Películas que me gustaron/admiré, pero que no quedaron en esta lista:
The Messenger de Oren Moverman, Crazy Heart de Scott Cooper, Antichrist de Lars von Trier, Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans de Werner Herzog, 35 Rhums de Claire Denis, Moon de Duncan Jones, The Princess and the Frog de Ron Clements y Robert Musker, 500 Days of Summer de Marc Webb, Ponyo de Hayao Miyazaki, y Revanche de Götz Spielmann.
Finalmente, las mejores películas del 2009 son:
24.
Fuera de la extraordinaria actuación de Catalina Saavedra, el mayor acierto de La Nana es la forma natural y sincera, sin efectismos ni falsos dramas, con que su director Sebastián Silva logra comunicar las ambigüedades y contradicciones de la posición de una mujer como Raquel en el microcosmos que es un hogar latinoamericano.
Una mujer que al final encuentra el camino para liberarse de la mentalidad servil de la que ella misma se había hecho presa.
23.
El espíritu de Yasujiro Ozu, el de su familia irremediablemente fragmentada por las circunstancias, vive y de qué forma en esta hermosísima película.
22.
Sólo los ingleses son capaces de hacer una comedia tan punzante, con un humor tan ácido como oscuro, con tantas verdades ocultas tras situaciones para llorar de risa.
Peter Capaldi en la actuación cómica del año.
21.
La culpa, el vaivén entre aceptarla y negarla, y el efecto que tiene en quien la sufre son el objeto de estudio de Lucrecia Martel.
Son pocos los directores actuales que utilizan la composición visual con esta efectividad. Con un sólo encuadre, Martel es capaz de comunicar el estado mental de su protagonista de una manera que tres páginas de diálogo jamás podrían.
Todavía recuerdo el día que ví esta película en el Renoir Les Corts cuando vivía en Barcelona. La sala fue quedándose desierta hasta que quedamos tres personas.
Ellos se lo perdieron.
20.
Chan-Wook Park es en una especie de semi-dios para geeks y fans del cine de género por igual.
Al margen de ello, se ha convertido en una de las voces más representativas del nuevo cine asiático. Con un estilo inconfundible, demuestra que cine de género y cine de autor no son términos mutuamente excluyentes.
Aquí demuestra sus capacidades como esteticista y como storyteller, siendo capaz de mezclar con éxito tres géneros distintos, en tres actos que no pueden ser más diferentes uno de otro. La forma en que maneja los cambios de tono radicales de uno a otro, demostrando más que nunca una ausencia y un desprecio total a cualquier noción de restricción o compostura es admirable.
La locura vampírica que han traído las desechables películas de la saga Twilight necesitan de más entradas como esta.
Al final, no queda otra cosa más que arder.
19.
Un individuo prácticamente desechado por el sistema es capaz de reinventarse, de reconstruírse a sí mismo. Aquí, un drama sobre tensiones raciales y la fortaleza del esperítu disfrazado de drama carcelario y de mafiosos, observamos la creación de un mito ante nuestros ojos desde cero.
18.
Comisionado por el Musée d’Orsay, Olivier Assayas construye un retrato familiar íntimo que desborda frescura, con un discurso minimalista pero contundente sobre la pérdida, los lazos familiares, el relevo inevitable de una generación a otra, cómo aquellos objetos materiales que poseemos terminan siendo una extensión de nosotros mismos, y, por supuesto, la importancia de los museos.
Da igual que el pasado se encuentre representado en la mesa de una casa o en un escaparate de un museo, donde importa que esté es en la mente y el corazón de quien lo vivío.
17.
Pixar lleva años coqueteando con el estilo visual y temático de Hayao Miyazaki, y aquí finalmente dan rienda suelta a demostrar su obsesión con el maestro.
Un flight of fancy que no da tregua, y que va retando en incrementos nuestra imaginación y nuestra suspención de incredulidad.
Hermosa. Y cualquier cosa que se diga de esos primeros 10 minutos es poca.
16.
La esencia de este reboot de una franquicia cansada y alicaída, que muchos daban como terminada, queda definida a la perfección en la imagen de arriba: un grupo de aventureros jóvenes buscando su lugar en un universo tan inmenso, tan brillante y lleno de posibilidades, que los hace parecer diminutas células en un océano sin fin.
15.
El mejor drama familiar que he visto en muchísimo tiempo.
La vida vista como un partido de futbol.
14.
Un hombre que busca desesperadamente una conexión humana en medio del dolor de una enorme pérdida. Una búsqueda que jamás se había presentado de forma tan intoxicantemente hermosa sonora y visualmente.
Wong Kar Wai, Almodóvar y Douglas Sark se juntan en este impresionante debut de Tom Ford.
13.
Bellísima crónica de una joven perteneciente a una generación perdida, sin identidad ni memoria, y la enorme carga emocional que ello implica.
La entrañable Fausta es un personaje sacado del ascetismo trascendental del cine de Robert Bresson y sus heroínas como Mouchette, que actúa como si sólo a partir del martiro y el sacrificio se puede alcanzar la redención [la de sus antepasados y la suya propia], utilizando de manera inusual su propio cuerpo para recordarse a sí misma el dolor de ese pasado.
12.
El suplicio de una madre.
Posiblemente la mejor actuación femenina del año de parte de Kim Hye-ja como una madre dispuesta a todo.
El instinto maternal demostrado con devoción y ferocidad inusitados, enmarcado en un thriller con tintes de Hitchcock, y con el humor negro-absurdista de uno de los más prometedores talentos emergidos de esta nueva ola de cine asiático.
11.
Ciencia ficción de altísima factura que a la vez sirve de ejercicio revisionista de los problemas de la historia reciente del país donde tiene lugar: VIH, colonialismo, pobreza extrema, regímenes dictatoriales y tensiones raciales.
Un tercio de comentario social, dos tercios de acción. Ambas partes congenian a la perfección con una resonancia emocional poco vista en este tipo de cine. Un éxito.
10.
Lo que Carey Mulligan irradia y la cámara es capaz de captar, ni se vende ni aprende. Se tiene o no.
9.
Almodóvar nos deja claro que el cine puede ser un encargo, un oficio, una pasión, pero tanto para él como para Mateo Blanco, el cine es un medio de sanación, de exorcismo. Terminar Chicas y Maletas es la única manera de sanar una herida abierta y sangrante. Las películas deben terminarse.
8.
En estos meses he descubierto que esta es una película que podría ver todos los días. Divertidísima, y, créalo o no, una película de terror subversiva, y con un subtexto bastante interesante.
El peor demonio al que Christine se enfrenta está dentro de sí: su inseguridad, sus problemas de peso, su baja autoestima y su sentimiento de culpa. Christine se encuentra en un predicamento similar al de Catherine Deneuve en Repulsion o al del mismo Roman Polanski en su Le Locataire. Las circunstancias externas son sólo catalizadores para que salga lo que ya existe dentro, y hacer que el personaje se horrorice de sus propios complejos más que del demonio que se acerca. La diferencia aquí estriba en que Polanski lo hace con seriedad, Raimi con una sonrisa cínica.
Como si fuera poco, Christine se pasa las dos terceras partes de esta historia luchando incansablemente por conseguir cosas: un ascenso laboral, el respeto de los padres de su novio, olvidar un pasado del que se avergüenza, controlar la forma en la que los que la rodean la ven [su peso], y finalmente, la salvación de su alma, fracasando una y otra vez a pesar de sus esfuerzos. ¿Acaso hay algo más terrorífico que eso?
7.
Dios no existe, y si existe, es un bromista genial.
Más adelante hablaré de ella in extenso. Aquí hay muchísimo de qué hablar.
6.
Michael Mann sigue siendo el ejemplo por excelencia de el autor que aún trabajando para el sistema, jamás sacrifica su esencia.
Otra deconstrucción de un género, otra deconstrucción de un mito, otro mood piece fascinante y absorbente. Aquí lo que escribí de ella.
5.
Kathryn Bigelow hace algo interesante. A diferencia de otras películas de acción que utilizan la guerra como trasfondo, en la suya, el heroísmo y el coraje son retratados no como cualidades suprahumanas o como la ausencia total del miedo, sino como una resistencia especial, como un desafío al miedo en el momento en que se encara.
La guerra tiene el poder de convertir a todos los que luchan inútilmente en ella en lockers, en armarios, en entes estandarizados, iguales entre sí en apariencia y en actitud. Dentro de cada uno de esos armarios hay un dolor como ningún otro: ya sea el de extrañar a la familia que se encuentra lejos, o la que nunca se tuvo el chance de comenzar, los compañeros entrañables perdidos en combate, y hasta el anhelo de la simplicidad que ofrece una vida regular. La guerra se encarga de manufacturar estos armarios, tanto el diseño exterior como el bagaje emocional que se deposita en él.
4.
El cine no como un reflejo de la realidad, sino como un herramienta para reconstruirla, para manipularla por el que está en control. El que gana la guerra la escribe a su manera.
El cine sí es capaz de cambiar el mundo, y en esta película, literal y simbólicamente lo logra.
3.
En esta hermosísima película, Jane Campion se apoya en un lenguaje audiovisual basado en mostrar la conexión mutualista del hombre con la naturaleza -en este caso un artista- y la utiliza como una extensión de la persona [la naturaleza se comporta como el hombre que se nutre de ella], y como la más inagotable de las fuentes de inspiración. Keats concibió Ode to a Nightingale, uno de sus poemas más famosos, al contemplar la simpleza de un ruiseñor posado en una rama. La aparente sencillez de sus palabras está cargada de una profunda belleza, en la que celebra la perfección de una creación de la naturaleza, y a la vez se lamenta con una sonrisa de su muerte que se acerca: “Now more than ever seems it rich to die/ To cease upon the midnight with no pain/ While thou art pouring forth thy soul abroad/ In such an ecstasy.”
En sus poemas, John Keats trataba de encapsular sensaciones, no pensamientos, y entendiendo ello, Campion logra retratar la emoción indescriptible que produce el roce de una mano o una simple mirada. Porque aquí, a diferencia de otras de sus películas en la que ha demostrado de sobra que no se priva de mostrarlo todo cuando es necesario, el romance se expresa a través de caricias inocentes y miradas. Joan Keats y Fanny Brawne viven en una especie de sueño taciturno, un rêverie en que la presencia del ser amado puede sentirse hasta en el viento que mueve una cortina.
2.
Como Mr. and Mrs. Fox, Wes Anderson es un producto de la era en que creció, una era de rebelión y de cambios drásticos.
En este punto de sus vidas, ellos y Anderson [quien acaba de cumplir 40] se encuentran en un punto en el que hay que “domesticarse”, en el que pareciera que hay que conformarse y ceder a sus instintos animales y aventureros.
Pues no, aquí descubren que sí es posible encontrar un punto intermedio, y que hacerlo es divertidísimo.
Fantastic Mr. Fox es grande por sí sóla, y más grande aún porque se convierte en una clave importantísima para apreciar y redescubrir la riqueza de los trabajos anteriores de su autor.
y la mejor película del 2009….se conocerá con la reseña de mañana. Hasta entonces.
