –quitando lo de conservadores y una que otra Manohla Dargis- no se aleja mucho de ese patrón.

Esa contigencia de críticos preocupados por el bienestar de la conciencia femenina colectiva, esos que califican a algo tan inofensivo como vacío, frívolo y hasta peligroso y a su protagonista como el peor ser humano que existe, creo que esas acusaciones dicen más sobre ellos mismos que de la película en sí.

En una industria como Hollywood, donde el 99% de las películas son hechas por hombres, sobre hombres y para hombres, ¿por qué causa tanta sorpresa y conmoción que una película como esta sea apoyada por el público femenino en masa?, ¿Qué hace que una película provoque ataques tan viperinos?

Si películas como Wanted, dirigidas para satisfacer las fantasías del público masculino que aspira al ideal del alpha-male y que promueven "antivalores" similares a los de Sex and the City fueran protagonizadas por mujeres, ¿la reacción de la crítica norteamericana fuera contraria a la actual?

Traduciendo a Hollywood

Hace un par de días hablaba sobre el deseo de los distribuidores latinoamericanos de pasarse de "creativos" e ir más allá de las traducciones literales con los títulos de las películas, como en el caso de Atonement [Expiación: Deseo y Pecado].

Ahora, gracias a la página Poster Wire, me encuentro con un maravilloso libro que compré inmediatamente editado por Sam Sarowitz [coleccionista de arte y propietario de la tienda Posteritati] que demuestra que el deseo de los distribuidores internacionales de ser verdaderamente creativos con las campañas publicitarias del cine de Hollywood iba mucho más allá de convertir a Doctor Strangelove en  Teléfono Rojo: ¿Volamos Hacia Moscú?, o Some Like it Hot en Con Faldas y a lo Loco.

A diferencia de ese entonces, ahora lamentablemente todo se quiere vender a base de figuras. Los famosos posters de "floating heads" son la principal prueba de ello.  Mientras más grande la figura, mayor será el tamaño de la cabeza y su nombre sobre ella.

Como presenta Sarowitz en Translating Hollywood: From the Posterati Gallery Collection, los departamentos de mercadeo internacionales antes se toman muy en serio la tarea de vender visualmente una película en sus mercados. Si Saul Bass convirtió el oficio de crear posters en un arte dentro de Estados Unidos, los Europeos, en particular los polacos, lo llevaron a una verdadera forma artística.

El crítico de The New York Times Dave Kerr dice en la introducción del libro que durante aquel tiempo “films were dressed up in native costumes for the different countries they happened to be visiting.”

Los creadores de estos posters optaban [como el caso de los producidos en la Polonia comunista] por ni siquiera presentar los rostros de los protagonistas, como en Tootsie y Back to the Future:

 

O utilizar una fuerte alegoría surrealista, que al parecer nada tuviera que ver con la película como tal. Compárenlos con sus contrapartes norteamericanos que no pueden ser más directos:

 

O jugar con el diseño existente y crear algo totalmente diferente:

Polonia                                                                   EEUU

 

O vender la visión provocadora de cineastas como David Lynch sin tapujos:

 

Italia                                                                                  EEUU

 

O hasta imitar estilos artísticos populares de la época, en este caso el Pop Art de Lichtenstein:

Japón                                                                          EEUU

 

Para ver más de cómo los polacos "traducían" los posters norteamericanos, visiten esta página.

Para adquirir el libro en su versión hardcover, Amazon es la mejor opción.