The Nightmare Before Christmas [Tim Burton, 1993]

La mente de Tim Burton debe ser un lugar fascinante - poblado de personajes y situaciones grotescas, pero a la vez de una inocencia casi infantil.

Haciendo uso de la centenaria técnica de stop-motion y combinándola con su estilo inspirado por las películas de terror de la Hammer, el expresionismo alemán de figuras alargadas ,y usando un poco de la narrativa del Dr. Seuss, Burton logra en The Nightmare Before Christmas la mejor representación en imágenes de su imaginación y sensibilidad artística.

La tecnología stop-motion viene usándose desde los inicios del cine, y es un arte que requiere no sólo de talento, sino de una gran paciencia.

A diferencia de la animación tradicional, donde todo es dibujado a mano o creado por una computadora, esta técnica implica crear desde cero elementos reales, desde el set más complicado hasta el personaje menos importante, e irlos moviendo cuadro por cuadro, para que cuando sean filmados se produzca el efecto de movimiento.

En el universo de esta película, cada día festivo tiene su propia ciudad, donde todos sus habitantes trabajan todo el año en los preparativos para celebrarlo.

Jack Skellington es el rey de Halloween Town, y como cada año, la conmemoración del día de Halloween representa su día más importante.

Halloween siempre se ha presentado como un día oscuro, pero en esta película se le muestra como el día más feliz del año. Halloween Town es un mundo lleno de alegría, donde todos los personajes disfrutan ser criaturas grotescas, y el hecho de asustar a alguien es una distinción. Como uno de los personajes dice “Life’s no fun without a good scare.”

Los problemas comienzan cuando Jack, cansado de la rutina de todos los años, se da cuenta que a las afueras de Halloween Town hay portales a otras ciudades, entre ellas Christmas Town.

Fascinado por ese mundo rojo y verde, cubierto de nieve y gobernado por un señor que cree se llama Sandy Claws, Jack decide llevar a Halloween Town la idea de romper con la rutina y celebrar la navidad.A pesar de querer robarse la navidad como El Grinch, las intenciones de Jack son buenas, pero la idea de combinar Halloween con la Navidad resulta un desastre.

Ambos mundos están repletos de personajes que, gracias al increíble trabajo de animación y voces, están llenos de personalidad y vida.

The Nightmare Before Christmas es un triunfo de la animación, pero la verdadera estrella de esta película es la música.

Danny Elfman, colaborador eterno de Burton, logra con su música dotar a este universo de una vitalidad sin igual. Con letras llenas de un humor deliciosamente macabro, los personajes igual cantan sobre el proceso de crear la Navidad o de secuestrar a Santa Claus. Además de componer la música y letras de todas las canciones, Eflman también es la voz de Jack.

Al momento de su estreno fue sólo un exito modesto para Disney, pero con el paso del tiempo se ha convertido en una verdadera película de culto gracias a la cultura goth y las tiendas Hot Topic, que tal vez sin proponérselo, han desvirtuado el mensaje cínico de Burton, y se la han tomado más en serio de la cuenta, convertido a Jack y Sally en representaciones de su status de "diferentes" y "rechazados por la sociedad." Allá ellos.

The Nightmare Before Christmas es ya un clásico, y gracias a la iniciativa de Disney, llevarla a los cines ahora en su versión en 3D será una tradición de todos los años.

Celebrar Halloween en países como el nuestro me parece un disparate. Mi celebración se limitará a disfrutar nuevamente de esta joya.

Screening Log

Tenía un buen tiempo sin hacer esto.

Esto es parte de lo que he visto en los últimos meses:

• Premonition:

Pobre Sandra Bullock.

Cuando se propone serlo, puede ser una buena actriz [como se observó en Infamous] pero su problema es que se ha encasillado de tal forma en las comedias románticas, que no es muy convincente en otros géneros.

Tampoco ayuda cuando escoge proyectos como este - una premisa interesante que va volviéndose más y más absurda hasta llegar al final más ridículo del año.

• House of Games:

David Mamet es reconocido como uno de los mejores guionistas de Hollywood, y este es quizás su mejor trabajo.

Esta película fue el renacer de las historias de estafadores, donde nunca sabemos quién engaña a quién.

Una reconocida psiquiatra se acerca a un grupo de estafadores para conocer su modus operandi y estudiar su conducta. Lo que comienza como un experimento, la deja envuelta en un lío que no se esperaba.

A diferencia de Premonition, este es uno de los mejores finales que he visto, donde vemos la transformación total de un personaje como consecuencia de sus acciones.

Películas como Nueve Reinas le tienen una gran deuda.

• Shock Corridor:

Una de las mejores películas del maverick americano Sam Fuller.

Nunca encajó dentro del sistema ni quiso ser complaciente haciendo películas de estudio.

Para muchos fue el primer director verdaderamente independiente.

Como era su costumbre y en su estilo transgresor, utiliza la premisa de un periodísta ambicioso que se interna en un centro psiquiátrico para descubrir un asesinato, para hacer un paralelismo sumamente interesante entre un manicomio y los Estados Unidos durante Vietnam y la lucha de los derechos civiles.

Una película importante.

• Disturbia:

Supuestamente este era un "re-imagining" de la obra maestra de Hitchcock Rear Window, pero en realidad es un potboiler de sustos baratos para adolescentes, donde la historia de Hitchcock es sólo una sombrita que casi ni se ve.

Es entretenida, sí, pero ¿para qué perder el tiempo con copias mediocres cuando se puede ver la original?

• The Letter:

Nunca habrán estrellas como las del viejo Hollywood, y Bette Davis era la más grande de todas.

Me atrevería a decir que Bette Davis es la estrella femenina más importante de la historia del cine.

Esta es una de sus mejores películas, y su actuación en ella una de sus definitivas, dando vida a una mujer despechada, disfrazada de oveja cuando en realidad es una de las peores lobas.

Interpretando a Leslie Crosbie, la esposa del dueño de una plantación de caucho en Singapur, Davis asesina a su amante en lo que parece un crimen en defensa propia, pero se olvidó que ese mismo día le había enviado una carta, que de caer en las manos equivocadas, demostrará que el asesinato fue para deshacerse de un problema y no para defenderse.

Dirigida por William Willer, su amante en la vida real de muchos años [nunca pudieron casarse], The Letter es un ejemplo del cine perfecto creado bajo el régimen del studio system.

El final, donde Leslie paga sus culpas a la luz de la luna, es inolvidable.

• The Bride Wore Black:

Si Bette Davis es una de las actrices más importantes del cine norteamericano, Jeanne Moreau lo es del cine Europeo.

El parecido físico entre ambas es también muy grande, particularmente los mismos ojos grandes [que algunos comparaban a los de una iguana] y mirada melancólica.

Con más de 120 películas y habiendo trabajado con los grandes como Buñuel, Louis Malle y Truffaut, Jean Moreau es la primera dama del cine Europeo.

Esta película dirigida por Truffaut fue una de las principales fuentes de inspiración de Tarantino para hacer Kill Bill.

El día de su boda, al momento de salir de la iglesia, su nuevo esposo es asesinado accidentalmente por un grupo de hombres irresponsables. Ahora su misión en la vida es ir matándolos uno por uno.

Tarantino se copió hasta el detalle de tener en una libretita los nombres de sus víctimas para irlos tachando luego de aniquilarlos.

• Point Blank:

Al igual que la anterior, esta es una de las mejores películas de venganza.

Lee Marvin es posiblemente el actor americano más underrated. En esta película su personaje es la definición de frialdad cool y badass.

John Boorman decidió hacer un homenaje a las películas de gangster de la Warner Bros. y a la vez darle un toque de Jean Luc Godard y la nouvelle vague con su estilo de narración no lineal e interrumpida, lo que por momentos le da una sensación casi onírica.

Lee Marvin interpreta a Walker, el gangster de la vieja guardia enfrentado a una gran coporación anónima, que le traicionó y le despojó de su parte del botín de una operación que realizaron en la cárcel de Alcatraz.

En la búsqueda de recuperar tanto su honor como su dinero, Walker mata a distra y siniestra a todos los que le engañaron.

Brutal y adelantada a su época, Point Black es una de las obras maestras perdidas que están esperando ser redescubiertas por las nuevas generaciones.

• 1408:

A Hollywood le encanta adaptar las obras de Stephen King. Sus libros son tan populares con el gran público, que su adaptación al cine es casi siempre un éxito asegurado.

Los resultados son variados. Por cada Misery o The Shawshank Redemption hay una Dreamcatcher.

En el caso de 1408, no se en cuál de las dos categorías ponerla.

John Cusack es una especie de mythbuster, que se encarga de ir a sitios supuestamente embrujados y demostrar que lo paranormal no existe.

Para su nuevo libro, decide ir a un hotel en New York y pasar la noche en la habitación número 1408, en la que supuestamente nadie sobrevive más de 2 horas.

La película funciona en su cometido de crear tensión y asustar en algunos momentos, pero a fin de cuentas es una historia absurda que viola su lógica interna y que no llega a nada.

• Zodiac:

Larga, pero sumamente interesante.

Estructurada en tres partes y cubriendo más de 20 años [de ahí su larga duración], iniciamos viendo los primeros asesinatos del Zodiac Killer y la paranoia que tuvo lugar en todo el estado de California, luego el juego del gato y el ratón entre el asesino y la policía, y finalmente, la parte más interesante, observar la obsesión de Robert Graysmith [Jake Gyllenhaal] por descubrir la identidad del asesino.

Como dije ayer de Michael Clayton, Zodiac es un thriller que se cuece a fuego lento, los que la ven esperando emociones rápidas y sobresaltos van a salir decepcionados.

Como todas las películas de David Fincher, los aspectos visuales no tienen desperdicio. La escena donde el Zodiac Killer asesina a la pareja en el lago es una de las mejores del año.

Michael Clayton [Tony Gilroy, 2007]

Muchos consideran que los verdaderos enemigos de las naciones son las grandes corporaciones.

Emplean a miles de personas y dinamizan economías, pero su verdadera cara es otra menos agradable.

Muchas de ellas, en el nombre de proteger la inversión del stockholder y reducir costos, llegan a utilizar prácticas deshonestas, contaminar el ambiente, estafar y hasta financiar políticos corruptos.

Ejemplos hay de sobra - Enron, WorldCom, Parmalat, y, en un caso más cercano a nosotros, Baninter.

La mejor exploración que he visto de este mundo de las corporaciones es un documental llamado precisamente The Corporation, donde vemos la forma en que el apetito voraz de estos grandes conglomerados puede causar enormes daños.

En Michael Clayton conocemos a los protagonistas detrás de esa gran maquinaria operada por lobbyists y personajes inescrupulosos.

George Clooney es Michael Clayton, un abogado/lobbyist que se encarga de resolver problemas y realizar parte del trabajo menos honesto de una de las firmas de abogados más grandes del mundo. Como su trabajo es "limpiar" situaciones sucias, se refiere a sí mismo como un janitor y no como un abogado.

La firma para la que trabaja está defendiendo a U/North, una enorme corporación productora de pesticidas, en una demanda de class action interpuesta por más de 400 habitantes de una comunidad afectada por químicos dañinos utilizados en sus productos. Clayton es llamado para tomar control del asunto cuando uno de los principales socios de la firma y encargado del caso tiene un breakdown nervioso y decide ponerse del lado de los demandantes y hundir a U/North.

Del lado de U/North está Karen Crowder [en una excelente interpretación de Tilda Swinton], una abogada dispuesta a todo para defender la posición de U/North.

En los años 70 - en parte como producto de Vietnam y el escándalo de Nixon- el cine norteamericano vió el surgimiento de un nuevo subgénero dentro del thriller - el thriller político o de paranoia, donde conspiraciones gubernamentales y grandes corporaciones trataban de encubrir secretos o llevar a cabo planes macabros. Películas tan excelentes como The Parallax View, Marathon Man o Los Tres Días del Cóndor son de las mejores representantes de este subgénero.

George Clooney, una de las figuras de Hollywood más políticamente activas, es un declarado admirador de este subgénero,y en su papel de productor además de protagonista de Michael Clayton, quiso que esta película fuera una especie de homenaje/throwback a ese tipo de cine, un cine donde los artilugios son dejados de lado, y la historia y los diálogos sólidos son los verdaderos protagonistas.

Generalmente, este tipo de thriller que se toma su tiempo para establecer todos los personajes y contar su historia, a diferencia de aquellos apoyados en crear tensión constante o setpieces de acción, tiene un conclusión mucho más gratificante. La paciencia del espectador es puesta a prueba, pero al final se recompensa.

En Michael Clayton, todos los personajes tienen una característica en común: todos deben tomar decisiones morales, y acertadamente la película evita presentarlos como individuos en blanco y negro o definirlos como "buenos" o "malos." Cada quién hala por su lado y hace lo que cree correcto.

Esto es el mundo real, "Corporate America", y como sucede en el mundo real, son esas decisiones las que ponen la historia en movimiento - un hombre decide, luego de años de ayudar al enemigo, colocarse del lado de los desamparados, otro decide continuar el trabajo dejado por éste, y del otro lado, una mujer decide utilizar su inteligencia y capacidades para impedirlo.

Michael Clayton es una de las películas mejores escritas, actuadas y editadas del año.

La madurez presente en pantalla, tanto en narrativa como en puesta en escena nos sorprende al saber que esta es la primera película de su director Tony Gilroy, mejor conocido por ser el escritor de la saga de Jason Bourne.

Las tres actuaciones principales de George Clooney, Tom Wilkinson y especialmente la de Tilda Swinton, al igual que el guión, escrito también por el mismo Tony Gilroy, seguramente serán tomadas en cuenta para todos los premios entregados a fin de año.

Excelente.

¿Por qué?

No están viendo mal, es Rambo 4.

No se pierdan a Stallone dando lástima el próximo 25 de enero.

De La Muestra

Una excelente y otra una decepción.

Los países latinoamericanos compartimos más que el idioma y algunas costumbres, casi todos hemos sufrido terrible dictaduras.

En la tradición de otras películas latinoamericanas como Machuca [Chile] y Kamchatka [Argentina], El Año Que Mis Padres Se Fueron de Vacaciones examina la opresión militar sufrida por Brasil en el 1970, el mismo año del mundial México 70, vista a través de los ojos de un niño, cuyos padres socialistas están "de vacaciones" ocultándose de los cuerpos de represión.

Antes de retirarse, sus padres lo dejan con su abuelo en el barrio Bom Retiro,un pintoresco lugar donde habitan las comunidades judía e italiana de Sao Paulo. La súbita muerte del abuelo antes de su llegada deja al niño al cuidado de la comunidad judía, que se siente comprometida con él al verlo como una especie de Moisés abandonado en el Nilo.

Es a la vez un coming-of-age drama, un retrato de la pasión que siente toda una nación por el futbol y una denuncia de los horrores cometidos por las dictaduras, destruyendo familias y sueños.

Excelente película que se alzó con La Ciguapa de Oro, el premio máximo de la Muestra, así como el premio al mejor director y a la mejor musicalización. Dependiendo de su competencia, es posible que sea nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera.

La otra, Soñar No Cuesta Nada, a pesar de venir con grandes recomendaciones y con el hecho de ser la selección Colombiana para el Oscar, no pasa de ser un esfuerzo lowbrow, con actuaciones que van desde aceptables a muy malas, y situaciones sacadas de telenovela.

Basada en una historia real ocurrida en Colombia hace 4 años, sospecho que la licencia artística tomada por los creadores de la película para modificar esos hechos reales a su conveniencia fue bastante grande.

Un grupo de soldados del ejército colombiano se encuentran en medio de la selva con una guaca, barriles llenos de dinero en peso y dólares escondidos por la guerrilla producto de sus actividades de narcotráfico y secuestros.

Se reparten el dinero entre todos -no sin antes mostrarnos los obligatorios momentos en los que parece que serán descubiertos- y llegan a la ciudad a derrocharlo todo.

No sé que tan apegadas a la realidad sean las caracterizaciones de los soldados, pero todos parecen caricaturas exageradas y no personas reales. A pesar de esto, los momentos de humor funcionan y son lo más destacable.

El peor pecado de la película es su neutralidad complaciente. La película no toma ninguna posición respecto a los soldados y sus decisiones. Por momentos los presenta de forma negativa, luego quiere hacernos simpatizar con ellos, y salta entre las dos posiciones sin decidir cuál quiere tomar. El final endulzado a lo Shawshank Redemption me dejó rolling my eyes.

Lo bueno es que la Muestra crece y cada año asiste más público deseoso de un cine alternativo.

Las funciones siguen hasta el día de hoy, y precisamente hoy a las 9:15pm va una de las favoritas de la gente, la suiza Todo Un Invierno Sin Fuego.

Espero que en años venideros, con el prestigio que gana cada año y el apoyo del público, se puedan traer más películas de la categoría de El Año Que Mis Padres Se Fueron De Vacaciones y dejar de lado el relleno para llenar espacio y películas de hace 2 y 3 años.

A Mighty Heart [Michael Winterbottom, 2007]

Hay personalidades cuya vida fuera de la pantalla está tan documentada por los medios de comunicación, que a veces resulta imposible separar a la persona o la actriz de la celebridad.

El caso por excelencia es Angelina Jolie.

Su fama de mujer fatal, el ser parte del binomio “Brangelina” y sus cuestionables decisiones en los papeles que ha elegido últimamente, han puesto en duda su capacidad actoral, después de actuaciones tan destacables como en Gia o Girl, Interrupted, que le valió el Oscar.

En A Mighty Heart pone fin a esas dudas.

La película cuenta la historia real de la periodista francesa-cubana Mariane Pearl y su marido Daniel Pearl, periodista del Wall Street Journal. Ambos se trasladaron primero a Afganistán y luego a Karachi, Pakistán para cubrir las incidencias en esos países de lo que ocurrió luego del 11 de septiembre.

A modo casi de documental, vemos cómo Daniel fue secuestrado en el 2002 por un grupo extremista vinculado a Al Qaeda, y de la forma en que su esposa embarazada y un enorme grupo de personas usan todos los medios para salvarlo.

Los que conocen la historia sabrán que el final no es muy feliz. El video de la forma en que Daniel fue brutalmente decapitado se hizo tan famoso como cualquiera de los videos que Bin Laden [o el mismo Bush?] decide “lanzar” cada cierto tiempo.

Michael Winterbottom fue el director ideal para contar esta historia, basada en un libro escrito por la misma Mariane. Su estilo de filmar en video de alta definición y cámara en mano se presta para dar un sentido de inmediatez y urgencia a las imágenes. También es muy efectivo el uso del flashback para presentar situaciones antes del secuestro y de la vida feliz que llevaban Mariane y Daniel.

Todo el peso de la película recae sobre los hombros de Angelina Jolie, y su actuación es impecable.

Un ejemplo de instrospección, es una actuación calmada y controlada, que unida a un acento perfecto y el maquillaje, hacen que nos olvidemos por completo que estamos viendo a la mujer más famosa del mundo. Estamos frente a una actriz entregándose totalmente a un personaje, no un simple stunt de afearse y dejar que la peluca y el maquillaje hagan el trabajo.

La escena donde por fin tiene su catarsis y deja explotar todas sus emociones guardadas luego de más de 2 semanas de incertidumbre es uno de los momentos más conmovedores del año.

Si hay justicia, ese será su clip cuando sea anunciada como una de las nominadas al Oscar el año próximo.

Al igual que Paul Greengrass con United 93, aunque pudo aprovechar la oportunidad para hacerlo, Michael Winterbottom se abstiene de hacer juicios políticos, y sólo se limita a narrar los hechos, que según la propia Mariane Pearl, la película refleja tal como sucedieron.

Ya está disponible en DVD.

Ahora, para que vean la otra cara de la mujer más sexy del mundo, chequéense este comercial:

Más Grindhouse

Planet Terror es la primera mitad de Grindhouse, el experimento de Tarantino y Robert Rodríguez.

Como dije en mi review de Death Proof, la decisión de lanzar las dos películas por separado en DVD y fuera de Estados Unidos fue producto del enorme fracaso en la taquilla de Grindhouse y como un intento de los hermanos Weinstein de recuperar su inversión.

Para ver mi parecer sobre Death Proof, look here.

Robert Rodríguez no está a la altura de Tarantino como director. Es más conocido por su reputación de one man band - dirigiendo, escribiendo, produciendo, editando, componiendo la música y hasta cocinando y sirviendo la comida de todas sus películas- que por su talento como director.

Su debut fue con El Mariachi, película que se hizo famosa por costar $7,000 dólares. Las dos secuelas, Desperado y Once Upon a Time In Mexico evidencian lo que sucede cuando se dispone de muchos recursos, pero no de muchas buenas ideas. Nos pone a pensar si es cierto que la falta de dinero incentiva la creatividad.

En el 2005 sorprendió a todos con Sin City, muy buena película, pero en mi opinión un tanto sobrevalorada. Hay que apuntar que ahí tuvo el apoyo director de Frank Miller, creador de la novela gráfica en la que está basada, quién sirvió como co-director.

Su amistad y afinidad lo unió a Tarantino en este proyecto.

En Planet Terror, al igual que en Death Proof, la ejecución es más importante que la historia que se está contando.

Son 3 historias paralelas - Rose McGowan es Cherry Darling, una stripper que un día se harta de su trabajo y decide dejarlo; al otro lado de la ciudad, dos doctores llevan una vida lo suficientemente extraña para desayunarse a las 8 de la noche, y por otro lado, un grupo de militares rogue lidereados por Bruce Willis se reúnen con un científico que se dedica a coleccionar los testículos de sus enemigos. El objetivo de la reunión es comprarle una fórmula contra el virus que los convierte en zombies que adquirieron en su búsqueda para asesinar a Osama Bin Laden.

Sí. Bruce Willis mató a Bin Laden.

Si Death Proof era over the top, esta lo es más todavía.

En Planet Terror, a pesar de ser inferior a Death Proof, Robert Rodríguez crea una película más cercana a la experiencia grindhouse.

Uniendo una historia de zombies, conspiraciones militares y doctores psicópatas, Planet Terror es un ejercicio de excesos que divierte y hace reír en los momentos menos apropiados.

La sangre intencionalmente falsa chorrea por borbotones, y llega a un punto en el que vemos a Rose McGowan con una metralleta semiautomática en lugar de su pierna, y lo aceptamos y disfrutamos tanto como ella cuando usa su pierna para aniquilar zombies [incluyendo al mismo Tarantino, en un cameo como un militar medio loco que intenta violarla] o salir disparada como un cohete. El punchline es que Cherry Darling dejó su trabajo como stripper para ser una standup comedian, y ahora tiene una sola pierna.

Con colores desgastados, escenas perdidas y música barata en referencia y homenaje a todos los géneros “basura”, a diferencia de Tarantino, Robert Rodríguez se propuso hacer una película intencionalmente mala, y lo logra, por eso es tan divertida.

Viendo Grindhouse en conjunto, no puedo evitar recordar a Ed Wood, la oda de Tim Burton al “peor director de la historia del cine”, donde el ver la inocencia, la pasión y el esfuerzo de los creadores de este cine basura nos hace apreciar un poco más su intención y el resultado de su trabajo. Salvando distancias, claro.

A pesar del fracaso de este experimento, Grindhouse va a tener una larga vida. Ya es un instant classic que se estará viendo y discutiendo por muchos años.

Eso es lo bueno del cine, es uno de los únicos medios que dan segundas oportunidades. En 40 años aparecerá alguien criticando al público de hoy por haber ignorado este esfuerzo.

Blog de la Semana

Mis más sinceros agradecimientos a Edwin Reyes y a toda la gente de blogsdominicanos.com por distinguirme como el Blog de la Semana.

Gracias a alfonso por el heads up! Si no fuera por él, tal vez ni me doy por enterado.

El compromiso de mantener la calidad es mayor aún ahora.

Hairspray [Adam Shankman, 2007]

Hay ciertas películas que por su carga de entusiasmo y energía, logran darnos a la audiencia una especie de shot de alegría y nos dejan con una gran sonrisa al salir de la sala –Hairspray es una.

El camino de esta versión a la pantalla ha sido de casi 30 años.

Todo comenzó con la película original de 1988, escrita y dirigida por el autoprocalamado "Rey del Mal Gusto" John Waters, quien quiso capturar con su sentido del humor subversivo una época de la historia norteamericana cuando los blancos y los negros comenzaban a integrarse, y utilizaba un programa de televisión de baile como trasfondo de los cambios que comenzaban a darse en la sociedad.

En el 2002, Marc Shaiman, uno de los mejores compositores de Hollywood, junto a un equipo de letristas y otros compositores, llevaron a Baltimore y al universo de personajes de John Waters al Teatro Neil Simon de la calle 52 de Broadway.

El éxito del show ha sido tal que lleva ya más de 2,000 representaciones y ganó 8 premios Tony, incluyendo Mejor Musical.

Con el status de película de culto de la original, y el enorme éxito comercial de la adaptación a Broadway, era sólo cuestión de tiempo para que Hollywood decidiera llevar esta historia nuevamente a la pantalla.

Tuve la oportunidad de ver el show de Broadway recientemente, y puedo asegurar que el mayor acierto de la película es que su director Adam Shankman [Bringing Down the House, The Wedding Planner] supo traducir a la pantalla esa alegría y entusiasmo que mencionaba al principio.

Ambientada en 1962, la película inicia con Tracy Turnbland cantando una oda a su ciudad de Baltimore, que no es casualidad. La conexión y la relación amor-odio que tiene John Waters con su ciudad natal de Baltimore son tan fuertes, que los adaptadores del show decidieron que el primer número musical fuera una canción de amor a la ciudad que inspiró la película original.

El sueño de Tracy es cantar y bailar en el programa de Corny Collins junto a su ídolo Link, pero el problema es que su apariencia física pasada de peso y la oposición de su madre Edna se lo impiden. Un día, cuando una de las participantes del show debe tomar una “licencia especial de 9 meses”, se abre una vacante y Tracy audicionará para obtenerla. Con nuevos pasos de baile aprendidos de sus nuevos amigos negros, Tracy conquista a Corny Collins y consigue el puesto, convirtiéndose con su simpatía y talento en una sensación de la noche a la mañana.

Entre los obstáculos con los que Tracy se enfrentará están la jefa de programación de la estación, Velma Von Tussle [Michelle Pfieffer entrada en años, pero todavía muy bella] y su hija Amber, y su oposición a que los blancos y negros se unan, manteniendo el show de Corny Collins “blanco”, y relegando a los negros a su “Negro Day.”

El entusiasmo y alegría de vivir de Tracy es contangiante, convenciendo a su madre Edna [John Travolta] de salir de su cascarón y aceptarse y quererse como es, y lograr que esa integración interracial sea una realidad.

En la película original, era la musa de John Waters, el famoso travesti Divine, quien interpretaba a Edna Turnbland, y a partir de ahí se ha convertido en tradición que Edna sea interpretada por un hombre en drag. Fue ahí que John Travolta vio la oportunidad de que un reto como este reviviría su moribunda carrera. Los resultados no son del todo exitosos, y Travolta es precisamente el miembro más flojo del elenco, más aún después de tener como referencia a los excelentes Harvey Fierstein y Paul Vogt en el show de Broadway.

Todos los demás se desempeñan muy bien, siendo los más destacados los debutantes Nikki Blonsky y Elijah Kelly dando vida a Tracy y Seaweed, y el excelente reparto de secundarios como Queen Latifah, Michelle Pfieffer y Christopher Walken. El que se esperaba que fuera la verdadera revelación de la película, Zach Effron del fenómeno High School Musical, no pasa de aceptable, a pesar de los gritos de las niñas en la sala.

Lo único negativo que puedo decir de Hairspray es que, como suele suceder en estos casos, no llega siquiera cerca de superar al show de Broadway.

Por muy bien que estén en sus roles Nikki Blonsky y Queen Latifah, ninguna de ellas puede igualar a sus contrapartes en Broadway Shannon Durig y Marlene Love, por citar dos ejemplos. En Broadway, llegar a protagonizar un musical es alcanzar una cima para la que se necesita verdadero talento y años preparación. En Hollywood, con sólo ser una estrella y tener nombre es suficiente, como en el caso de Travolta.

Con su música contagiosa y colorido, Hairspray se siente como un throwback a los musicales clásicos en Technicolor de la MGM, y funciona tanto en entretener, como en llevar su mensaje, aún sea de manera light y sin muchas pretenciones, de aceptación y unión – los negros enseñan a los blancos a bailar y los blancos les ayudan a obtener sus derechos. Puede que esa simplicidad resulte hasta ofensiva para algunos, pero el que quiera una denuncia seria sobre cualquier tema, un musical de Broadway es el último de los lugares en los que debería buscar.

En resumen, Hairspray es una película para pasar un rato sumamente divertido.

Never Forget, Never Forgive...

POR FIN!

Los dos primeros trailers de la película más esperada del año - Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street.

 

 

Increíble!

Como todas las películas de Tim Burton, parece ser un feast para los sentidos. Esperen nominaciones al Oscar por un tubo, incluyendo Mejor Actor y Actiz para Johnny Depp y Helena Bonham Carter, y nominaciones para la fotografía, vestuario, ambientación, maquillaje, sonido y edición. Espero que no dejen fuera Burton, que hace tanto tiempo que la Academia le debe su reconocimiento.

Lo único que veo raro es que el trailer no deja claro que se trata de un musical y sólo escuchamos a Johnny Depp cantar un par de versos. Me imagino que para no arruinar el elemento sorpresa.

La película se estrena en Estados Unidos el 25 de Diciembre, y en enero en el resto del mundo.

            

9na Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo

Anoche fue la inauguración de la 9na Muestra de Cine de Santo Domingo, que este año tiene a Chile como país invitado.

Tuve la oportunidad de ver la película de apertura, El Rey de Los Huevones, que aunque no entiendo cómo se escoge una película como esa para abrir un festival de cine, es una comedia divertida y muy bien hecha.

Un muy buen ejemplo del cine que se está haciendo en Latinoamérica, y que bien puede ser un modelo a seguir para el cine dominicano que tanta ayuda necesita.

Esta noche van dos películas que vienen muy bien recomendadas, y ambas son las pre-candidatas al Oscar para Mejor Película Extranjera de sus respectivos países:

• Soñar No Cuesta Nada [Colombia] – 9:15pm

La descripción de Wikipedia dice que la película narra la historia de Porras, Venegas, Lloreda y Perlaza, pertenecientes a un grupo de soldados del ejército nacional de Colombia que combaten en la selva amazónica a una cuadrilla de la guerrilla de las FARC que tiene en su poder a unos ciudadanos norteamericanos. Tras repeler al enemigo, encuentran una caleta con millones de dólares que pertenecen al grupo insurgente.

Los nuevos millonarios se dedican a derrochar el dinero encontrado en lujosos coches, ropa, restaurantes y burdeles por lo que levantan sospechas que llevan a una investigación por la cual terminarán siendo juzgados y perseguidos por la misma guerrilla.

• El Año Que Mis Padres Se Fueron de Vacaciones [Brasil] – 9:45pm

Esta película tuvo una excelente recepción el el pasado Festival de Berlín.

Ambientada en 1970, la película cuenta la historia de Mauro, un niño de 12 años, que no sabe nada sobra la dictadura militar que controla a su país, y cuyo mayor sueño es ver a la selección Brasileña ganar su tercera copa mundial de futbol ese año.

De repente, Mauro es separado de sus padres y llevado a vivir a la comunidad de Bom Retiro, un distrito en Sao Paulo que es el hogar de, entre otras culturas, la comunidad judía e italiana de la ciudad.

La película nos muestra a través de los ojos de Mauro a la misma vez los horrores perpetrados por la dictadura militar de Brasil, contrapuestos con la pasión que siente ese país por el futbol.

Para ver el resto de la programación de la semana, clickeen aquí.

La Muestra es un evento que se hace con mucho esfuerzo, y necesita el apoyo de todos los dominicanos, así que invito a todos a que asistan.

Arroba de Oro

Me inscribí por inscribirme, sin esperar nada, pero a todos los que votaron por mí, MIL GRACIAS.

Comencé a escribir este blog para mi deshago personal, pero es bueno saber que hay gente ahí fuera que se interesa por lo que uno escribe y se toma la molestia de entrar, leer y hasta comentar algo. También a los que llegan por un googlazo [que son muchísimos, cada día me sorprendo más] y se quedan por un rato viendo lo que hay, aunque no digan nada.

Hoy salieron los preseleccionados de la Arroba de Oro, y en la categoría de Blogs, Cinema Blender quedó entre los 10 finalistas.

Me pusieron en primer lugar, pero no se si significa que fui el que saqué más votos, o es por orden alfabético según su dueño, o por calidad de contenido, no se, pero gracias!

Espero que con su ayuda [hay que votar de nuevo dentro de poco] lleguemos a algo!

Muchas felicidades y suerte a los demás nominados.

Away From Her

Dicen por ahí que somos la suma de nuestros recuerdos, y que por eso la enfermedad de Alzheimer es la muerte en vida.

En esta hermosa película, debut como directora de Sarah Polley, vemos la forma en que este mal afecta a quien lo sufre, pero sobre todo a los que le rodean y tienen que observar la lenta destrucción de su ser querido.

Grant [Gordon Pinsent] y Fiona [Julie Christie] tienen ya 44 años de casados. Fiona padece de Alzheimer, y Grant tiene que tomar la difícil decisión de internarla en un asilo especializado.

Julie Christie, ya una leyenda viviente, da una de las mejores actuaciones de su carrera, y me apuesto todo a que será nominada para los próximos premios Oscar. Que nadie se sorprenda si gana. Sería su segundo.

El paso de los años y unas cuantas arrugas y canas no han disminuido su belleza, y sus luminosos ojos azules no han perdido el brillo de cuando interpretó a la inolvidable Lara en Doctor Zhivago.

Tal como hizo David Lean en Doctor Zhivago, Sarah Polley utiliza esos mismos ojos de Julie Christie para contar su historia - mostrar el deterioro progresivo de la mente de Fiona y su distanciamiento mental y físico de su esposo Grant. De ahí el título de Away From Her.

En un papel secundario está igualmente excelente la también ganadora del Oscar Olympia Dukakis, interpretando a Marian, una mujer cuyo esposo también sufre de Alzheimer y está internado en el mismo asilo que Fiona.

Entre estos cuatro personajes se crea una curiosa relación, porque con este hombre Fiona entabla una conexión que, unida a su enfermedad, comienza a alejarla cada vez más de su esposo, mientras él encuentra en Marian el apoyo y la comprensión de alguien que entiende lo que es perder a alguien por esta enfermedad.

Muy buena película con un conjunto de actuaciones excelentes. Sarah Polley demuestra que ha aprendido un par de cosas de su mentor Atom Egoyan sobre cómo dirigir un character study efectivo.

Ya esta disponible en DVD, no se la pierdan.

Para saber más sobre Julie Christie, su carrera y su alejamiento del cine, lean esta interesante entrevista que concedió al New York Times.

Death Proof y la Experiencia Grindhouse

Quentin Tarantino es un genio.

Para algunos, un genio de robar ideas y referenciar a otras películas en exceso, pero un genio nonetheless.

El experimento junto a Robert Rodriguez de revivir el cine Grindhouse, presentando dos películas clase B una tras otra, resultó un fracaso absoluto de taquilla.

Tan grande fue el fracaso, que para recuperar en parte la inversión perdida, Tarantino, Robert Rodríguez y los hermanos Weinstein decidieron lanzar las dos películas en DVD por separado - El que quiera la experiencia Grindhouse que pague dos veces.

Como ya es una película individual y no una de las mitades de Grindhouse, Tarantino decidió agregar más de 20 minutos de material a Death Proof. Esta es la versión disponible en DVD y que Tarantino presentó en el pasado Festival de Cannes ante la adoración de los críticos franceses.

El día de hoy, la paciencia del público y su limitado attention span le impide asimilar una película donde más de 30 minutos sean pura exposición llena de diálogo y nada más. El "estilo MTV" de cortes rápidos y muchas cosas sucediendo al mismo tiempo le ha hecho mucho daño al cine. La gente ya no sabe apreciar una película que se tome su tiempo para contar una historia.

Rompiendo momentáneamente con la narrativa del cine de explotación, donde la exposición y el desarrollo de los personajes casi brillan por su ausencia y ceden el paso a la violencia y al sexo, en Death Proof Tarantino se toma el tiempo para introducir a cada uno de los personajes con tal detalle y de forma tan meticulosa, que la paciencia de los que van buscando violencia mindless se agota. Por momentos Death Proof parece más un homenaje al cine de Jean Luc Godard que al cine de explotación.

Esa fue quizás una de las razones por las que resultó un fracaso - la mayoría fue esperando una película de acción como Kill Bill Vol I, y se encontraron con Kill Vol II.

Es interesante como Tarantino juega con la audiencia, haciéndonos "sufrir" por más de 80 minutos de exposición, para luego sacudirnos en el último acto con una de las mejores escenas de acción de la historia del cine. No exagero en esto último.

También es interesante la forma en que nos presenta dos arquetipos del cine de explotación, dividiendo la película en dos mitades. Primero conocemos a un grupo de jóvenes sacadas de una película de Jason o Freddy Krueger - muchachas atractivas que andan buscando divertirse y que se sabe que terminarán mal, y luego otro grupo de muchachas, aparentemente sacadas de una película de "female empowerment", que por su determinación y actitud kickass tendrán un mejor final. Toda esa última parte es un homenaje a heroínas como Foxy Brown o las chicas de Faster, Pussycat! Kill! Kill!.

En el medio está Kurt Russell, interpretando a un psycho cuyo modus operandi para complacerse es asesinando a muchachas jóvenes y bonitas utilizando como arma su automóvil. Este auto ha sido modificado para ser "Death Proof" o a prueba de muerte para quien lo conduce sin importar las piruetas que haga.

Death Proof es un ejercicio donde Tarantino homenajea al cine "basura" que lo inspiró y lo convirtió en el cineasta que es hoy.

Lleno de referencias a otras películas, programas de televisión y música de la época, muchos lo llamarán un "vanity project" que sólo el mismo Tarantino, sus seguidores y los iniciados en el cine pueden apreciar, y que por eso fue un fracaso con el gran público; pero más que eso, creo que Death Proof [y me imagino que Planet Terror también] es una celebración al cine y al desenfado y la libertad que disfrutaban los creadores del cine de explotación.

Su objetivo no era hacer una buena película, sino dar al público un shot de adrenalina con imágenes llena de violencia, sexo y autos rápidos. El cine Grindhouse ofrecía un escape rápido de una sociedad ocupada con Vietnam y Nixon.

En una época donde los directores tienen cada vez menos libertad de crear y desarrollar su visión, con los estudios y los departamentos de marketing cambiando y manufacturando cine descerebrado para complacer al gran público, películas como Death Proof que representan la individualidad de un director son motivo de celebración para los verdaderos amantes del cine.

Death Proof es una muy buena película a pesar de que no se pueda poner junto a lo mejor de Tarantino, pero esa nunca fue su intención. Su objetivo era ofrecer a las nuevas generaciones la experiencia de este tipo de cine, traer nostalgia a los que sí la vivieron, y divertirse homenajeando al cine que tanto disfruta al mismo tiempo.

Es una lástima que tengamos que ver una película como esta de esta manera. Esto es cine para disfrutarlo en una sala de cine, como fue concebido.

Ahora es tiempo de que Tarantino deje estos jueguitos y se concentre en Inglorious Bastards.

Superbad

Todos los años hay una.

Una película que, por alguna razón que desconozco, los críticos americanos deciden bañar de elogios.

Superbad es una de ellas.

Nos muestra otra vez el manido tema de un grupo de nerds que desea perder su virginidad antes de llegar a la universidad.

La película, que en su desarrollo y estructura me recuerda al gran clásico de cine de juventud Dazed and Confused, transcurre durante una noche en la que Seth [el nerd que no quiere serlo], Evan [el nerd consagrado] y Fogell [el nerd que raya en el retraso mental] tratan de conesguir alcohol para emborrachar cada uno a la chica que eligió y, finalmente, get laid.

Con el equipo de The 40 Year Old Virgin y Knocked Up detrás, esperaba una película más concisa y coherente.

Esto no quiere decir que lno sea graciosa, todo lo contrario. Hay momentos que nos hacen casi llorar de la risa, pero el problema es la inconsistencia entre los momentos que son sumamente graciosos y los momentos que pretenden serlo, no lo son, y se extienden hasta hacernos pensar que no había un editor.

La razón de esto puede que sea que Judd Apatow haya delegado el trabajo de director al novato Greg Mottola, y en esta ocasión sólo actúe como productor.

Luego del gran éxito de The 40 Year Old Virgin y Knocked Up, el estudio les entregó el dinero que necesitaban y les dio carta blanca para hacer lo que quisieran. Eso es más que evidente.

También es evidente el toque de Apatow, y es ese precisamente el mejor ingrediente de la película.

Al igual que en Knocked Up, detrás de la crudeza de algunas situaciones y el desfile interminable de malas palabras, encontramos en los personajes una sinceridad que raramente se encuentra en este género. Son personajes bien desarrollados y delineados que se sienten personas reales y no simples caricaturas hechas con el objetivo de ponerlos en situaciones ridículas que nos harán reir.

También está su acostumbrado recurso de hacer llegar de una forma que no se siente ni forzada ni manipuladora un mensaje sobre la lucha del outcast de pertenecer y ser aceptado sin sacrificar su uniqueness. Comenzó esto con su serie de televisión Freaks and Geeks, siguió con un hombre virgen de 40 años y luego con un stoner que se convierte en padre responsable.

El otro problema de la película es su duración, que considerando lo interminables y poco graciosas que resultan la mayoría de las escenas con dos policias interpretados por Seth Rogen [quien también fue uno de los escritores de la película] y Bill Hader [del cast de Saturday Night Live], fácilmante pudo haber durado 90 minutos y no 114.

No le puedo dar mi recomendación absoluta como a Knocked Up, pero está bien para pasar un rato divertido.

The Bourne Ultimatum

Paul Greengrass, director de The Bourne Supremacy y de la presente, es Británico.

Hay muchos que creen que por el hecho de que no sea norteamericano, se hace curioso el enfoque que tienen sus trabajos recientes, por eso de que cada quien hace cine que se parezca a uno mismo - por ejemplo Spike Lee se concentra en retratar el plight del afroamericano o Martin Scorsese sobre la violencia callejera.

Se le acusa de tener un political agenda, pero viendo el momento que vive Estados Unidos, ¿quién lo podría culpar?

En menos de dos años, Greengrass ha tocado dos veces el que es quizás el tema más sensible para los norteamericanos: el 11 de Septiembre.

Primero lo hizo en su magistral United 93, en donde sin artilugios ni patriotismo fuera de lugar, logró crear una película casi perfecta que a la vez rinde un valioso tributo a un grupo de hombres y mujeres que tratando de sobrevivir se convirtieron en héroes.

En esta ocasión, Greengrass regresa como director y traspola el último capítulo de la trilogía de Robert Ludlum al mundo post 11/9 - un mundo donde la información y la ventaja que da tenerla y estar un paso adelante del contrario, es quizás más importante que las armas de destrucción masiva de Bush.

The Bourne Identity, dirigida por Doug Liman [Go, Mr. and Mrs. Smith] fue un buen thriller de acción que dejó a mucha gente esperando por más, pero The Bourne Supremacy tomó a todo el mundo por sopresa. Paul Greengrass creó una de las mejores películas de acción que se hayan en hecho.

En las dos entregas anteriores, Jason Bourne lucha contra fuerzas dentro de la CIA a las que no le conviene que esté vivo, y lucha con su memoria misma, tratando de decifrar quién es y quién lo convirtió en un máquina de matar.

Ahora el conflicto se hace más intenso que nunca, tanto de parte de la CIA, con un nuevo agente con altas vinculaciones e intereses políticos a cargo de liquidar a Bourne a como de lugar para cubrir el proyecto corrupto del que es parte, como con Bourne y su memoria, que finalmente parece darle las últimas pistas que lo llevarán a su lugar de origen y al hombre que lo creó.

Las voces de la extrema derecha y apoyadoras del partido republicano, como el despreciable Bill O'Reilly, no han perdido el tiempo para atacar a Greengrass y al Hollywood "liberal" que utiliza películas como esta para esparcir su mensaje de que Estados Unidos debería concentrarse en atacar al verdadero enemigo, ese que se encuentra dentro de casa y no en el medio oriente.

Pero lo destacable de The Bourne Ultimatum, es que la fuerte carga política no distrae del hecho de que es una magnífica película de acción.

Entre cada setpiece de acción, entre los que están una impresionante persecución a pie por Marruecos con lucha mano a mano incluída, y otra persecución en carro por las calles de Manhattan, Greengrass aprovecha para dar a la audiencia pequeñas dosis de información que nos ayudan a ir descubriendo detalles al mismo tiempo que Bourne y sus enemigos de la CIA.

El efecto de la cámara en mano que algunos tanto critican creo que realza el sentido de urgencia y de inmediatez de todo lo que está sucediendo. Por momentos se siente que nosotros como audiencia somos los que estamos a cargo de una cámara de seguridad que toma planos generales, para luego encontrar obejtivos específicos y hacer zoom-in en ellos para espiar lo que sucede.

Matt Damon, acompañado de un conjunto de character actors de lujo como David Strathairn, Joan Allen, Scott Glenn y Albert Finney, y Greengrass junto a todo su equipo técnico, en especial su editor y cinematógrafo, logran definir el arquetipo absoluto al que todas las películas de acción deben emular.

Decir que The Bourne Ultimatum supera a sus anteriores es un understatement.

Una de las mejores películas del año. No se la pierdan cuando llegue a los cines locales en un par de semanas.