Cannes 2009 – Día 7: Los Abrazos Rotos [Pedro Almodóvar, 2009]

A la distancia, casi imperceptible a primera vista, se divisa una pareja abrazándose en las arenas negras del golfo de la isla de Lanzarote. ¿Qué historia se esconderá tras ese abrazo?

Las historias de Almodóvar en su gran mayoría [por no decir todas] parten de experiencias muy personales, no en vano siempre cita a su madre y su crianza en La Mancha como su mayor fuente de inspiración, pero en Los Abrazos Rotos por primera vez toma como punto de partida algo tan impersonal como la imagen de una fotografía tomada por él mismo accidentalmente. El desvelar la cadena de eventos imaginarios que llevó a esta pareja a sellar con un abrazo el encuentro que se observa en la foto es la perfecta excusa para tomar algo impersonal y furtivo, y tornarlo brutalmente propio, utilizando para ello su segunda mayor fuente de inspiración: El cine.

La prensa española no tuvo piedad con Los Abrazos Rotos. Afortunada y justamente, aquí en Cannes la reacción ha sido otra. Pedro Almodóvar ha llegado a un punto de celebridad que en España sus películas son eventos que logran mayor atención que cualquier producto Hollywoodense, y él, siendo un hombre que ama autopromocionarse y vender sus películas tanto como hacerlas, no pierde oportunidad para conseguir que se hable de sus proyectos, ya sea bien o mal. Para hacer las cosas "peores", se hace acompañar en este trabajo de la única persona más amada/odiada por la prensa que él: Penélope Cruz, Pé o Pé-sada, dependiendo a quién se pregunte.

Pero pésele a quien le pese, Almodóvar es, junto a Buñuel y Berlanga, el director de cine más importante de España, y Los Abrazos Rotos, como lo fué Todo Sobre Mi Madre hace 10 años, se convierte en un punto de inflexión importantísimo en su carrera.

Su filmografía se haya repleta de homenajes y guiños de ojo al cine que lo inpira y que lo motivó a convertirse en realizador, pero en esta ocasión estos tienen un propósito expreso - utilizar al cine y su proceso creativo de principio a fin como caso de estudio, y a la vez como paralelismo del nacimiento, desarrollo y muerte de una relación amorosa.

Penélope Cruz es Lena, una amalgama de las heroínas del cine negro como Gilda o Laura, que sin ser propiamente una mujer fatal, son sus actos, sus decisiones y su poder sobre dos hombres los que desatan el conflicto central de la historia.

Lena es el objeto de deseo de dos hombres: Ernesto Martel, su marido millonario mucho mayor que ella al que desprecia, y Mateo Blanco, el director de la película de la que es protagonista, Chicas y Maletas. Ambos la desean obsesivamente, uno para demostrarse a sí mismo que todavía tiene sangre en las venas, y el otro como su musa inspiradora.

El cine como proceso creativo integral es aquí el punto neurálgico. De forma muy original, Almodóvar estructura el desarrollo de la historia tal cual como se realiza una película: los personajes mismos escriben un guión, lo van viviendo paralelamente mientras lo filman, y finalmente lo editan y lanzan al público. Muchos directores a lo largo de la historia han dicho que una es la película que se rueda y otra la que toma forma y vida propia en la sala de edición, y en ese último proceso es en el que recae el mayor peso emocional de toda la película: ¿qué sucede con una obra inconclusa y cómo afecta ello a su creador? Esa obra inconclusa puede ser igual una película o una relación amorosa, aquí ambas cosas significan lo mismo.

Hace unas semanas atrás hablaba en otra entrada sobre Almodóvar de la enorme importancia de las interrupciones y los momentos inconclusos en Todo Sobre Mi Madre, y como buen autor que es, Almodóvar visita nuevamente este pozo a buscar más agua, porque un abrazo roto es precisamente eso, un momento interrumpido ya sea por un accidente o por una enorme pérdida, pero un abrazo roto también es aquel que separa intempestivamente a un director de cine de su creación.

Durante la realización de Chicas y Maletas -la película dentro de la película- es donde Almodóvar se crece como director por tres razones:

- Primero, como arquitecto visual original, logrando secuencias memorables en las que mezcla todos los estilos que ha utilizado a lo largo de su carrera, creando un universo distintivamente suyo y único: el Madrid de los excesos en forma de la mansión de Ernesto Martel, llena de sombras y espacios vacios que parecen devorar a los que habitan en ella, el Madrid psicodélico lleno de colores y personajes estrambóticos que se observa en Chicas y Maletas, y finalmente los paisajes de Lanzarote, cuya aridez es una representación de la fatalidad que se acerca.

- Segundo, como arquitecto visual que sabe homenajer y referenciar sin copiar, creando momentos que son un verdadero regalo para los cinéfilos más adelantados: desde el ominoso eco de unos zapatos como en Torn Curtain de Hitchcock, una caída por las escaleras a lo Kiss of Death o Leave Her to Heaven que concluye con una resolución que recuerda al final de Notorious, la obsesión por una imagen que parece cobrar vida como en Blow Up de Antonioni, el voyeur con cámara en mano de Peeping Tom, el nombre "artístico" de Lena que es el mismo de Catherine Deneuve en Belle de Jour de Buñuel, y todo para concluir homenajéandose a sí mismo, haciendo de Chicas y Maletas una especie de remake de Mujeres al borde de un ataque de nervios.

- Tercero, como director de actores. Si con Volver sacó a Penélope Cruz del hueco en que se había hundido en Hollywood, ahora la muestra inmensa, más bella y más firme como intérprete que nunca, encarnando en una sóla mujer a todas las chicas Almodóvar: la mujer sufrida y la mujer fatal, la Marylin Monroe, la Audrey Hepburn y hasta la propia Carmen Maura. Imposible dejar de destacar la magistral interpretación de Ángela Molina como la madre de Lena, que en menos de 10 minutos de tiempo en pantalla deja una impresión imborrable, igual la de Lluis Homar, el verdadero corazón de esta historia, y la de José Luis Gómez, quien demuestra nuevamente que es quizás el mejor actor de toda España.

En una escena durante su estancia en Lanzarote, Lena y Mateo ven en la televisión la obra maestra de Roberto Rossellini Viaggio in Italia. Como es su costumbre, Almodóvar no pierde oportunidad para que sus personajes aparezcan en pantalla viendo películas, y aquí ese momento tiene tanta importancia como cuando Carmen Maura ve Johnny Guitar en Mujeres al borde de un ataque de nervios y Bellissima en Volver.

El paralelismo a primera vista no se ve tan claro, la relación de Mateo y Lena no se encuentra tan irremediablemente destruída como la de George Sanders e Ingrid Bergman. Una primera lectura sería que Lena siente un terrible miedo al ver que su destino junto a Mateo podría ser el mismo que el de esa pareja enterrada bajo las cenizas del Vesubio, unida en un último abrazo.

En una segunda visión queda claro que Almodóvar igual que Rosellini utiliza la imágen de las ruinas de Pompeya para indicar una destrucción horrorosa, pero la destrucción ya no es de una relación amorosa, sino de la película sin terminar que dejaron detrás. Una película que es la representación física, la evidencia tangible de su amor, de la que sólo quedarán las ruinas esperando pacientemente que alguien trate de reconstruirlas.

Más tarde, en otra escena clave, quizás la más importante de toda la película, Mateo [ahora ciego] le dice a Diego que desea escuchar la voz de Jeanne Moreau. La película que elige es Ascensor al Cadalso, el magistral debut de Louis Malle. En aquella película dos amantes también son separados por una interrupción, pero queda una fotografía como prueba de una unión más fuerte que la misma muerte. Lo que queda plasmado en imágenes es eterno, sobreviene cualquier cosa, hasta la muerte.

Almodóvar concluye dejando claro que el cine puede ser un encargo, un oficio, una pasión, pero tanto para él como para Mateo Blanco el cine es un medio de sanación, de exorcismo. Terminar Chicas y Maletas es la única manera de sanar una herida abierta y sangrante. Las películas deben terminarse.

 

Werewolf - Cat Power

 

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Cannes 2009 – Día 7 [Becoming a Basterd]

Aquí voy.

Esta pequeñísima pero encantadora ciudad es el caos organizado más impresionante que he tenido la oportunidad de observar y vivir de cerca en toda mi vida.

Ya he visto Los Abrazos Rotos por segunda ocasión [la reseña va en unos minutos], Looking for Eric de Ken Loach, y ahora voy a a entrar a la atracción más esperada y comentada de todo el Festival.

El photocall con Tarantino, Brad Pitt y el resto del elenco acaba de concluir, y el pandemonio dentro y en los alrededores del Palais es difícil de poner en palabras. No quiero imaginar lo que será la gala de esta noche cuando Brangelina camine por la alfrombra roja. Aquí la gente no habla de otra cosa.

Más detalles y mis impresiones de Inglorious Basterds más tarde.

Cannes 2009 – Día 6

Lars Von Trier en el centro junto a sus dos víctimas, Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe.

Cannes es el único lugar del mundo donde se puede presentar en competencia una película sobre una pareja traumada luego del suicidio de su hijo tras haberlos visto teniendo sexo. Una película en la que hay desde eyaculaciones de sangre hasta organos genitales femeninos mutilados en close-up.

Y Lars von Trier es el único director que pudo haberla pensado y hecho. Un provocateur que luego de años sin dar nada de que hablar sabía que la única forma de volver a la palestra pública era con un proyecto como Antichrist, una película que hizo durante un período de dos años de depresión profunda que hará a sus esfuerzos anteriores Dancer in the Dark y Breaking the Waves parecer películas de Disney.

Esquivando preguntas que le desagradaban en las ruedas de prensa, autoproclamándose el “Mejor Director del Mundo” y dejando claro que esta película la hizo para agradarse sí mismo y no para un público al que considera sólo un invitado, Von Trier logró lo que buscaba:

“But my God, what a screening! What a reaction! Critics howling, hooting, shrieking.

There's no way Antichrist isn't a major career embarassment for costars Willem Dafoe and Charlotte Gainsbourg, and a possible career stopper for Von Trier.

It's an out-and-out disaster -- one of the most absurdly on-the-nose, heavy-handed and unintentionally comedic calamities I've ever seen in my life. On top of which it's dedicated to the late Russian director Andrei Tarkovsky, whose rotted and decomposed body is now quite possibly clawing its way out of the grave to stalk the earth, find an axe and slay Von Trier in his bed.” – Jeff Wells, Hollywood Elsewhere.

“Whether this is a bad, good or great film is entirely beside the point. It is an audacious spit in the eye of society. It says we harbor an undreamed-of capacity for evil. It transforms a psychological treatment into torture undreamed of in the dungeons of history. Torturers might have been capable of such actions, but they would have lacked the imagination. Von Trier is not so much making a film about violence as making a film to inflict violence upon us, perhaps as a salutary experience. It’s been reported that he suffered from depression during and after the film. You can tell. This is the most despairing film I’ve ever have seen.

What can be said is that von Trier, after what many found the agonizing boredom of his previous Cannes films “Dogville” and “Manderlay,” has made a film that is not boring. Unendurable, perhaps, but not boring. For relief I am looking forward to the overnight reviews of those who think they can explain exactly what it means. In this case, perhaps, a film should not mean, but be.” — Roger Ebert.

“As if deliberately courting critical abuse, the Danish bad boy densely packs this theological-psychological horror opus with grotesque, self-consciously provocative images that might have impressed even Hieronymus Bosch, as the director pursues personal demons of sexual, religious and esoteric bodily harm, as well as feelings about women that must be a comfort to those closest to him. Traveling deep into NC-17 territory, this may prove a great date movie for pain-is-pleasure couples. Otherwise, most of the director's usual fans will find this outing risible, off-putting or both -- derisive hoots were much in evidence during and after the Cannes press screening -- while the artiness quotient is far too high for mainstream-gore groupies” – Variety.

“Una tomadura de pelo notable, una provocación barata.

Una estupidez que tendrá cierto éxito entre su parroquia, pero que para cualquier espectador normal es para darle una hostia”. – Carlos Boyero, El País.

De la otra película en competencia, Looking for Eric de Ken Loach, mejor ni hablar ya.

Cannes 2009 – Día 5

La de ayer domingo fue a todas luces la jornada más dividida en lo que va de semana. Las dos películas de la Sección Oficial presentadas generaron reacciones encontradísimas, ambas autoría de dos de los representantes más importantes del “Nuevo Cine Asiático.”

El director Johnnie To a la extrema derecha junto a su elenco en el Palais.

La primera de ellas fue Vengeance, del chino Johnnie To, otro director cuyas películas de acción ultraviolentas se han convertido en objeto de culto por los frikis.

Esta historia sobre un ex-matón -que ahora se hace pasar por chef- y su sangrienta visita a Hong Kong para vengar a su hija asesinada parece ser otra de ellas;

“ "Vengeance," a smoothly executed revenge thriller that finds one of Hong Kong's genre masters in assured action-movie form. Apart from the novelty of casting a Gallic rock 'n' roll icon as an aging ex-hitman exacting payback with the help of some Macau mobsters, this tightly tuned, heavily armed vehicle is vintage To, though it may strike both partisans and detractors as more of the stylish same. Western elements and abundant bloodshed make this To's most marketable item since 2006's "Exiled," with appeal for Asian buffs and French hipsters alike.” – Variety.

“A brilliantly directed genre study from the Hong Kong master Johnnie To in which the French legend Johnny Hallyday pays a blood-soaked visit to Macao. There he hires three Chinese gunmen (led by Anthony Wong), whom Mr. To consistently arranges in triangular formations that give his widescreen compositions incredible dynamism. With his ruined face and pale snake eyes Mr. Hallyday holds the screen while Mr. To shakes it up.” – Manohla Dargis, The New York Times.

“Jonny Hallyday protagoniza Venganza, dirigida por el chino Johnnie To, señor al que los festivales le profesan incomprensible culto. Este profesional en intendible cine negro, en delirios, efectismo chirriante y violencia sistemática mantiene sus incendiarias y cansinas características en la venganza de un antiguo asesino a cuya hija acaban de cargarse. O sea: más de lo mismo.” – Carlos Boyero, El País.

Brillante Mendoza, tercero de derecha a izquierda, junto al elenco de Kinatay.

La segunda película exhibida fue Kinatay, del filipino Brillante Mendoza, quien repite por segundo año consecutivo en la Sección Oficial luego de haber presentado Serbis el año pasado también en competencia.

Brillante Mendoza es uno de esos directores tan esotéricos como inaccesibles que ponen a prueba la capacidad de aguante hasta del cinéfilo más paciente y de mentalidad más abierta. A juzgar por la reacción hacia Serbis y la presente, Mendoza no pasará de ser un realizador que trabaja para presentar películas en festivales que jamás serán vistas fuera de ese circuito.

Si Serbis fue llamada el año pasado una demostración interminable de mal gusto en nombre del arte, la prensa no se ha ahorrado palabras para hablar de Kinatay:

“Here is a film that forces me to apologize to Vincent Gallo for calling "The Brown Bunny" the worst film in the history of the Cannes Film Festival.

There will be critics who fancy themselves theoreticians, who will defend this unbearable experience, and lecture those plebians like me who missed the whole Idea. I will remain serene while my ignorance is excoriated. I am a human being with relatively reasonable tastes. And in that role, not in the role of film critic, I declare that there may not be ten people in the world who will buy a ticket to this movie and feel the money was well spent.” — Roger Ebert.

“La filipina Kinatay, dirigida por el temible Brillante Mendoza, dedica dos horas insufribles a describir con imágenes oscuras la estupefacción de un chaval que aspira a entrar en la policía al constatar la relación umbilical entre ésta y un grupo de mafiosos de la prostitución, que torturan y descuartizan a una puta que ha intentado estafarles. Todo navega entre lo confuso y lo tedioso.” – Carlos Boyero, El País.

Ante el poco entusiasmo hacia las películas de la Sección Oficial, el centro de atención ayer fue sin lugar a dudas Agora, la nueva película de Alejandro Amenábar presentada fuera de competencia.

Un director que también se niega a encasillarse en géneros específicos, Amenábar pasó de una gótica historia de fantasmas en The Others al drama de un hombre que sólo desea morir en Mar Adentro. Ahora el giro es aún mayor, explorando algo completamente nuevo para él: el género Peplum de relatos épicos bíblico-religiosos.

Amenábar junto a la bellísima Rachel Weisz en el photocall.

Agora llega acompañada de muchas expectativas: ser la película más reciente de un director al que llamaban “niño prodigio” desde que sorprendió al mundo al hacer Tesis con sólo 24 años y un presupuesto de 50 millones de euros, el mayor en toda la historia para una película española.

Ante las inevitables comparaciones con otras películas que han intentado revivir el género de “espada y sandalias” como Gladiator y Kingdom of Heaven, tanto Amenábar como su protagonista, la bellísima Rachel Weisz, se apresuran a destacar que amén de la espectacularidad visual y la atención al detalle para recrear la época y las escenas de batalla, Agora pretende traer al tapete una discusión más seria y sopesada sobre su tema central – la lucha con y sin espadas entre la religión y la ciencia, y los actos de horror que se cometen en nombre del fanatismo religioso.

Las reacciones hacia la película fueron de respeto más que de admiración:

“Although no self-respecting epic can come in at less than two hours, Alejandro Amenabar will nevertheless need good word-of-mouth to attract wider audiences willing to sit through 144 minutes and a heavy-handed beginning in his latest film, "Agora." Hopefully, he will get it.

Amenabar gets most of the epic staples out of the way relatively early: flatly acted scenes of textbook exposition, overly earnest extras, main characters who wander unscathed through hordes of butchery and, of course, frequently swelling music. The story then becomes a timely parable on religious intolerance, inexorable fundamentalist violence and the powerlessness of reason and personal freedom in the face of both. ” – The Hollywood Reporter.

“Alejandro Amenabar's Agora is a visually ravishing, intelligently scripted historical parable about the evils of religious extremism. And I don't mean the kind that existed in 4th century Alexandria, which is when and where this $65 million dollar epic is set. I mean the evils of the present-day Taliban and the Neocon-aligned Christian right, and the way Agora metaphorically exposes these movements for what they are.” – Jeffrey Welles, Hollywood Elsewhere.

“Amenábar revive el universo perdido de Alejandría con poderoso sentido visual, diálogos excelentes, personajes diseñados con complejidad, tensiones latentes. Filma batallas y escenas de masas dando sensación de realidad, sin recurrir a los efectos de los ordenadores. Su implicación con la figura de la protagonista es estética y ética.

El tema y el primoroso lenguaje con el que se expresa me ponen incondicionalmente a favor de esta película, la veo y la escucho con respeto, estoy deseando que me atrape la emoción, pero ésta no llega. No consigo meterme dentro de una historia con tantas cosas admirables, condición indispensable que le exijo al gran cine.” – Carlos Boyero, El País.

“An enormously ambitious attempt to recreate the conflicts of 4th century Alexandria, many of which are still raging today, Agora ultimately fails to hang together narratively and does not engage on the same grand emotional level as the sword and sandal epics of old – Quo Vadis? Ben-Hur et al – which it is clearly trying to reinvent.” – Screendaily.

Agora se estrena en Europa y Estados Unidos en Octubre.

A partir de mañana, estos posts se harán DESDE Cannes. Todavía no lo creo.

Cannes 2009 – Día 4

Flower Power. Ang Lee junto a su protagonista Emile Hirsch.

La mayor sorpresa de ayer fue definitivamente la tibia reacción hacia la nueva película de Ang Lee, Taking Woodstock.

Ang Lee es el Howard Hawks del nuevo siglo. Un director, probablemente el único de la actualidad, que puede incursionar en cualquier género con una facilidad y una pericia que sorprende. Igual hace una película como Sense and Sensibility, haciéndonos creer que un taiwanés que nunca había puesto un pie en Inglaterra se conoce a Jane Austen y su cultura como nadie, o adentrarse al corazón conservador de los Estados Unidos y hacer una historia de amor entre dos vaqueros, y de ahí saltar a la China de la ocupación y lograr una exquisita historia de amor sadomasoquista. Vaya.

El concenso es que Taking Woodstock se siente como una mera distracción sin mayor importancia luego de dos películas de la envergadura de Brokeback Mountain y Lust, Caution.

Ang Lee junto al elenco de Taking Woodstock en el photocall.

“Considering the iconic event at its center, the most surprising aspect of “Taking Woodstock” lies with the decision to make it into a rather flat comedy. Even with the ever-versatile Ang Lee behind the camera, this messy historical fiction plays like a two hour “Saturday Night Live” sketch, and not a very good one, either.” – Indiewire.

“Taking Woodstock offers some obvious laughs and tugs at the heart strings as Elliot embraces his homosexuality and his parents learn to let go. Newcomer Demetri Martin has the air of a young Dustin Hoffman, Elliot Gould, Richard Benjamin or several performers who were breaking through to leading cinema roles at the time of Woodstock. His gentle, guileless manner makes him perfect casting for Elliot without settling the matter of whether he is charismatic enough to have a sustained cinema career. Liev Schreiber brings dashes of sass and style to cross-dressing Vilma but Imelda Staunton’s dowdy, embittered Sonia is overcooked and all too reminiscent of Shelley Winters in full flow.

Enjoyable in places and merely humdrum in others, Taking Woodstock ultimately feels like a minor Ang Lee digression in between more memorable works.” – Screendaily.

Y Carlos Boyero, actuando como la versión española del contrarian Armond White dice:

“Ang Lee no hace valoraciones moralistas. Se limita a constatar el vitalismo, la ensoñación, la alegría, la desinhibición, el perpetuo cuelgue, el radical enfrentamiento con lo establecido de una gente que pretendía pensar, sentir, y actuar de una forma distinta.

Es una película descriptiva y narrativa, irónica y tierna, humorística y lúcida, un homenaje memorable a aquel pasote generalizado que montaron los hijos de las flores.” – Carlos Boyero, El País.

De izquierda a derecha: el protagonista Tahar Rahim, el director Jacques Audiard y el actor Niels Arestrup

Y tomó tres días para que apareciera la primera verdadera contendiente a llevarse la Palma.

Hablamos de Un Prophète, escrita y dirigida por Jacques Audiard, director de la joya que nunca me canso de recomendar llamada The Beat that My Heart Skipped, su película anterior a la presente.

“Condenado a seis años de prisión, Malik el Djebena no sabe leer ni escribir. Con sólo 19 años, es más joven y frágil que los demás reclusos. Acorralado por el líder de la pandilla Corsa que controla la prisión, Malik debe cumplir una serie de misiones que le harán más fuerte y le ganarán la confianza de todos.”

Al parecer ya podemos colocar a Un Prophète junto a otros clásicos que se desarrollan dentro de prisiones como Papillon y Midnight Express:

“Superb prison film that brings new ideas and techniques to the genre.

French master Jacques Audiard has challenged the thus-far mostly middling Cannes competition with a powerful prison drama that's an old-fashioned Bildungsroman in in-your-face, intensely realistic disguise. The militantly unprolific director of such exquisite small films as "Read My Lips" and "The Beat That My Heart Skipped," which have appeared at roughly five-year intervals, has now moved to an infinitely broader canvas with outstanding results.” – The Hollywood Reporter.

“When it comes to hard-bitten crime cinema, Jacques Audiard has few equals in Europe, and his violent, gripping prison drama A Prophet shows him extending his range with unimpeachable command. The story of a gauche young inmate who rises through the criminal ranks to become a formidable player, A Prophet works both as hard-edged, painstaking detailed social realism and as a compelling genre entertainment.” -- Screendaily.

“Genre specialist Jacques Audiard continues his fascination with the secret inner lives of Gaul's criminal underworld in "A Prophet," a tough, absorbingly intricate account of a young French-Arab thug's improbable education behind bars. Applying his jangly aesthetic to a broader canvas than usual, Audiard navigates his protagonist through a grotty, at times overcrowded labyrinth of racially divided gang factions and roughly sketched-in crooks and cons. Though less pleasurably offbeat than the helmer's well-received "Read My Lips" and "The Beat That My Heart Skipped," this is solid, sinewy pulp fiction with strong arthouse prospects abroad and on local release Aug. 26.” – Variety.

“La película francesa Un Profeta, dirigida por Jacques Audiard, se desarrolla en una cárcel y dura dos horas y media. Lo mejor que se puede decir de ella es que pasa corriendo, que te tiene en estado de hipnosis al retratar el salvaje aprendizaje de supervivencia de un chaval árabe que tiene que ponerse al servicio de la racista mafia corsa, que tendrá que montárselo entre el rechazo que sufre de la gente de su raza y la perpetua humillación que le infligen los corsos, que aprenderá no sólo a leer y escribir sino también a cómo cortar la yugular de un compañero con una hoja de afeitar que esconde en su boca. La violencia de esta película no lleva tramposos adornos sino que hace daño al espectador. También su naturalismo. Te contagia la tensión que se vive en la peor de las selvas, demuestra que allí sólo existen las relaciones de poder, te fascina y te da miedo.” – Carlos Boyero, El País.

Cannes 2009 – Día 3

“Film is history. With every foot of film lost, we lose a link to our culture, to the world around us, to each other, and to ourselves” – Martin Scorsese.

Como es ya costumbre desde hace unos años, Martin Scorsese arrivó a Cannes en nombre de su fundación World Cinema Foundation, encargada de mantener la cultura fílmica viva trayendo atención a obras cinematográficas olvidadas. La fundación trabaja principalmente restaurando y preservando películas cuyos elementos originales se encuentran casi destruídos, y apoyando en la búsqueda por todo el mundo de películas que se consideraban perdidas para siempre, como sucedió recientemente con la copia de más metraje de Metropolis hayada en Argentina, o la más famosa de todas, el hallazgo de la copia casi íntegra de La Pasión de Juana de Arco en un asilo en Noruega.

Entre los rescates realizados por The Film Foundation se encuentran películas tan importantes como It Happened One Night de Frank Capra, The River de Jean Renoir y Night of the Hunter de Charles Laughton.

El tesoro restaurado que Scorsese presenta este año es la obra seminal de su mentor Michael Powell The Red Shoes, película que con su legendaria fotografía en Technicolor del recientemente fallecido Jack Cardiff, directores como Steven Spielberg y Brian DePalma citan como una de las más influenciales en sus carreras.

Scorsese llegó acompañado de su eterna colaboradora, la editora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell y quien les introdujo a ambos.

Ahora sólo queda esperar que The Criterion Collection relance esta versión restaurada en DVD y Blu-ray.

De la Sección Oficial se presentaron dos películas de dos pasados ganadores.

A la extrema derecha la directora Jane Campion junto a su elenco.

La primera fue Bright Star de Jane Campion, quien ganó la Palma de Oro en 1993 por The Piano.

Bright Star supone el esperado comeback de una directora que desde The Piano no ha logrado dar con otro proyecto de igual trascendencia hasta ahora:

“The Jane Campion embraced by 1990s arthouse audiences but who's been missing of late makes an impressive return with "Bright Star." Breaking through any period-piece mustiness with piercing insight into the emotions and behavior of her characters, the writer-director examines the final years in the short life of 19th-century romantic poet John Keats through the eyes of his beloved, Fanny Brawne, played by Abbie Cornish in an outstanding performance. Beautifully made film possesses solid appeal for specialized auds in most markets, including the U.S., where it will be released by Bob Berney's and Bill Pohlad's as-yet unnamed new distribution company, although its poetic orientation and dramatic restraint will likely stand in the way of wider acceptance.” – Variety.

“Sixteen years after The Piano, Jane Campion has found renewed artistic inspiration in a tragic romance to match the haunting intensity of that Palme D’Or winning feature.

Beautifully crafted in every department from the composure of the camerawork to the precision of the costume and production design, Bright Star is a film to savour. Campion ensures that its pictorial appeal is matched by an emotional engagement thanks to a universally fine cast.” – Screendaily.

Chan Wook Park a la extrema derecha junto a su elenco durante el photocall en el Palais.

La otra película de la Sección Oficial fue Thirst, del realizador surcoreano Chan Wook Park, el “Tarantino de Asia”, quien ganó el Premio del Jurado en el 2004 por su película de culto Oldboy.

Siguiendo con su línea de cine de género, Thirst parte de la historia de un sacerdote católico que viaja como voluntario a Africa en una misión para curar una misteriosa enfermedad letal. Luego de contraerla y recibir una transfusión de sangre, el sacerdote termina compirtiéndose en –oh sorpresa– un vampiro.

Ni los americanos ni los europeos quedaron muy sorprendidos con el resultado:

“Park Chan-Wook acumula delirios con pretensiones no sé si de asustar o de hacer reír. En mi caso no consigue ni lo uno ni lo otro, sólo un deseo notable de que finalice esta tediosa sucesión de majaderías. Es de esas películas en las que a la media hora ya has cambiado de postura en la butaca un montón de veces con la inequívoca sensación de estar perdiendo lamentablemente tu tiempo. Cuando finaliza el abusivo metraje estás convencido de que llevas media vida en la sala.” – Carlos Boyero, El País.

“Emile Zola meets New Age vampirism in South Korean helmer Park Chan-wook's "Thirst," an overlong stygian comedy that badly needs a transfusion of genuine inspiration.
Early grossout scenes lose their shock value with repetition, as the script amps up the semi-cartoonish violence in the third act. Tae-ju begins to relish the blood-sucking in a way that troubles even Sang-hyeon. But the movie never comes close to tapping the raw, gnawing need of vampirism that fueled pics such as Abel Ferrara's The Addiction or Tony Scott's The Hunger.” – Variety.

Y uno de los mayores éxitos de estos tres primeros días ha sido la presentación en la sección de Un Certain Regard de la película Precious, la cual llega con el precedente de haber sido el mayor éxito en el pasado Festival de Sundance.

Precious, basada en el best seller del mismo nombre, narra la historia de una jóven obesa, analfabeta y embarazada de su segundo hijo, que lucha por encajar tanto en el mundo exterior del Harlem de los 80, como dentro de su propio hogar, donde ha sido abusada toda su vida por su propia madre, interpretada nada más y nada menos que por la comediante Mo´Nique quien –créalo o no– es desde ya una de las candidatas más fuertes para el Oscar del año próximo.

Acompañando a su director Lee Daniels estuvieron Mariah Carey y Lenny Kravitz, ambos con roles secundarios importantes en la cinta.

El director Lee Daniels junto al elenco. Sólo faltó Mo´Nique.

“Easily the most talked about US filmat Sundance this year, Push: Based On The Novel By Sapphire is both a horribly upsetting and movingly inspirational film about the plight of an obese African American teen in Harlem whose 16 years of life have encompassed more suffering than most people could comprehend. Adapting the best-selling novel by Sapphire to the screen, second-time director Lee Daniels creates a must-see portrait of life’s underprivileged which is utterly compelling.” – Screendaily.

“Es tan sórdida como asfixiante, tan veraz como impactante. Cuenta el doloroso calvario de una adolescente negra y monstruosamente adiposa, violada desde pequeña por su sidoso padre con la complicidad de una madre sádica, intentando desesperadamente encontrar alguna razón para seguir viviendo. Todo lo que ves y lo que escuchas es tremebundo, pero nunca gratuito. La odisea de este machacado patito feo para que alguien llegue a respetarla y a quererla, su titánica lucha para poder comunicarse con los demás aprendiendo a leer y a escribir, sus sueños para disfrazar el sufrimiento, la rebelión de la eterna marginada contra sus ancestrales torturadores, posee una capacidad de emoción que te coloca el nudo en la garganta.” – Carlos Boyero, El País.

Cannes 2009 – Día 2

Ayer se presentaron dos películas de la Sección Oficial.

La primera fue Fish Tank, el quinto trabajo y segundo largometraje de la directora inglesa Andrea Arnold, que cuenta la historia del revés que sufre la vida de una adolescente cuando su madre trae a su novio a vivir  a casa.

Arnold no es extraña a la Croisette, siendo esta es su segunda visita a Cannes luego de haber ganado el Premio del Jurado en el 2006 por su aclamadísima Red Road.

Harry Treadaway, Kierston Wareing, Michael Fassbender y la directora Andrea Arnold durante el photocall en el Palais.

Es muy temprano para hacer predicciones, pero desde ya se menciona a Michael Fassbender, protagonista de la magnífica Hunger  -una de nuestras mejores del año pasado- como uno de los favoritos para llevarse el premio al Mejor Actor.

“La directora inglesa Andrea Arnold también habla en Fish tank de la lacerante incomunicación entre una madre y su hija adolescente, pero en este caso no te suena a impostura con pretensiones metafísicas, son gente de los suburbios y experta en supervivencia. Esa cría en permanente guerra con el mundo, colgada del amante de su madre, enfrentándose en plan punki al lógico torrente de incertidumbres, miedos, rencores y sensación de fracaso cotidiano que acompañan a la casi siempre problemática adolescencia respira credibilidad y vida. Andrea Arnold vuelve a demostrar aquí, como hiciera en su sugestiva ópera prima, Red road, que sabe describir a gente a la deriva, a seres frágiles y en permanente desconcierto que se defienden a bocados.” – Carlos Boyero, El País.

 

“Fish Tank also underlines Arnold’s ability to secure the best from her actors. After last year’s Cannes triumph of Hunger, Michael Fassbender has become a prolific and versatile presence in British film and television (EdenLake, The Devil’s Whore etc). His charisma is essential to the appeal of Connor and makes him an imminently likeable and plausible figure even as his actions should attract our censure. Following in the wake of Kate Dickie’s extraordinary performance in Red Road, newcomer Katie Jarvis is every bit as impressive as Mia, finding the vulnerability of the teenager without recourse to sentimentality or surrendering any of her anger or sarcasm. It is a performance that should win her a lot of attention and add profile to a film that will have to fight for its audience.” – Screendaily.

 

El director Lou Ye junto al elenco de Spring Fever en la alfombra roja del Palais.

La segunda exhibición de la Sección Oficial fue la china Spring Fever, la tercera película del director Lou Ye en participar en el Festival, y representa el tipo de cine que los críticos de Cannes utilizan como carne de cañon para atacar la selección todos los años – cine “vanguardista” y sin público que no tendrá vida fuera del mundo de los festivales:

“La película china Spring fever, dirigida por Lou Ye, destaca porque es la primera vez en el cine de esa nacionalidad en el que una relación homosexual está plasmada con imágenes que no desdeñaría el porno. Hay sexo casi explícito en todos los lugares y retratando variados tipos de posturas coitales entre un chico muy moderno y un señor casado con una mujer que quiere asesinarlo al enterarse de que le pone los cuernos con un tío. Lo malo es que esta interminable sucesión de polvos también está acompañada de pretensiones líricas y sociológicas que rozan lo grotesco. Es muy higiénico que en un cine tan timorato o amordazado para mostrar el erotismo un director audaz se salte las reglas. El problema es que su película es tan tediosa como inane. La provocación también necesita sustentarse en algo mínimamente sólido.” – Carlos Boyero, El País.

“The screenplay is so convoluted and contains so many loose ends that the intense style (fragmented editing, jerky, handheld camera) only highlights the movie’s occasional lapses into incoherence. Add to that relatively explicit sex scenes between males, and the result is small chance of finding an audience in most markets, including Lou Ye’s native China (where he is technically banned from filmmaking on account of the overt politics of Summer Palace). Gay festivals and possibly a few sophisticated urban markets should express interest.” – Screendaily.

 

Nada mejor que terminar con el optimismo de Carlos Boyero, crítico de cabecera de El País, hablando con el entusiasmo que le caracteriza:

 

Boyero, ¡espero conocerlo y conversar con usted allá!