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Estuve de viaje por unos cuantos días, y eso lamentablemente me mantuvo alejado del Blog.

Cuando estuve en Miami, traté de ver dos películas que estaba ansioso por ver, una Black Book, la que algunos llaman el "return to form" de un director tan amado/odiado como Paul Verhoeven, y la otra Grindhouse, el experimento de Tarantino y Robert Rodríguez que, a pesar de la excelente recepción que tuvo de parte de la crítica, resultó un fracaso en el box office.

Cuestiones de tiempo y el pensar que podía aprovechar el tiempo haciendo otra cosa en vez de estar tres hora en un cine me lo impidieron, pero el viernes regreso seguro con mi review de Spider-Man 3.

Hasta entonces!

The Last Temptation of Christ [Martin Scorsese, 1988]

Es una lástima que por la intolerancia y miopía de la todopoderosa iglesia católica y otros grupos conservadores, la mejor película de la vida de Cristo sea tan ignorada, poco vista y despreciada.

Los que me conocen saben que no soy para nada espiritual, y mi fé religiosa es casi nula [por no decir absolutamente nula], pero lo que Scorsese logra plasmar en esta película me conmueve como pocas cosas.

Tal vez el secreto esté en que por encima de retratar la vida de Cristo y exaltar su figura, esta película es más sobre uno de los sentimientos más básicos del hombre: La duda.

Es bastante irónico que la película haya sido y todavía sea tan atacada, cuando [al contrario de películas sádicas y crueles como la horripilante La Pasión de Cristo] es una de las obras más REAFIRMADORAS de fe que existen. Cristo fue tentado una vez más momentos antes de su muerte, y una vez más supo superar esa prueba.

Es poco probable que tengan la oportunidad de encontrarse con esta película en televisión en esta época de Semana "Santa", ya que esos espacios están reservados para la millonésima transmisión de Los 10 Mandamientos, pero si de casualidad se la encuentran por ahí, pongan de lado todos los prejuicios y comentarios negativos que puedan haber leído o escuchado sobre ella, y déjense perder en las imagenes creadas por el maestro Martin Scorsese.

"When Legend Becomes Fact, Print the Legend" - Deconstructing the Myth

El western no es precisamente mi género favorito, pero hay unas cuantas películas del oeste que puedo contar como mis favoritas - The Good, The Bad and The Ugly, The Wild Bunch, The Searchers y The Man Who Shot Liberty Valance.

Esas dos últimas tienen algo en común -ambas fueron dirigidas por el maestro indiscutido del género: John Ford.

John Ford y el oeste americano son sinónimo. Ford es el director norteamericano por excelencia, ningún otro realizador conocía y fotografiaba la sensibilidad estadounidense como él.

Explorador de los conflictos esenciales del ser humano: el amor por la tierra, la importancia de pertenecer a un grupo, el deseo de ser respetados y, más que todo, la dignidad y el sentido del deber. En esa última frase puede resumirse toda su obra.

El mismo Orson Welles lo consideraba el mejor director de cine que jamás haya existido. Lo definió como “…un creador de melodías que logran explicar nuestros conflictos mejor que cualquier otra forma de arte.”

El compañero de batallas de Ford fue una de las más grandes estrellas de la historia del cine, John Wayne. Juntos lograron crear un arquetipo mítico: El Cowboy. El auténtico héroe americano.

The Man Who Shot Liberty Valance [1962] resulta una marca curiosa en la filmografía de Ford.

Esta película fue su último Western, y como buena despedida, decidió que la misma fuera su statement definitivo del género. Para esto, tomó una decisión osada: Hacernos dudar, preguntarnos si todo lo que nos había mostrado a lo largo de toda su carrera era sólo una fantasía. ¿Es la imagen del cowboy un fraude?, ¿Qué es verdaderamente un héroe?, ¿De qué está hecha una leyenda?

La fórmula probada de los westerns de Ford era siempre la misma: hacer que sus personajes atravesaran una serie de vicisitudes hasta triunfar y convertirse en mitos. En este caso, decidió hacer lo contrario. Tomar al mito y deconstruirlo hasta llevarlo a su expresión más mínima - el americano común.

La historia se inicia con la llegada del senador Ransom Stoddard [James Stewart] y su esposa Hallie [Vera Miles] al pueblo donde se conocieron hace años para asistir al entierro de un viejo amigo. Stoddard adquirió tal notoriedad, que llegó a convertirse en senador por el hecho de haber sido el hombre que matara al infame pistolero llamado Liberty Valance [Lee Marvin]. Contada en forma de flashback, Stoddard narra a un grupo de periodistas cómo nació su leyenda.

El mise-en-scène de Ford es uno de los más distintivos. La forma en que colocaba a sus personajes en los vastos paisajes del oeste les daba una condición de gigantes. De amos y señores de esa tierra indomable.

Rompiendo con los convencionalismos que él mismo había ayudado a crear, tomó la drástica decisión de dejar esta práctica de lado. En Liberty Valance casi no hay escenas en locaciones naturales, y las situaciones están ambientadas en lugares cerrados, oscuros y grises. La visión idealizada del oeste ya no existe para el Ford maduro. En esta etapa ya no ve al hombre como el amo de la tierra, le ha dado paso paulatinamente a la modernidad y esos escenarios naturales pronto estarían perdidos por completo. La semilla de esta modernidad llegó al pueblo de Shinbone en forma de un ilustrado como Ransom Stoddard.

A su llegada, Stoddard se convierte en una víctima más de la barbarie de Liberty Valance. En lugar de ser cegado por una sed de venganza irracional, se propone que sea la ley y no la fuerza la que haga que Liberty Valance pague sus culpas. Este tema de “La razón en oposición a la fuerza” es el núcleo de la historia.

En toda la obra de Ford encontramos el tema recurrente de dos fuerzas opuestas que tratan de imponerse, pero que al final una de ellas termina cediendo. En este caso, Ransom Stoddard representa al “Nuevo Oeste”, el camino hacia una sociedad civilizada, ilustrada. Escoge a un grupo de personas del pueblo a quienes alfabetiza. Los instruye sobre la importancia del voto y de reclamar sus derechos.

Del lado opuesto, Tom Doniphon [John Wayne], representa la imagen desvirtuada de la imágen que había creado por años. Ya el cowboy no es un héroe impoluto, sino un hombre fracasado, pero cuyo sentido del deber y la lealtad es mayor que cualquier cosa. En la concepción de este personaje, Ford decidió romper más convencionalismos. En lugar de presentarnos a un John Wayne lleno de vitalidad y de presencia imponente, optó por presentar por última vez la icónica imagen del cowboy como un hombre viejo, cansado, bebedor, ultimadamente opacado por el hombre de ciudad.

Durante el desarrollo del filme observamos la elevación del personaje de Stoddard de ser un débil muchacho a un hombre decidido y de carácter, mientras Doniphon desciende hasta convertirse en una sombra de lo que una vez fue. Ford presenta la figura del cowboy en sus dos variaciones. Por un lado la violencia y corrupción de Liberty Valance, por otro la violencia, pero con principios, de Doniphon.

Un maestro visual como Ford no podía dejar de mostrar la dualidad “este/oeste” en uno de sus símbolos favoritos: las flores. Siempre las utilizó como la representación y para la honra de la mujer amada [Young Lincoln, 1939; She Wore a Yellow Ribbon, 1949], pero en este caso tienen el protagonismo adicional de presentarnos metafóricamente esta dualidad enfrentada.

La rosa del cactus es una flor rudimentariamente hermosa. Esta flor representa al oeste norteamericano que Ford tanto amó: un paraíso rústico, polvoriento, hecho a base de sangre, pero aún así, de una belleza incomparable, en el que incluso una delicada rosa podía sobrevivir. En una escena en particular, Stoddard, al observar que algo tan corriente pueda fascinar tanto a Hallie, le pregunta si acaso ella había visto alguna vez una rosa de verdad.

Luego de revolucionar la vida de Shinbone con sus actos, Stoddard se perfila como la figura política que cambiará el destino del pueblo. Más adelante, en la que es quizás la escena más memorable de toda la película, Ford nos presenta, en una especie de homenaje a Rashômon [Kurosawa,1950], que en ocasiones la percepción se impone y pesa más que la verdad.

A fin de cuentas, como muchas de las grandes obras de John Ford, The Man Who Shot Liberty Valance es una película sobre el sacrificio y la renuncia. A pesar de que sus cowboys eran hombres fuertes y decididos, lo que los convertía en verdaderos héroes era esa capacidad de renunciar y sacrificarse por el bien mayor. Doniphon renunció a su verdad, a su mujer y a su tierra, pero ¿valió la pena? En las líneas finales de la película, Hallie dice a Stoddard que debería sentirse orgulloso, porque gracias a él, la tierra otrora salvaje es ahora un jardín, pero ¿quién se atrevería a comparar al mundo convulsionado en el que vivimos hoy día con un jardín?

The Man Who Shot Liberty Valance es el poema de amor de John Ford al oeste, la tierra que lo consagró. Su paraíso de polvo hecho a base de sangre y sudor.

Esta película constituye no sólo su réquiem al género que lo importalizó, es una despedida de un modo de vida que ya no existe.

Día de Estreno

Otra vez día de estreno, en singular, porque lamentablemente sólo se estrena una sola película por segunda vez en este mes. ¿Hasta cuándo?

No le tengo mucha fe a ninguna película animada a menos que sea de Pixar, así que mis expectativas de Meet The Robinsons no son muchas.

Sí se que John Lassenter [la cabeza creativa de Pixar y director de las dos Toy Story, A Bug's Life y la fallida Cars] luego de que Disney adquiriera Pixar, tomó el control de esta película que estaba en ese momento a medio hacer, y realizó un sinúmero de cambios, que espero que fueran para acercarla más a una Toy Story que a una Chicken Little, que al parecer era a donde iba dirigida.

Aparte de eso, lo único que me llama la atención de esta película es que el score es autoría de mi compositor favorito, Danny Elfman, y a juzgar por el look de la película y los samples que he oído, al parecer le dio un sonido como de Pee Wee's Big Adventure meets Beetlejuice, dos de sus mejores colaboraciones con Tim Burton.

Aquí está el trailer:

Mejor ahórrense esos chelitos y vayan y alquilen la película más injustamente criticada e ignorada del año pasado, la excelente The Good Shepherd, dirigida por Robert De Niro, y con actuaciones excelentes de Matt Damon, Angelina Jolie y Tammy Blanchard [la mejor actuación de la película] y apariciones breves pero sustanciales del mismo De Niro, William Hurt, John Turturro y hasta el desaparecido Joe Pesci.

Las Mejores Películas de Ciencia Ficción

Me encanta hacer listas.

Como el personaje de John Cusack en High Fidelity, puedo hacer Top 10s de casi cualquier cosa.

También me encantan las películas de ciencia ficción, o Sci-Fi.

Esta lista surgió cuando alguién me preguntó si yo consideraba las películas de Steven Seagal como ciencia ficción por lo "fantasiosas" que son.

Después de la impresión por semejante pregunta, y al ver que ni yo mismo sabía realmente qué constituía una verdadera película de ciencia ficción, salí corriendo a Wikipedia a ver qué encontraba:

"Science Fiction is realistic speculation about possible future events, based solidly on adequate knowledge of the real world, past and present, and on a thorough understanding of the nature and significance of the scientific method."

También encontré estas condiciones para que una obra se considere de ciencia ficción:

• A setting in the future or on an alternative time line.
• A setting in outer space or involving aliens or unknown civilizations.
• The discovery or application of new scientific principles, such as time travel or psionics, or new technology, such as nanotechnology, faster-than-light-travel or robots.
• Political or social systems different from those of the known present or past.

Aunque películas como la saga de Star Wars o la de The Lord of the Rings contienen elementos que las podrían encajar dentro de este género, las considero más como Fantasia que ciencia ficción como tal.

Tomando en cuenta los parámetros anteriores, aquí están las considero las mejores películas de Sci-Fi.

 

10. Metropolis [1927]:

La vision del futuro de Fritz Lang se ha imitado tantas veces que es imposible que esta película se quede fuera de cualquier lista que se respete.

Los opresores usan a los oprimidos para enriquecerse. Con esta historia eterna de la lucha de las clases sociales de trasfondo, Lang crea un futuro donde la tecnología ha deshumanizado a los hombres al punto de llevarlos a vivir nuevamente a una era neo-feudal.

Al día de hoy, a 80 [!!] años de su estreno, Metropolis es todavía una de las películas visualmente más impresionantes de la historia del cine.

 

9. E.T. The Extraterrestrial [1982]:

Esta es una de las películas en las que el tan atacado sentimentalismo de Spielberg funciona a la perfección. Cada sonrisa o lágrima que deja esta película en el expectador está ganada a pulso. Una historia donde la llegada de un ser de otro mundo es solamente una excusa para explorar la importancia de la familia y los amigos.

 

8. The Day the Earth Stood Still [1951]:

A todo lo largo de los años 50 y 60, directores iconoclastas como Douglas Sirk o Nicholas Ray utilizaban [para confundir a la censura] historias sencillas de la vida diaria de la familia típica norteamericana como fachada para esconder detrás historias de denuncia y crítica.

En el caso de The Day Earth Stood Still, estrenada en pleno apogeo de la era nuclear, Robert Wise nos muestra la llegada del extraterrestre Klaatu y su robot, que literalmente paralizan la tierra al inutilizar todos los objetos tecnológicos de la época: automóviles, aparatos eléctricos y hasta armas, para advertir a la humanidad que debe vivir en paz o desaparecer, ya que sus avances tecnológicos amenzan no solamente a la tierra, sino a otros planetas.

Esta excelentísima película tiene la distinción especial de ser una de las mayores influencias de directores como Steven Spielberg, James Cameron y George Lucas.

 

 

 

7. Invasion of the Body Snatchers [1956]:

Otra película de denuncia que aprovecha la fachada de ciencia ficción para hacer un political statement. En este caso, la llegada de la “amenaza comunista” a los Estados Unidos está representada a través de unos seres que se reproducen en "pods" [como el que se ve en la foto] y toman la forma humana exacta de los habitantes de un pacífico pueblo norteamericano, reemplazándolos poco a poco.

Vista como una analogía de que los comunistas eran los impostores que habían llegado a Estados Unidos a robarles su identidad, esta película fue super controversial al ser estrenada durante la época de McCarthy y su “caza de brujas”. Posiblemente sea la mejor de todas las películas lanzadas durante la era de la llamada "Paranoia Comunista".

La vigencia del tema tratado en esta película le ha significado varios remakes, incluyendo uno que saldrá este año con Nicole Kidman y el nuevo James Bond, Daniel Craig.

 

6. The Thing [1982]:

Este excelente remake de John Carpenter de la película del 51 del maestro Howard Hawks, nos muestra a un grupo de cientificos en la Antártida que luchan contra un organismo extraterrestre que [igual que en Invasion of the Body Snatchers] toma la forma humana exacta de cada uno de ellos. Los problemas comienzan cuando llegan al punto de que nadie sabe quien es un ser real y quien es una “cosa.”

Esta es definitivamente una de las mejores “Creature Pictures” que se han hecho, capturando perfectamente el sentido de claustrofobia y amenaza constante.

Este es también uno de los contados casos en los que el remake supera a la original.

 

5. Dark City [1998]:

Una de las películas más underrated de los 90. Fue todo un fracaso cuando se estrenó y no fue hasta cuando se lanzó en video y gracias a gente como Roger Ebert que se convirtió en una película de culto.

En esta película, los seres de otra galaxia están muriendo. Para frenar esto, envían a la tierra a un grupo de su especie para crear una ciudad con seres humanos a los que utilizarán para experimentar con ellos y descubrir el secreto de qué nos hace realmente humanos. ¿Es la suma de nuestros recuerdos lo que nos convierte en lo que somos?

 

4. Dr. Strangelove/Fail-Safe [1964]:

Después de haber visto Fail-Safe hace poco, no puedo separarla de Dr. Strangelove en mi mente. Cada una representa una cara de la moneda, una es la respuesta a la otra, una es una de las películas más cómicas de la historia, y la otra es una de las más tensas y [por su realismo] más terroríficas. El hecho de que fueran estrenadas con meses de diferencia, e incluso por el mismo estudio, ha hecho que por años las comparaciones entre ambas sean inevitables. A Dr. Strangelove, el hecho de haber sido dirigida por Stanley Kubrick la ha dejado como la ganadora, mientras que Fail-Safe lamentablemente se menciona muy poco.

En una vemos de forma cómica y absurdista como la tensión y un posible enfrentamiento entre los norteamericanos y los rusos durante la Guerra fría saca lo peor de las personalidades de las personas en posiciones de poder, mientras que en la otra, vemos de la forma más fría y realista lo que pudo haber pasado si en su lucha de poder dicho enfrentamiento se hubiese dado.

Dos obras maestras para la historia.

 

3. Blade Runner [1982]:

De todas, esta tiene la deuda mayor con Metropolis.

En un futuro no muy distante, el hombre ha sido capaz de crear clones llamados Replicants, utilizados para servir en colonias fuera de la tierra. El objetivo de los Blade Runners es cazar y destruir a los Replicants que quedan dispersos, luego de estos ser declarados ilegales y una amenaza para los humanos.

En algo que parece común para las mejores películas de ciencia ficción, esta también fue un fracaso estrepitoso al momento de su estreno, y casi destruye las carreras de todos los que estaban envueltos en ella, incluyendo a su director Ridley Scott y a la estrella principal, Harrison Ford.

Visualmente impresionante, y temáticamente una de las películas más profundas sobre la exploración de la condición humana.

2. Brazil [1985]:

En un futuro no muy lejano, el deseo del gobierno por controlarlo todo, crea una sociedad totalitaria donde la burocracia no permite a nadie hacer nada sin primero haber pasado por una cadena interminable de aprobaciones.

Un día el sistema falla, y uno de sus servidores más fieles se convierte en su víctima.

Se pueden dar infinidad de lecturas a una película como esta, pero siempre me ha gustado verla como un grito a salir de la cotidianidad y formalidad de la sociedad como sea necesario, aún sea soñando todo el tiempo como Sam Lowry.

 

 

1. 2001: A Space Odyssey [1968]:

Cualquier cosa que pueda decir de esta obra suprema es poco.

Es de las pocas películas que considero tan logradas, tan perfectas, que trascienden el género, trascienden al cine y se colocan como una de las obras de arte más grandes jamás creadas junto con cosas como La Mona Lisa o La Noche Estrellada.

El hombre ha sabido hallar a través del tiempo las herramientas que lo catapultan a otra etapa de conocimiento y avance, pero después de eso, ¿qué queda? ¿Se puede llegar a un punto donde nuestra capacidad de entendimiento llega a su tope y no queda otra cosa que volver atrás y ser niños de nuevo?

Otras dignas de mencionarse [en orden alfabético]:

Alien [1979]/Aliens [1986]: Nunca me he podido decidir por cuál me gusta más. Una es más cerebral, el miedo está en lo desconocido y en lo que no se ve, mientras que la otra es más action-driven. Las dos son excelentes y deberían estar en esta lista, pero solamente se pueden 10 y alguien tiene que quedarse fuera.

Close Encounters of the Third Kind [1977]: Spielberg en su época "Risqué", donde no le importa tener a un protagonista que deja atrás a su familia. Él mismo ha dicho que en la actualidad no podría hacer una película con un final así.

La Jetée [1962] / 12 Monkeys [1995]: Increíble que en sólo 28 minutos y con imágenes estáticas se pueda crear algo tan compelling. Terry Gilliam se encargó de expandir esos 28 minutos y convertirlos en 12 Monkeys. Las dos son las mejores películas de "Time Traveling" que se han hecho.

Minority Report [2002]: Spielberg de nuevo. El final feliz endulzado no es el mejor, pero eso es ya de esperarse de él. También da un poco de trabajo últimamente ver cualquier cosa con Tom Cruise y creerselo después que decidió volverse loco, pero a pesar de eso esta es una de las mejores películas del nuevo siglo.

Solyaris [1979]/Solaris [2002]: Ambas versiones son excelentes. Aunque se le criticó mucho, Steven Soderbergh supo tomar lo que funcionaba de la original y condensarlo en una película mucho más corta y hasta posiblemente mejor que la original.

Terminator 2 [1991]: De las películas de Ciencia Ficción/Acción, es sin dudas la mejor. Como en todas las películas de James Cameron, hay problemas de guión, de diálogos, específicamente, pero a ¿quién le importa? Todavía a 16 años de su estreno, casi todos los action pieces de esta película, así como los efectos especiales, no tienen quien los supere.

Gattaca [1997]: Exquisitamente diseñada y fotografiada al punto de parecer una obra de Art Deco. Algunas de las composiciones parecen sacadas de un retrato de Tamara de Lempicka. Novedosa la idea de que el futuro sea una mezcla de diseños vintage, como si el hombre hubiese eligido lo mejor de cada época.

Rebecca [Alfred Hitchcock, 1940]

Después de Billy Wilder, puedo decir sin dudar que mi director favorito es Alfred Hitchcock.

Hace una semana vi la que considero su peor película, lo que me hizo pasar el día de hoy revisitando dos de sus mejores películas, Rear Window, y de la que voy a hablar a continuación: Rebecca.

El siguiente es un ensayo que escribí hace unos meses luego de haberla visto después de muchos años:

"No la considero una película de Hitchcock. Es una historia sin humor.”… “No es más que una simple novelette”...“Ha envejecido bastante bien, no entiendo por qué.”

Alfred Hitchcock comenta sobre Rebecca en una de sus entrevistas con François Truffaut.

David O. Selznick, uno de los personajes clave del Studio System de Hollywood, vio en Alfred Hitchcock la posibilidad de dar a sus producciones, las más populares del género Costume Drama, el estilo novedoso que notó en sus exitosos filmes hechos en el Reino Unido como The 39 Steps [1935] o The Lady Vanishes [1938]. Este estilo, del que Hitchcock se convirtió en alumno adelantado, lo aprendió durante su estadía en Alemania durante los años 20.

Aprendió de los técnicos expresionistas alemanes del cine que [como lo denominarían los franceses años más tarde] el mise-en-scène era esencial a la hora de contar una historia. Los movimientos de la cámara y la manera en que los actores eran colocados delante de ella, los sets y decorados eran tan o más importantes que la historia misma. La creación de una atmósfera era vital. Mientras los primeros técnicos norteamericanos preferían dar forma a la película en la sala de edición, los alemanes pensaban que esta construcción debía comenzar desde antes del mismo rodaje. Esta práctica de “pre-visualizar” antes de rodar, Hitchcock la utilizaría a lo largo de toda su carrera.

La relación entre Selznick y Hitchcock fue tormentosa pero muy productiva. El primer filme surgido de esta unión es una de las obras maestras indiscutidas del Maestro del Suspense: Rebecca.

Durante su estadía en Monte Carlo sirviendo como dama de compañía a una señora adinerada, Joan Fontaine se enamora y se casa con Laurence Olivier. Al regresar a Manderley, la vieja mansión de éste, descubre que la presencia de Rebecca, su ex-esposa muerta en un accidente, está todavía latente de una manera extraña en la vida de todos los que habitan allí.

La grandeza de esta obra está dada por dos factores: Primero porque, aún al ser vista sin tomar en cuenta la historia de quien la dirige, es simplemente un excelente ejercicio en suspense. Segundo, y quizás la razón por la cual es tan venerada entre los estudiosos de su autor, es que en la misma logró plasmar todos sus temas favoritos, a pesar de tratarse de una obra de encargo. Como el mismo Hitchcock contó a François Truffaut durante una de sus entrevistas, la consideraba una obra de Selznick y no suya.

La película está estructurada alrededor de tres personajes arquetípicos del universo Hitchcockiano: la figura materna tiránica, un hombre atormentado por su pasado, y una mujer atrapada en el medio de una situación que no comprende y sobre la que no tiene control. Unidos a estos tres, están otros dos personajes con una presencia tan fuerte o mayor: Rebecca y Manderley. Por un lado, la importancia de Rebecca en la historia se observa en el simple hecho de que es el único personaje a quien siempre se menciona por su nombre. El nombre del personaje de Joan Fontaine nunca es mencionado ni en la novela original de Daphne Du Maurier ni en la película, Laurence Olivier es simplement e Mr. De Winter, mientras que Judith Anderson es sólo Mrs. Danvers. Tan importante es Manderley, que la película inicia y termina con memorables imágenes suyas.

Como es común en el canon de Hitchcock, sus personajes están controlados por sus obsesiones: De Winter y Mrs. Danvers por el fantasma de Rebecca y la nueva Mrs. De Winter por querer emularla. También utilizó su recurso de dividir los personajes en dos bandos: los que persiguen [Rebecca, Mrs. Danvers] y las presas perseguidas [Mr. y Mrs. De Winter].

Las frustraciones y la represión sexual [tema recurrente y presente en casi toda su filmografía] tienen una presencia tan fuerte en el filme, que resulta verdaderamente insólito que Hitchcock pudiera salirse con la suya frente a los censores de la época. Esta represión tan fuerte hace que los caracteres concentren toda esa frustración en un personaje que ya no existe y al que están tratando de materializar con sus actos. El ama de llaves Mrs. Danvers nunca pudo satisfacer su [para la época escandaloso] deseo sexual lésbico por Rebecca, Maxim De Winter es incapaz de hacer a ninguna mujer feliz, porque su pasado con Rebecca nunca le permitirá volver a confiar en nadie, y la nueva Mrs. De Winter siente un gran complejo por ser menos atractiva y refinada que Rebecca. La confusión de identidades, otro de los temas emblema de Hitchcock, está también presente en la nueva Mrs. De Winter, quien llega al punto de creer que el fantasma de Rebecca la está poseyendo.

Es increíble que un personaje al que nunca vemos en pantalla tenga una presencia tan fuerte a lo largo de toda la trama. Responsable en parte de esto es la impresionante labor fotográfica ganadora del Oscar, obra de George Barnes [con quien Hitchcock trabajaría nuevamente en Spellbound [1945], otra producción de Selznick], sugiriendo en cada plano que en realidad existe una presencia en Manderley.

Pero, ¿cuál es el rol de Manderley -una casa- en esta historia?

Manderley no es más que una extensión de Rebecca. Aunque su predilección era rodar en interiores para tener un control absoluto de todos los elementos, las locaciones siempre tuvieron un lugar importante en las historias de Hitchcock, convirtiéndolas en personajes centrales: el motel Bates de Psycho [1960], el campanario del convento de Vertigo [1958], Mount Rushmore en North by Northwest [1959] o el Albert Music Hall en The Man Who Knew Too Much [1956]. Manderley representa todo lo que ella era: la opulencia, la clase, el refinamiento, los sueños de Maxim de Winter hechos realidad, pero al mismo tiempo la frialdad, la omnipresencia desde su habitación con vista al mar.

En la escena final, una de las más memorables en toda la historia del cine, luego que descubrimos quién era en realidad Rebecca, la imagen idealizada de ésta queda hecha cenizas al igual que Manderley. La desaparición tanto de Rebecca como de Manderley suponen una especie de exorcismo o redención para los personajes, pero ¿experimentarán una verdadera redención, cambiarán para ser mejores?, ¿Darán un verdadero cierre a ese capítulo de sus vidas? Esta es una pregunta que Hitchcock muy pocas veces respondía y prefería dejarla a opción del espectador. Otro ejemplo de esto es coincidencialmente otra de las colaboraciones de Hitchcock con Joan Fontaine, Suspicion [1941].

Mr. Hitchcock es uno de los grandes del cine porque como pocos supo hallar el balance entre el entretenimiento y el arte. Sus películas son espectáculos que satisfacen los sentidos y, al mismo tiempo, su carga temática nos deja pensando y descubriendo nuevos detalles cada vez que visitamos nuevamente cualquiera de ellas. No era muy dado a trabajar con actores. Como dijo la misma Joan Fontaine, Hitchcock mantenía una actitud de control y mando en sus sets. Exigía lealtad incondicional, pero sólo hacia él.

Rebecca fue su única obra en ganar el Oscar a Mejor Película. Nunca ganó un Oscar competitivo. Tampoco le hizo falta. No fue sino hasta 1968 que recibió el premio Irving G. Thalberg por toda su trayectoria. Su discurso fue el más corto de la historia de los premios de la Academia: “Gracias.”

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Día de Estreno[s]

Sí, de nuevo es jueves, lo que significa día de estrenos. O estreno, en singular.

La prueba de que esto se jodió en términos de distribución de cine en este país es que hoy sólo se estrene UNA [1] película y que esa película sea esto:

En vez de botar sus cuartos viendo la colección de basura que hay ahora en los cines [a menos que se topen por ahí con Children of Men todavía], háganse el favor y diríjanse a cualquier club de video y alquilen Marie Antoinette, o Casino Royale, The Illusionist, The Prestige o The Departed, pero por favor, NO Babel porque...

Sacando Clavos

Hay ciertas películas malas que cuando por casualidad me las encuentro en la televisión, [y no tengo explicación del por qué] las termino viendo, solamente para terminar diciéndome - Yeah, it still sucks.

Hoy precisamente me encontré con una de ellas. Uno de de los fracasos [creativamente hablando, comercialmente fue un éxito] más estrepitosos que he visto en mi vida: The Matrix Reloaded.

Todavía hoy, a casi 4 años de su estreno, no me explico en qué carajo estaban pensando los hermanos Wachowski cuando decidieron tomar la interesante premisa que quedó establecida en la primera y destruirla de esa forma. Ver como la historia se hacía cada vez más ridícula y pretenciosa, como los efectos especiales se hacían más falsos era [como dicen los gringos] like watching a train wreck in slow motion. No se me olvida en particular la escena con “El Arquitecto”, que al sol de hoy es uno de los disparates de pseudo-filosofía barata más grandes que he visto en mi vida.

Luego me enteré que durante la filmación uno de ellos se estaba haciendo una operación de cambio de sexo, así que posiblemente estaba muy ocupado con ese “asunto” para realmente dedicarse a dirigir la película.

Aprovecho el tema para tomar la oportunidad de publicar aquí uno de los primeros reviews en serio que escribí. Recuerdo que esto lo escribí inmediatamente regresé del cine y todavía hoy pienso exactamente lo mismo:

Being a fairly big fan of the first film and a science fiction fan too, I dare to say this movie betrayed most of the common concepts of good sci-fi: If you have a good mythos, build on it. Don't try to jiggle it or change it. Don't even think about reworking core concepts, because you'll find making it work with the groundwork you've already laid out to be more than difficult...it's basically impossible.

Some consider franchises like The Matrix the heirs of the Star Wars legacy, but, unfortunately, Reloaded borrows a few too many [bad] pages from the Star Wars playbook. Among them we have the deliberate passages of insufferable [albeit sometimes enjoyable] dialogue which, in the case of The Matrix, not Star Wars, attempt to make the audience confuse obscurity for philosophical depth, and overlong CGI action sequences which serve the same narrative purpose as the Pod Race in The Phantom Menace: none at all.

The main difference is that the Star Wars series requires you to turn off your brain, whereas Reloaded can't decide if it wants it on or off.

Acting on the whole is wooden [not to be confused with subtle]; most of the new performers give uninspired performanc es to uninspired characters.

The fight sequences feel uninspired as well, and I'm amused by some of the attempts to justify their placement in the film. The highway sequence, while for the most part is a marvel to behold, does not fit. The nearest phone is on the freeway? Please.

The Matrix Reloaded is a different kin d of film. I think the Wachowskis wanted to expand and deal with deeper themes, but the execution here is dry, whereas the first one exuded with inventiveness. It's definitely more Back to the Future Part II than The Empire Strikes Back, as far as middle acts in famous trilogies go.

Where other summer blockbusters play it safe, the Wachowski Brothers show they're not afraid to take some risks [as seen in the outstanding Bound], I’ll give them that much credit, but in the process, a lot of the juice that made the first movie an iconic moment in pop-culture gets lost.

I didn't have very high hopes for this sequel due to the pre-release rumors about it expanding on the philosophical concepts, which were rather elementary to begin with, though that didn't stop them from overanalyzing and overexplaining everything to the ADD-suffering generation. I at least expected to be entertained by the visuals and painstakingly choreographed fights, but even that bored me.

The Matrix Reloaded drags, runs about 20-30 minutes longer than it should have, lacks any through action, has a plot that greatly destroys key concepts of the first film, and manages to end in a third movie setup with absolutely no emotional investment in any character.

Skip it.

Lo Mejor del 2006

Este es un Top 10 un poco atrasado, pero había algunas películas [Letters from Iwo Jima, Notes on a Scandal, Curse of the Golden Flower] que quería ver antes de hacer una lista definitiva. [Actualizada el 10 de Agosto, 2007 con INLAND EMPIRE]:

10. A Prairie Home Companion

No creo que Robert Altman presintiera su muerte al momento de hacer esta película, pero esta es una de las despedidas más hermosas que he visto en mi vida. Despedida de los amigos, de las cosas que disfrutamos, de la vida.

9. Little Children

Un tema en común en dos películas presentes en la lista: preguntarnos en qué momento dejamos de ser niños y nos convertimos en adultos. Kate Winslet da la major actuación de su carrera en esta interesantísima película sobre las relaciones humanas, la madurez y el conformismo Esa narración nos da la ilusión de estar viendo un especial de Discovery Channel. La especie bajo estudio: El Ser Humano.

8. Casino Royale

La película funciona, y funciona tan bien por una razón: Daniel Craig. No solamente Daniel Craig es el mejor Bond, sino que Casino Royale es la mejor película de toda la serie. El balance perfecto de acción impresionantemente dirigida y character development hacen de esta película el blueprint que la serie debe seguir en el futuro y punto de referencia para todas las películas de acción de ahora en adelante.

7. Volver

Nuevamente se demuestra que nadie conoce a la mujer mejor que Almodóvar. Cómo piensa, cómo se relacionan unas con otras. Nadie escribe mejores papeles para mujeres que él. Penélope Cruz es a force of nature en esta película. La escena donde canta la canción que le da nombre a la película debió haberle dado el Oscar.

6. L’Enfant

¿Exáctamente en qué momento dejamos de ser niños para convertirnos en adultos? No creo que dar la respuesta definitiva a esa pregunta fuera lo que perseguían los hermanos Dardenne, pero personalmente, la escena final de esta película me lo dejó bien claro.

5. The Proposition

El espíritu de Sam Peckinpah y el oeste american viven, y en esta magnífica película sobre venganza y cuentas pendientes con la vida es la prueba.

4. INLAND EMPIRE

El tema - Una mujer en peligro. Esta nueva aventura de David Lynch impacta y fascina. Esto no es cine complaciente o de escape. Esto es para pensar, digerir despacio y ver más de una vez.

3. Marie Antoinette

Sofia Coppola demuestra nuevamente su talento en esta hermosa película Barrylyndonesca. En lugar de hacer lo que todo el mundo pensaba, la típica biopic aburrida, episódica, en su lugar decidió recrear a su manera el mundo de excesos y desenfreno en el que vivió la Reina Adolescente y su corte. La inspiración de Terrence Malick, uno de los directores favoritos de Sofia, es evidente y eleva a la película por momentos a pura poesía visual. Excepcionales elementos de producción, como la fotografía y los vestuarios. Esta es otra a la que el tiempo le dará el lugar que merece.

2. The Departed

Para sorpresa de nadie, el maestro Martin Scorsese hace otra película excelente, esta vez con un reparto de lujo y un guión repleto de dialogos brillantes y situaciones que nos ponen al borde del asiento. Quién dijo que la mejor película del año tenía que estar llena de escenas melodramáticas y pretenciosas profundas y con mensajes vacios “importantes”, como Babel, la película más overrated del año [overrated por los expertos del patio, porque afortunadamente los críticos americanos knew better]. The Departed se une a dos obras maestras como The French Connection y The Silence of the Lambs como una "genre picture" ganadora del Oscar, y estoy seguro que los que ahora se quejan porque una película de "policías y ladrones" haya vencido a otra con "temas vigentes y globales", el tiempo -que es sin duda el mejor crítico que existe- les hará entender.

Finalmente, la mejor película del 2006 es....

1. Children of Men

La distopía futurista que Alfonso Cuarón plasma en esta película impresiona y asusta. Una historia sencilla, el mundo en caos, ya no se puede concebir, la persona más jóven del mundo acaba de ser asesinada, la extención del hombre se acerca.

El aspecto más destacable de la película es sin dudas la labor cinematográfica de Emmanuel Lubezki, quien debió haber ganado el Oscar por su revolucionario trabajo. En 50 años todavía se estará hablando de ella.

Otras dignas de mencionar [en orden alfabético]:

Apocalypto, The Descent, The Good German, The Good Shepherd, Happy Feet, Jesus Camp, The Lives of Others, Notes on a Scandal, The Painted Veil y El Laberinto del Fauno.