Quiniela Oscarina 2012

Todos los años surge el mismo tema: que XYZ no merecía ganar el premio, y que se lo robó a PQR. Es un ya un ritual.

Y así será siempre, primero, porque [quien suscribe incluido] nunca aprenderemos, y segundo, porque el Oscar es, reiteramos, un premio de la industria, un premio del momento, del tema de conversación, de lo popular, no de la verdadera excelencia.

El Oscar, como todo en Hollywood, no funciona como una meritocracia, aunque ambos crean y quieran hacer creer que sí. El que gana generalmente no es el mejor, ni el que los votantes creen quedará como el merecedor para la posteridad, sino el que por un instante ínfimo, a veces de días, logra capturar la intención de voto de más de 5,000 personas que votan como ganado en consenso. La AMPAS es un organización monolítica que, como se ha destapado en días recientes, es poco representativa y envejecida, lo que resulta en que lo políticamente correcto, lo gastado y probado, lo mismo de lo mismo, gane cada año.

Pero en fin, aquí estamos como siempre. Vamos:

 

Película

• The Artist
• The Descendants
• Extremely Loud and Incredibly Close
• The Help
• Hugo
• Midnight in Paris
• Moneyball
• The Tree of Life
• War Horse

Ganará: The Artist

Debería ganar: Hugo

 

Director

• Michel Hazanavicius – The Artist
• Alexander Payne – The Descendants
• Martin Scorsese – Hugo
• Woody Allen – Midnight in Paris
• Terrence Malick – The Tree of Life

Ganará:Michel Hazanavicius

Debería ganar: Martin Scorsese

Debió estar nominado: David Fincher por The Girl with the Dragon Tattoo

 

Actor

• Demián Bichir – A Better Life
• George Clooney – The Descendants
• Jean Dujardin – The Artist
• Brad Pitt – Moneyball
• Gary Oldman – Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Ganará: Jean Dujardin

Debería ganar: Brad Pitt

Debieron estar nominados: Michael Shannon por Take Shelter, Michael Fassbender por Shame

 

Actriz

• Glenn Close – Albert Nobbs
• Rooney Mara – The Girl with the Dragon Tattoo
• Viola Davis – The Help
• Meryl Streep – The Iron Lady
• Michelle Williams – My Week with Marilyn

Ganará: Viola Davis

Debería ganar:  Michelle Williams

Debieron estar nominadas: Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin, Charlize Theron por Young Adult

 

Actor Secundario

• Kenneth Branagh – My Week with Marilyn
• Jonah Hill – Moneyball
• Nick Nolte – Warrior
• Christopher Plummer – Beginners
• Max von Sydow – Extremely Loud & Incredibly Close

Ganará: Christopher Plummer

Debería ganar: Christopher Plummer

Debieron estar nominados: Ben Kingsley por Hugo, Viggo Mortensen por A Dangerous Method, Alan Rickman por Harry Potter, Patton Oswalt por Young Adult

 

Actriz Secundaria

• Bérénice Bejo – The Artist
• Jessica Chastain – The Help
• Melissa McCarthy – Bridesmaids
• Janet McTeer – Albert Nobbs
• Octavia Spencer – The Help

Ganará: Octavia Spencer

Debería ganar: Jessica Chastain

Debió estar nominada: Jessica Chastain pero por Take Shelter

 

Guión Adaptado

• The Descendants – Alexander Payne, Nat Faxton, Jim Rash
• Hugo – John Logan
• The Ides of March – George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
• Moneyball – Aaron Sorkin, Steven Zaillian, Stan Chervin
• Tinker, Tailor, Soldier, Spy – Bridget O'Connor, Peter Straughn

Ganará: The Descendants

Debería ganar: Moneyball

 

Guión Original

• The Artist – Michel Hazanavicius
• Bridesmaids – Kristen Wiig, Annie Mumolo
• Margin Call – JC Chandor
• Midnight in Paris – Woody Allen
• A Separation – Asghar Farhadi

Ganará: Midnight in Paris

Debería ganar: A Separation

 

Dirección Artística

• The Artist – Laurence Bennett, Robert Gould
• Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 – Stuart Craig, Stephenie McMillan
• Hugo – Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo
• Midnight in Paris – Anne Seibel, Hélène Dubreuil
• War Horse – Rick Carter, Lee Sandales

Ganará: Hugo

Debería ganar: Hugo

 

Cinematografía

• The Artist – Guillaume Schiffman
• The Girl with the Dragon Tattoo – Jeff Cronenweth
• Hugo – Robert Richardson
• The Tree of Life – Emmanuel Lubezki
• War Horse – Janusz Kaminski

Ganará: The Tree of Life

Debería ganar: The Tree of Life

 

Diseño de Vestuario

• Anonymous – Lisy Christl
• The Artist – Mark Bridges
• Hugo – Sandy Powell
• Jane Eyre – Michael O'Connor
• W.E. – Arianne Phillips

Ganará: Hugo

Debería ganar: Hugo

 

Edición

• The Artist – Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius
• The Descendants – Kevin Tent
• The Girl with the Dragon Tattoo – Kirk Baxter, Angus Wall
• Hugo – Thelma Schoonmaker
• Moneyball – Christopher Tellefsen

Ganará: The Artist

Debería ganar: Hugo

 

Maquillaje

• Albert Nobbs – Martial Corneville, Lynn Johnston, Matthew W. Mungle
• Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 – F. Henriques, Gregory Funk, Yolanda Toussieng
• The Iron Lady – Mark Coulier, J. Roy Helland

Ganará: The Iron Lady

Debería ganar: The Iron Lady

 

Banda Sonora Original

• The Artist – Ludovic Bource
• The Adventures of Tintin – John Williams
• Hugo – Howard Shore
• Tinker, Tailor, Soldier, Spy – Alberto Iglesias
• War Horse – John Williams

Ganará: The Artist

Debería ganar: Hugo

Debieron estar nominados: Trent Reznor y Atticus Ross por The Girl with the Dragon Tattoo

 

Canción

• The Muppets – Man or a Muppet
• Rio – Real in Rio

Ganará: The Muppets

Debería ganar: The Muppets

Debió estar nominado: Star Spangled Man de Captain America

 

Edición de Sonido

• Drive – Lon Bender,Victor Ray Ennis
• The Girl with the Dragon Tattoo – Ren Klyce
• Hugo – Philip Stockton, Eugene Gearty
• Transformers: Dark of the Moon – Ethan Van der Ryn, Erik Aadahl
• War Horse – Richard Hymns, Gary Rydstrom

Mezcla de Sonido

• The Girl with the Dragon Tattoo – David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce, Bo Persson
• Hugo – Tom Fleischman, John Midgley
• Moneyball – Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco, Ed Novick
• Transformers: Dark of the Moon – Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush, Peter J. Devlin
• War Horse – Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson, Stuart Wilson

Ganará: Hugo gana ambas

Debería ganar: Hugo

 

Efectos Visuales

• Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 – Tim Burke, David Vickery, Greg Butler, John Richardson
• Hugo – Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman, Alex Henning
• Real Steel – Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor, Swen Gillberg
• Rise of the Planet of the Apes – Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White, Daniel Barrett
• Transformers: Dark of the Moon–- Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler, John Frazier

Ganará: Hugo

Debería ganar: Hugo

 

Película Animada

• Chico y Rita – Fernando Trueba, Javier Mariscal
• A Cat in Paris – Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli
• Kung Fu Panda 2 – Jennifer Yauh Nelson
• Puss in Boots – Chris Miller
• Rango – Gore Verbinski

Ganará: Rango

Debería ganar: Rango

 

Documental

• Hell and Back Again – Danfung Dennis, Mike Lerner
• If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front – Marshall Curry, Sam Cullman
• Paradise Lost 3: Purgatory – Charles Ferguson, Audrey Marrs
• Pina – Wim Wenders, Gian-Piero Ringel
• Undefeated – TJ Martin, Dan Lindsay, Richard Middlemas

Ganará: Hell and Back Again

Debería ganar: Pina

Debieron estar nominados: Nostalgia de la Luz, Senna, The Innkeepers

 

Película Extranjera

• Bullhead – Bélgica
• Footnote – Israel 
• In Darkness – Polonia
• Monsieur Lazhar – Canadá
• A Separation – Irán 

Ganará: A Separation

Debería ganar: A Separation

Debieron estar nominadas: Son tantas que no termino. Las reglas de esta categoría son tan arbitrarias, que deberían eliminarla y ya.

 

Nos vemos en Twitter para el comentario en vivo.

Hugo [Martin Scorsese, 2011]

“Exijo que una película exprese o la alegría de hacer cine, o la agonía de hacer cine”. -- François Truffaut.

Y Martin Scorsese logra, a sus casi 70 años, expresar ambas. O quizás más que la agonía de hacer cine, presenta la agonía de perderlo.

No empiezo con una cita de Truffaut arbitrariamente, no, lo hago por dos razones. Primero porque la frase parece hecha a la medida para describir a Hugo en sus dos mitades, aunque no en ese mismo orden. Segundo, porque Truffaut hizo la que muchos consideran la cinta definitiva sobre la pasión que puede despertar un medio como el cine, sobre sus creadores y su proceso de creación, se colocó entre dos espejos y dejó que el cine se reflejase en el propio cine con resultados que todavía hoy discutimos. Scorsese hace lo propio en una cinta que es una demostración extraordinaria de un artista en control absoluto de todas las herramientas y recursos  [viejos y nuevos] de los que puede hacer uso un creador para contar una historia sobre, qué más, el cine.

Ya la historia de Martin Scorsese es mítica. De niño, sus días transcurrían al mirar pasivamente desde una ventana cómo los demás jugaban, él sin poder unirse producto de su asma. En su soledad, su escape fue el cine. El cine fantástico de Alexander Korda, Cecil B. De Mille y la fábrica de sueños de Hollywood.  Y el cine es la fibra de Hugo, una historia que en resumen es, como la suya, la de la soledad de un niño salvado por el cine. Por el cine, y por la pasión de la creación, ya sea de historias, libros, artefactos, máquinas, todo lo hecho por alguien que deja una parte de sí en su creación.

Como hacía Scorsese, Hugo Cabret pasa todo el día mirando, admirando, y partiendo de esto, su película es ante todo un espectáculo visual deslumbrante. Scorsese es un director que nos tiene más que acostumbrados a momentos y composiciones visuales únicas, pero aquí es verdaderamente contagioso ver cómo un viejo maestro maneja una tecnología nueva con el sentido de asombro y descubrimiento de alguien que apenas comienza. Scorsese incorpora el 3D como una herramienta más para resaltar [y no para definir] la experiencia visual, adentrándonos en un mundo de maravillas y peligros, al punto que nos hace sentir que estamos siendo testigos [comenzando con el extravagante plano secuencia inicial] de la creación de un lenguaje nuevo. Scorsese ha demostrado una y otra vez que pocos como él dominan los aspectos técnicos del cine, el cine como espectáculo integral de placeres sensuales en películas como The Age of Innocence o la propia vilipendiada Gangs of New York, y aquí lo demuestra otra vez valiéndose de una herramienta nueva, demostrando a todos cómo se usa.

Estamos en un mundo que es enteramente una confección cinematográfica. Un mundo en el que, como el de Georges Méliès, la cámara todavía no se utiliza para documentarlo como es, sino como existe en una fantasía parte pop-up book, parte Dickens, parte Chaplin-Keaton-Lloyd. Scorsese se transforma en Méliès, ilusionista-inventor-mecánico-cineasta, al utilizar este medio nuevo como un vehículo para capturar la imaginación colectiva en forma de un espectáculo impresionante.

Es imposible no notar la obvia intertextualidad existente entre las historias de Georges Méliès-Hugo Cabret-Isabelle con la de Michael Powell-Martin Scorsese-Thelma Schoonmaker. Powell, director de películas como The Red Shoes y Black Narcissus, fue rescatado por Scorsese y su todavía hoy cómplice y editora de cabecera Thelma Schoonmaker. Powell y su obra se encontraban prácticamente olvidados hasta que Scorsese impulsó una extenso movimiento revisionista de ambos, invitando a su generación a descubrir las maravillas de un creador casi desconocido. Y en Hugo hace prácticamente lo mismo.

A primera vista, Scorsese parece haber tomado el patrón esquemático hecho en incontables ocasiones de los dos arquetípicos personajes heridos, dañados, que renuentemente irán descubriendo que se complementan, que deben sortear una serie de obstáculos para al final encontrarse y curarse uno a otro sus heridas, pero claro, eso es solo la superficie. Como explicó en su esencial documental A Personal Journey Through American Movies, un buen contrabandista temático como Sam Fuller, Douglas Sirk o Nicolas Ray [y ahora él] usa un texto repetido, básico, obvio, para esconder algo más profundo en el subtexto. Y vuelvo al principio, el caso de Scorsese es que el cine y los hombres que lo hacen deben atesorarse y cuidarse. El cine y el arte de hacerlo debe reverenciarse, protegerse, y este es un mensaje que debe llegar enfáticamente a quienes lo consumen. Ojalá todas las lecciones de historia fuesen así.

De Méliès a Scorsese la forma habrá cambiado, pero el fin es el mismo, conquistar nuestra imaginación y nuestros sueños con imágenes que se comparten en una sala oscura, rodeado de desconocidos, todos mirando atentos una pantalla que destella.

Hugo se estrena comercialmente este jueves en todos los cines de Santo Domingo.

 

Howard Shore – The Thief

Back

Ha pasado mucho tiempo, lo sé. Puede que se me haya olvidado escribir, así que paciencia en lo que me desoxido.
 
No voy a abundar sobre el por qué de la ausencia, pero la inspiración es así. Ahora que se apareció, aún fuere furtivamente, hay que aprovecharla.

Veamos qué sale…

Somewhere [Sofia Coppola, 2010]

 1. Recuerdo que luego de ver Marie Antoinette, le comentaba a alguien que la sensación que más asocio con el cine de Sofia Coppola es ese indescriptible estado de bienestar, casi de trance hipnótico-catatónico  que  alcanzas al quedarte dormitando con los audífonos puestos mientras escuchas una canción que te gusta. ¿Así o más claro?

 2. En Somewhere, Sofia Coppola muestra una vez más la burbuja del privilegio, el ennui visto desde la perspectiva de alguien que parece conocer por experiencia propia ese mundo. Coppola captura las contradicciones de las vidas pública y privada, y como una forma/distorsiona a la otra. Antes era Versalles, aquí es el mítico Chateau Marmont, otro lugar que también funge como refugio donde todos los placeres se cumplen, acorazado del mundo exterior.

 3. Coppola logra convertir momentos aparentemente carentes de relevancia en ventanas claras a la esencia de sus personajes. Más madura y segura de lo que está haciendo que nunca, admiro su determinación de permitir que momentos fluyan por el tiempo que deben fluir, y no sentirse obligada a  cumplir con patrones de ritmo a los que estamos acostumbrados. Dejar que una toma se extienda por 2 minutos en lugar de 30 segundos le permite jugar con algo valiosísimo que directores como Hou Hsiao-hsien conocen de sobra: el poder que otorga a la imagen  la acumulación de detalle y tiempo. El ejemplo mejor es la escena del patinaje.  Somos partícipes de cómo un padre que prácticamente no sabe nada de su propia hija logra conocerla en dos minutos. El efecto de esta y otras tomas [como en la que hacen el patrón de latex de la cabeza de Johnny para hacer una máscara] claramente es calmar nuestros sentidos, calmar ese impulso ya natural de buscar un significado específico a cada cosa que la narrativa tradicional ha impuesto en nosotros como espectadores.

4. En términos generales –y como bien lo resumen las tres imagenes leitmotif-escas que pongo arriba– las películas anteriores de Coppola han tratado de retratar el aburrimiento y la soledad en el contexto del privilegio económico y la alienación social, pero aquí hay algo fresco. Si en ocasiones anteriores el estancamiento de sus personajes era algo simbólico, aquí su protagonista se encuentra literalmente  dando vueltas sin rumbo, preso en una rutina de gratificación instantánea que, valga la redundancia, ya ni le gratifica. A Johnny Marco ya le aburre de la misma forma que dos strippers bailen sólo para él, que recibir un premio o asistir a una conferencia de prensa. La elocuencia visual de Coppola es tal, que en la tradición de autores a los que claramente emula como el mismo Hou Hsiao-hsien,  Antonioni, o los asiáticos de vanguardia como Apichatpong Weerasethakul, los códigos visuales y la creación de un mood lo son todo. Coppola ha coqueteado antes con la narrativa tradicional, pero aquí la abandona ya casi por completo y TRIUNFA.

 

Somewhere todavía se presenta en una de las salas Fine Arts de Novo-Centro.

Quiniela Oscarina

Volvemos a lo mismo de todos los años.

Ayer me decía alguien que los Oscar no tienen mérito alguno, y le dije lo mismo que he pensado siempre. Que hay que tomarlos como lo que son, no un reconocimiento a la excelencia, sino un espaldarazo a la imagen que una industria tiene de sí misma. Una autofelación de cuatro horas. Una excusa para que los philistines que ven el cine sólo como un forma de perder un par de horas se acerquen, discutan, vean con más atención.

Dicho eso, empecemos:
 

Película

• The King's Speech
• The Social Network
• Inception
• Black Swan
• True Grit
• The Fighter
• The Kids Are All Right
• Toy Story 3
• Winter's Bone
• 127 Hours

Con el sistema de votación preferencial, los votantes deben rankear las nominadas del 1 al 10 en orden de preferencia. Mi boleta se vería así:

1. The Social Network
2. Toy Story 3
3. True Grit
4. Black Swan
5. Inception
6. The Fighter
7. The King’s Speech
8. 127 Hours
9. The Kids Are Alright
10. Winter’s Bone

Ese mismo sistema de votación preferencial podría ser el causante de que The Social Network prevalezca sobre The King’s Speech, a pesar de que esta última tenga el DGA, el PGA, y el mayor número de nominaciones. Si al final quedan suficientes boletas con The Social Network marcadas en segundo lugar, es muy probable que termine dando la sorpresa.

Mientras tanto, The King’s Speech gana.

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: The Social Network.

Director

 

• Tom Hooper - The King's Speech
• David Fincher - The Social Network
• Darren Aronofsky - Black Swan
• David O. Russell - The Fighter
• Joel and Ethan Coen - True Grit

Ganará: David Fincher.

Yo votaría por: David Fincher.

 

Actor

 

• Colin Firth - The King's Speech
• Jesse Eisenberg - The Social Network
• James Franco - 127 Hours
• Jeff Bridges - True Grit
• Javier Bardem - Biutiful

Ganará: Colin Firth.

Yo votaría por:Colin Firth.

 

Actríz

• Natalie Portman - Black Swan
• Annette Bening - The Kids Are All Right
• Jennifer Lawrence - Winter's Bone
• Nicole Kidman - Rabbit Hole
• Michelle Williams - Blue Valentine

Ganará: Natalie Portman.

Yo votaría por: Michelle Williams. 

 

Actor Secundario

• Geoffrey Rush - The King's Speech
• Christian Bale - The Fighter
• Mark Ruffalo - The Kids Are All Right
• Jeremy Renner -  The Town
• John Hawkes - Winter's Bone

Ganará: Christian Bale.

Yo votaría por: John Hawkes.

 

Actríz Secundaria

• Melissa Leo - The Fighter
• Helena Bonham Carter - The King's Speech
• Hailee Steinfeld - True Grit
• Amy Adams - The Fighter
• Jacki Weaver - Animal Kingdom

Ganará: Melissa Leo.

Yo votaría por: Jacki Weaver.

 

Película Extranjera

 

• Incendies – Canada
• Biutiful – México
• Outside the Law – Argelia
• In a Better World – Dinamarca
• Kynodontas - Grecia

Ganará: In a Better World.

Yo votaría por: Kynodontas.

 

Película Animada

• Toy Story 3
• How to Train Your Dragon
• The Illusionist

Ganará: Toy Story 3.

Yo votaría por: Toy Story 3.

 

Guión Original

• David Seidler -  The King's Speech
• Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg - The Kids Are All Right
• Christopher Nolan - Inception
• Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson - The Fighter
• Mike Leigh - Another Year

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: Another Year.

 

Guión Adaptado

• Aaron Sorkin - The Social Network
• Joel and Ethan Coen - True Grit
• Simon Beaufoy, Danny Boyle - 127 Hours
• Debra Granik, Anne Rosselini - Winter's Bone
• Michael Arndt - Toy Story 3

Ganará: The Social Network.

Yo votaría por: The Social Network.

 

Documental

• Inside Job
• Exit Through the Gift Shop
• Gasland
• Restrepo
• Waste Land

Ganará: Exit Through the Gift Shop.

Yo votaría por: Exit Through the Gift Shop.

 

Dirección Artística

• The King's Speech
• Inception
• True Grit
• Alice in Wonderland
• Harry Potter

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: Inception.

 

Cinematografía

• Roger Deakins -True Grit
• Wally Pfister - Inception
• Danny Cohen - The King's Speech
• Matthew Libatique - Black Swan
• Jeff Cronenweth - The Social Network

Ganará: True Grit.

Yo votaría por: True Grit.

 

Diseño de Vestuario

• Alice in Wonderland - Colleen Atwood
• I Am Love - Antonella Cannarozzi
• The King’s Speech - Jenny Beavan
• The Tempest - Sandy Powell
• True Grit - Mary Zophres

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: I Am Love.

 

Edición

• Kirk Baxter Angus Wall - The Social Network
• Tariq Anwar - The King's Speech
• Pamela Martin - The Fighter
• Andrew Weisblum - Black Swan
• Jon Harris - 127 Hours

Ganará: The Social Network.

Yo votaría por: The Social Network.

 

Edición de Sonido

• Inception - Richard King
• Toy Story 3 - Tom Myers y Michael Silvers
• Tron: Legacy - Gwendolyn Yates Whittle y Addison Teague
• True Grit - Skip Lievsay y Craig Berkey
• Unstoppable - Mark P. Stoeckinger

Ganará: Inception

Yo votaría por: Inception.

 

Mezcla de Sonido

• Inception - Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo y Ed Novick
• The King’s Speech - Paul Hamblin, Martin Jensen y John Midgley
• Salt - Jeffrey J. Haboush, Greg P. Russell, Scott Millan y William Sarokin
• The Social Network - Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick y Mark Weingarten
• True Grit - Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff y Peter F. Kurland

Ganará: Inception

Yo votaría por: Inception.

 

Efectos Visuales

• Alice in Wonderland - David Schaub, Carey Villegas y Sean Phillips
• Harry Potter and the Deathly Hallows Part 1 - Tim Burke, John Richardson, Christian Manz y Nicolas Aithadi
• Hereafter - Michael Owens, Bryan Grill, Stephan Trojanski y Joe Farrell
• Inception - Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley y Peter Bebb
• Iron Man 2 - Janek Sirrs, Ben Snow, Ged Wright y Daniel Sudick

Ganará: Inception.

Yo votaría por: Inception.

 

Maquillaje

• Barney’s Version - Adrien Morot
• The Way Back - Edouard F. Henriques, Gregory Funk y Yolanda Toussieng
• The Wolfman - Rick Baker y Dave Elsey

Rick Baker va por su Oscar número 7 y lo ganará sin competencia.

Ganará: The Wolfman.

Yo votaría por: The Wolfman.

 

Banda Sonora Original

• How to Train Your Dragon - John Powell
• Inception - Hans Zimmer
• The King’s Speech - Alexandre Desplat
• 127 Hours - A.R. Rahman
• The Social Network - Trent Reznor and Atticus Ross

Intriguing Possibilities:

Ganará: The Social Network.

Yo votaría por: The Social Network.

 

La ceremonia comienza esta noche a las 8:oopm ET por ABC, 2:00am hora de España por Canal+.

Estaré en Twitter live-blogging. ¡Ahí nos vemos!

I’ll See You in My Dreams…

Yo: “Another Woman is the most underrated of all your films! Gena Rowlands is magnificent! I mean, the scene where she quotes the excerpt from Rilke’s The Panther? WOW.”

Él: “Really? No one got that picture back then. Hope you enjoyed the show! Thanks for coming! Bye!”

Fin.

Copie Conforme [Abbas Kiarostami, 2010]

Recuerdo que en mi primer año de universidad, una de las asignaturas electivas que tomé fue Apreciación Musical 101.

En una clase en la que la profesora hablaba de la ubicua Für Elise de Beethoven [quizás la pieza musical clásica más reconocida en todo el mundo], mencionó el ensayo de Walter Benjamin llamado “La Obra de Arte en la Era de Reproductibilidad Técnica.”

En pocas palabras, el argumento de Benjamin consiste en que una obra de arte original, por su condición de original y única, crea una distancia, una barrera entre objeto y espectador. Benjamin anota en su tesis que dicha barrera, ese aura de misticismo, se pierde una vez la obra es reproducida masivamente. Es como si la ubicuidad de Für Elise, ominipresente en ringtones de celulares o en ascensores cortesía de Richard Clayderman, le haya despojado de parte de su valor.

Todo esto viene al caso, porque Abbas Kiarostami, autor consagradísimo, punta de lanza del cine iraní de vanguardia, parece tomar ese argumento de Walter Benjamin y darle una vuelta de tuerca en esta magnífica película.

James Miller llega a una ciudad de la Toscana a presentar su última obra llamada Copie Conforme. Su teoría es diametralmente contraria a la de Benjamin: no hay razón para otorgar un valor mayor a una obra original por encima de sus reproducciones o copias. Una reproducción de La Noche Estrellada de Van Gogh es tan hermosa y valiosa como la original, es sólo nuestra percepción de que es una copia lo que determina el valor menor que le asignamos.

Percepción y no origen es lo que debería conferir valor a una obra, pues.

Kiarostami parte de esta idea para presentarnos a la que podría ser la copia de un pareja tratando de copiar [o revivir] el supuesto origen de la pareja copiada, Juliette Binoche recitando frases e ideas copiadas de su pasado o de otras personas, dejándonos en todo momento la incertidumbre de qué es real y qué no lo es. En fin, son un hombre y una mujer que no se conocen, o tal vez sí, que son una pareja, o tal vez no, que no se se han visto nunca ni tienen 15 años de romance, o tal vez sí. Supera eso, Inception.

Rodada enteramente con cámaras RED One, visualmente es posible que sea la película más ambiciosa de Kiarostami, pero es una riqueza visual orgánica, casi invisible, la marca de un maestro que ya ha encontrado su centro, especialmente luego de una larga etapa de experimentación con video digital. El primer tercio es todo reflejos en espejos y cristales, tomas a través de marcos y puertas. El segundo, cuando la conversación profundiza y el juego entre los personajes comienza, son planos y contraplanos en los que un personaje parece ser un reflejo del otro. Finalmente, cuando el grado de intimidad nos hace sentir casi como voyeurs, el close-up extremo nos da la impresión de que él y ella se dirigen directamente a la audiencia.

El propio Kiarostami ha repetido en varias ocasiones que la mejor manera de encontrar la verdad es mintiendo. Creo que no hay una máxima que defina mejor al cine, un medio que permite mostrar con vividez sin paralelo realidades y experiencias a través de métodos y herramientas puramente artificiales, falsas.

En lo artificial, en lo minuciosamente construído como Copie Conforme, hay verdades que invitan a ser decifradas, pero de todas, creo que la que más interesa a Kiarostami es la idea de que si al convivir por un largo tiempo con un objeto [en este caso, ¿un amor?], creyéndolo original y auténtico, al descubir que es una copia, ¿pierde su valor o adquiere una dimensión totalmente nueva? Sin original no hay copia, y sin copia no hay recuerdos ni vivencias. El objeto será falso, pero el recuerdo definitivamente no.

Io Sono L’amore [Luca Guadagnino, 2010]

El verdadero melodrama, el de autores como Max Ophüls y Douglas Sirk, se desenvuelve entre lo improbable y lo inverosímil. El sentimiento y la pasión preceden a la razón.

Io Sono L’amore es un melodrama puro, onírico, una película de placeres sensuales.

Cuando el neoralismo italiano alcanzaba sus postrimerías, un nuevo movimiento comenzaba a surgir, liderado en gran parte por los mismos autores que habían iniciado el anterior. Luchino Visconti, quien es ampliamente considerado el padre del neorealismo con su obra maestra Ossessione, fue uno de los iniciadores de este nuevo cine italiano. La realidad sin filtros, sin adornos del neoralismo daba paso a una realidad exaltada, las prioridades históricas e ideológicas no se abandonaban del todo, pero el fin ahora era predominantemente artístico, estético.

Luca Guadagnino se inspira en el Visconti de Senso, Rocco y sus Hermanos y Los Malditos, en su fascinación con el drama familiar, evocando memorias de decadencia y privilegio, y lo trae al presente en forma de una familia industrial del norte de Italia, una región donde familias old-money de este tipo son legendarias.

La cámara de Guadagnino flota con elegancia inusual entre la arquitectura de Milán [un franco homenaje a Antonioni, otro pionero] y  los colores y formas de la naturaleza, que junto a la partitura de John Adams, dotan a la película de una textura distintiva, de una belleza barroca que sobrecoge. Como en el cine de Sirk, personajes y ambiente son uno.

La exquisita Tilda Swinton interpreta a Emma Recchi, una Madame Bovary postmoderna. Está a punto de convertirse en la nueva matriarca, su esposo ha heredado el imperio familiar y sus hijos ya son independientes, por lo que sus obligaciones con la familia que la trajo de Rusia a vivir en una jaula de oro ya están casi saldadas.

El personaje de Emma Recchi [y Swinton] opera a lo largo del relato en dos niveles, primero como un objeto que se ha resignado a parecer, no a ser, y luego, como una fuerza de la naturaleza con un apetito voraz por los placeres que ésta ofrece. Presenciar esta transformación es absolutamente fascinante, y todo es gracias a Swinton, sin duda la intérprete de su generación.

Dicha transformación viene dada por dos factores, una confesión de su hija que despierta de alguna forma su curiosidad por lo que existe fuera de su status quo, y luego, una escena sacada de Ratatouille, en la que como Anton Ego, luego de probar un platillo, un torrente de emociones la convierten de figura de alabastro a mujer de fuego.

Guadagnino hace un interesante comentario sobre cómo el despertar de una mujer puede sacudir los cimientos de una institución como la familia Recchi de forma mucho más contundente que  el cambio de poder generacional.

Los mejores melodramas de Douglas Sirk como All That Heaven Allows estaban construidos milimétricamente. Cada emoción medida con precisión. El hecho de que confecciones tan artificiales, tan obviamente elaboradas hayan tenido y sigan teniendo un impacto emocional tal, es un testamento del poder del cine como forma artística.

Io Sono L’amore agrega a esta artificialidad su esteticismo barroco. Lo que se supone debería distanciarnos, nos absorbe.

Io Sono L’amore es un reverie, pero también es un despertar, el abrirse al placer y la aceptación hecho imágenes y sonidos.

“¡Ya no existes!”, exclama su esposo Tancredi a Emma al final. Los Recchi tampoco.

Magnífica.

 

The Chairman Dances [Foxtrot for Opera] – John Adams

It’s a Wonderful Life [Frank Capra, 1946]

Hay dos versiones de Estados Unidos. La real, y la que el país tiene de sí misma, esa de “Land of the free, home of the brave”.

Frank Capra fue y sigue siendo el que mejor supo retratar esa autoimagen, y en It’s a Wonderful Life alcanza su punto cumbre como observador, como comentarista social norteamericano.

Ignorada y olvidada tras su estreno en 1946, rescatada cuando quedó en el limbo del dominio público, convirtíendose en un símbolo de la Navidad gracias a las estaciones de televisión que la transmitían cada año sin falta, It’s a Wonderful Life 60 años más tarde se revela como una cápsula del tiempo, como una vision clarísima de una nación luego de dos turbulentas décadas.

Capra resume a su país en una idea sencilla que tiene dos caras: la forma en que el espíritu comunal puede unir a confrontar los peores problemas, y la forma en que la avaricia es una consecuencia necesaria del capitalismo. También sirve como metáfora de una idea mayor: una nación que paulatinamente toma su posición como el poder mundial que aún es, y sobre las dudas y miedos que un proceso como ése acarrea, apoyándose para ello en un enorme personaje llamado George Bailey.

En la presente y en todas sus películas, Capra estaba del lado de hombres como Bailey y de su filosofía [la decencia, el sentido de comunidad siempre prevalecerán al final], pero a la vez muestra una nueva arista de esta pensamiento: su fragilidad.

Si [como presenta en el extraordinario tercer cuarto de la película], removemos a un hombre como Bailey del escenario, ¿qué sucede? Caos total. Bedford Falls, la consumación del sueño americano, de la vida de pueblo ideal, se convierte en Pottersville, la antítesis total de ese sueño.

Siempre he creído que la perdurabilidad de It’s a Wonderful radica en que George Bailey es el espejo en el que los americanos se reflejan. Están convencidos de que son él o deberían ser como él, aunque muchos de ellos sean más como Mr. Potter. Bailey es definitivamente un mito americano, igual que el Cowboy.

Aunque se ha ganado la reputación de ser una película sentimental y manipuladora, intencionalmente o no, Capra imbuye cada momento sentimental con una oscuridad y un cinismo que nunca se vio en el resto de su carrera.

Me explico. En el universo de Capra eres un buen hombre no porque eres inherentemente bueno y generoso, no. Lo eres porque la única alternativa es la desgracia y la destrucción. Bedford Falls es su Shangri-la no porque sea un pueblo en el que todos cantan y rien agarrados de la mano, sino porque es un lugar en el que la colectividad es más importante que el individuo.

George Bailey, a pesar de no haber vivido la vida que planeó, a pesar de haber vivido literalmente de fracaso en fracaso, de sacrificar sus sueños para cumplir los de otros, entiende que es el hombre más rico del mundo no por todos los amigos que tiene, sino porque su existencia es absolutamente vital para la felicidad de la colectividad.

No será el gran explorador que pensó que sería, pero sí es un GRAN hombre.

Kynodontas [Yorgos Lanthimos, 2010]

Arrested Development.

Tomar aquella famosa máxima de que “Todas las familias tienen un secreto: no son como las demás familias”, y llevarla al paroxismo.

Convertir lo mundano y normal en perverso, raro, absurdo. Filtrarlo a través de la percepción distorsionada de sus personajes. Una percepción distorcionada que bien puede tomarse sin buscar subtextos, como una farsa, o como sugerente, como una gran alegoría de algo más profundo, Orwelliano.

Tomar tres personajes, retratarlos como tres experimentos pavlovianos que han crecido en un mundo de competencia constante y brutal, competencia hasta por la más ínfima recompensa emocional. Hacer que cada movimiento sea calculado, medido en un gran juego en el que la perfección y la aprobación del amo son la recompensa.

Crear un microcosmos en el que las reglas están clarísimamente establecidas, en el que la unidad familar está delineada no por el amor y los cuidados, sino por el control, control absoluto de cuerpo y voluntad desde la cuna.

Hacer que cuestionemos lo que consideramos mundano y normal, comenzando con la que se supone es la unidad más básica de la sociedad: la familia, mostrándola como un estado amurallado infranqueable.

Descomponer lo que al principio parece una moralidad naïf retorcida [aunque coherente], y mientras progresa el relato, mostrar cómo se desmorona con la entrada a ese microcosmos perfecto, aséptico, de factores ajenos al amo.

Sugerir, cual Mito de la Caverna, que la realidad fuera de ella es indescifrable y sin sentido, poner en duda su propia existencia.

Filmar una película de Michael Haneke sin ser Haneke, y usando algo que Haneke parece no saber existe: humor, un humor Buñueliano tán ácido que arde.

Demostrar que la educación y el adoctrinamiento lo son todo. Quitando la razón, somos animales salvajes.

Todo eso hace Yorgos Lanthimos en su extraordinaria Kynodontas, la mejor película del año 2010.

Fly me to the Moon - Frank Sinatra

Das Weisse Band [Michael Haneke, 2009]

Mi día más emocionante en La Croisette el año pasado fue definitivamente en el que vi Das Weisse Band.

Fue en el pase de prensa del mediodía, en el que todos parecen estar mucho más atentos [y despiertos] que en el de las 8:30am.

Al concluir, los que estábamos en la sala grande del Palais, le dimos una ovación de pie que ahora no recuerdo cuánto duró, pero lo que sí recuerdo es algo difícil de describir. Fue como una especie de conciencia colectiva que podía casi palparse, la realización de que acabábamos de ver no sólo a la que sería la ganadora de la Palma de Oro, sino de que lo que habíamos visto había sido algo especial, concluyente. Una sensación que con Haneke se repite mucho.

En su cine sucede algo curiosísimo. A pesar de tener la fama de retratar temas escabrosos [que lo hace], Haneke parece mucho más interesado en estudiar dos cosas: los momentos que ocurren antes de la consecución de un acto, y las consecuencias que dicho acto acarrea. Estas situaciones ubicadas en los extremos le atraen mucho más que el acto como tal.

En el cine de Haneke tampoco hay soluciones ni respuestas. Las rechaza de plano. Para Haneke, el cine actual, la narrativa inicio-nudo-desenlace, nos ha condicionado como audiencia a esperar y demandar resoluciones que simplemente no existen.

Su cine también se compone del deseo de ocultar cosas, de la cotidianidad del mal, pero sobre todo, de las relaciones de poder, y la presente es probablemente su más importante discurso sobre este tema, yéndose directo a la raíz, a encontrar el huevo de la serpiente.

Un acto de violencia es la consecuencia de otras mini-acciones, y la historia de Das Weisse Band es en parte sobre la interconexión entre estos eventos: un hombre se quita la vida porque ha perdido su trabajo, lo perdió por un acto de venganza de su hijo, la ira del hijo hacia el padre proviene por la muerte de su madre, pero ¿por qué murió la madre? La respuesta a esa pregunta no es tan importante, su objetivo más bien es ayudarnos a contextualizar el status quo de esta comunidad.

Haneke nos presenta una comunidad en la que el sistema de privilegios es el caldo de cultivo perfecto para desarrollar desde muy temprano un resentimiento, una rebeldía hacia la autoridad.

Nos adentramos en un pueblo en el que diferentes grupos o actitudes de la sociedad son representados por personajes individuales: los puritanos, los campesinos, el pastor, la institutriz, el discapacitado, el señor y señora feudal, madres, padres, intelectuales, pseudo-intelectuales retratados en exquisito blanco y negro, como sacados de un retrato de August Sander.

El escenario pastoral-costumbrista es perfecto para abundar sobre las contradicciones que tanto apasionan a Haneke: por un lado apacible, pero por otro lejano y gélido, un lugar en el que es fácil entregarse a la violencia [tras puertas cerradas, claro, nunca en público] en medio de un clima de supresión, servilismo, miedo y obediencia. La pasividad con la que todos los personajes ven que ocurren los actos más atroces, sólo sirve para que sigan incrementando en frecuencia y sadismo. Como hizo Clouzot en Le Corbeau, una obvia fuente de inspiración para Haneke, estos actos son una respuesta contundente de parte de un grupo que no se deja ver hacia las malas acciones de sus líderes.

Este mismo escenario da la sensación de que Haneke y su narrador [del que hay que decir no es 100% confiable] nos cuentan un relato mitad fábula, mitad historia perdida del Libro de Revelaciones, en el que no hay moraleja.

Esperen, sí la hay…el mal simplemente nace del mal, el libre albedrío y la redención no existen. Los abusados de ahora serán, como autómatas, los abusadores de mañana. La guerra aprendida a librar con el propio cuerpo y las emociones es la misma que se peleará en el campo de batalla dentro de muy poco.

Un doctor ilustrado [presumiblemente judío], un niño que toca la flauta [presumiblemente homosexual] y un niño discapacitado [presumiblemente el único inocente en toda la comunidad] son tres de las principales víctimas de una fuerza al principio invisible, pero que al final tiene, literalmente, caras y voces. Caras y voces que irán, entre muchos otros, tras los grupos representados por estos tres personajes.

A pesar de las comparaciones, por suerte Haneke no es ni Bergman ni Dreyer. Haneke responde el humanismo de esos dos con una misantropía que sobrecoge.

Haneke es de los que piensa que la letra con sangre entra. Los valores que se aprenden e interiorizan desde muy temprano son para siempre.

Pesimista, sí, pero ¿cierto?

BRB

Y “mañana” se convirtió en 8 meses…

Vuelvo, porque acabo de darme cuenta otra vez que escribir en este blog me da una satisfacción que me cuesta describir.

Lo prometido en el último post viene en cinco minutos. La mejor película del 2009 es……………….