Quiniela Oscarina

Volvemos a lo mismo de todos los años.

Ayer me decía alguien que los Oscar no tienen mérito alguno, y le dije lo mismo que he pensado siempre. Que hay que tomarlos como lo que son, no un reconocimiento a la excelencia, sino un espaldarazo a la imagen que una industria tiene de sí misma. Una autofelación de cuatro horas. Una excusa para que los philistines que ven el cine sólo como un forma de perder un par de horas se acerquen, discutan, vean con más atención.

Dicho eso, empecemos:
 

Película

• The King's Speech
• The Social Network
• Inception
• Black Swan
• True Grit
• The Fighter
• The Kids Are All Right
• Toy Story 3
• Winter's Bone
• 127 Hours

Con el sistema de votación preferencial, los votantes deben rankear las nominadas del 1 al 10 en orden de preferencia. Mi boleta se vería así:

1. The Social Network
2. Toy Story 3
3. True Grit
4. Black Swan
5. Inception
6. The Fighter
7. The King’s Speech
8. 127 Hours
9. The Kids Are Alright
10. Winter’s Bone

Ese mismo sistema de votación preferencial podría ser el causante de que The Social Network prevalezca sobre The King’s Speech, a pesar de que esta última tenga el DGA, el PGA, y el mayor número de nominaciones. Si al final quedan suficientes boletas con The Social Network marcadas en segundo lugar, es muy probable que termine dando la sorpresa.

Mientras tanto, The King’s Speech gana.

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: The Social Network.

Director

 

• Tom Hooper - The King's Speech
• David Fincher - The Social Network
• Darren Aronofsky - Black Swan
• David O. Russell - The Fighter
• Joel and Ethan Coen - True Grit

Ganará: David Fincher.

Yo votaría por: David Fincher.

 

Actor

 

• Colin Firth - The King's Speech
• Jesse Eisenberg - The Social Network
• James Franco - 127 Hours
• Jeff Bridges - True Grit
• Javier Bardem - Biutiful

Ganará: Colin Firth.

Yo votaría por:Colin Firth.

 

Actríz

• Natalie Portman - Black Swan
• Annette Bening - The Kids Are All Right
• Jennifer Lawrence - Winter's Bone
• Nicole Kidman - Rabbit Hole
• Michelle Williams - Blue Valentine

Ganará: Natalie Portman.

Yo votaría por: Michelle Williams. 

 

Actor Secundario

• Geoffrey Rush - The King's Speech
• Christian Bale - The Fighter
• Mark Ruffalo - The Kids Are All Right
• Jeremy Renner -  The Town
• John Hawkes - Winter's Bone

Ganará: Christian Bale.

Yo votaría por: John Hawkes.

 

Actríz Secundaria

• Melissa Leo - The Fighter
• Helena Bonham Carter - The King's Speech
• Hailee Steinfeld - True Grit
• Amy Adams - The Fighter
• Jacki Weaver - Animal Kingdom

Ganará: Melissa Leo.

Yo votaría por: Jacki Weaver.

 

Película Extranjera

 

• Incendies – Canada
• Biutiful – México
• Outside the Law – Argelia
• In a Better World – Dinamarca
• Kynodontas - Grecia

Ganará: In a Better World.

Yo votaría por: Kynodontas.

 

Película Animada

• Toy Story 3
• How to Train Your Dragon
• The Illusionist

Ganará: Toy Story 3.

Yo votaría por: Toy Story 3.

 

Guión Original

• David Seidler -  The King's Speech
• Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg - The Kids Are All Right
• Christopher Nolan - Inception
• Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson - The Fighter
• Mike Leigh - Another Year

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: Another Year.

 

Guión Adaptado

• Aaron Sorkin - The Social Network
• Joel and Ethan Coen - True Grit
• Simon Beaufoy, Danny Boyle - 127 Hours
• Debra Granik, Anne Rosselini - Winter's Bone
• Michael Arndt - Toy Story 3

Ganará: The Social Network.

Yo votaría por: The Social Network.

 

Documental

• Inside Job
• Exit Through the Gift Shop
• Gasland
• Restrepo
• Waste Land

Ganará: Exit Through the Gift Shop.

Yo votaría por: Exit Through the Gift Shop.

 

Dirección Artística

• The King's Speech
• Inception
• True Grit
• Alice in Wonderland
• Harry Potter

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: Inception.

 

Cinematografía

• Roger Deakins -True Grit
• Wally Pfister - Inception
• Danny Cohen - The King's Speech
• Matthew Libatique - Black Swan
• Jeff Cronenweth - The Social Network

Ganará: True Grit.

Yo votaría por: True Grit.

 

Diseño de Vestuario

• Alice in Wonderland - Colleen Atwood
• I Am Love - Antonella Cannarozzi
• The King’s Speech - Jenny Beavan
• The Tempest - Sandy Powell
• True Grit - Mary Zophres

Ganará: The King’s Speech.

Yo votaría por: I Am Love.

 

Edición

• Kirk Baxter Angus Wall - The Social Network
• Tariq Anwar - The King's Speech
• Pamela Martin - The Fighter
• Andrew Weisblum - Black Swan
• Jon Harris - 127 Hours

Ganará: The Social Network.

Yo votaría por: The Social Network.

 

Edición de Sonido

• Inception - Richard King
• Toy Story 3 - Tom Myers y Michael Silvers
• Tron: Legacy - Gwendolyn Yates Whittle y Addison Teague
• True Grit - Skip Lievsay y Craig Berkey
• Unstoppable - Mark P. Stoeckinger

Ganará: Inception

Yo votaría por: Inception.

 

Mezcla de Sonido

• Inception - Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo y Ed Novick
• The King’s Speech - Paul Hamblin, Martin Jensen y John Midgley
• Salt - Jeffrey J. Haboush, Greg P. Russell, Scott Millan y William Sarokin
• The Social Network - Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick y Mark Weingarten
• True Grit - Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff y Peter F. Kurland

Ganará: Inception

Yo votaría por: Inception.

 

Efectos Visuales

• Alice in Wonderland - David Schaub, Carey Villegas y Sean Phillips
• Harry Potter and the Deathly Hallows Part 1 - Tim Burke, John Richardson, Christian Manz y Nicolas Aithadi
• Hereafter - Michael Owens, Bryan Grill, Stephan Trojanski y Joe Farrell
• Inception - Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley y Peter Bebb
• Iron Man 2 - Janek Sirrs, Ben Snow, Ged Wright y Daniel Sudick

Ganará: Inception.

Yo votaría por: Inception.

 

Maquillaje

• Barney’s Version - Adrien Morot
• The Way Back - Edouard F. Henriques, Gregory Funk y Yolanda Toussieng
• The Wolfman - Rick Baker y Dave Elsey

Rick Baker va por su Oscar número 7 y lo ganará sin competencia.

Ganará: The Wolfman.

Yo votaría por: The Wolfman.

 

Banda Sonora Original

• How to Train Your Dragon - John Powell
• Inception - Hans Zimmer
• The King’s Speech - Alexandre Desplat
• 127 Hours - A.R. Rahman
• The Social Network - Trent Reznor and Atticus Ross

Intriguing Possibilities:

Ganará: The Social Network.

Yo votaría por: The Social Network.

 

La ceremonia comienza esta noche a las 8:oopm ET por ABC, 2:00am hora de España por Canal+.

Estaré en Twitter live-blogging. ¡Ahí nos vemos!

I’ll See You in My Dreams…

Yo: “Another Woman is the most underrated of all your films! Gena Rowlands is magnificent! I mean, the scene where she quotes the excerpt from Rilke’s The Panther? WOW.”

Él: “Really? No one got that picture back then. Hope you enjoyed the show! Thanks for coming! Bye!”

Fin.

Copie Conforme [Abbas Kiarostami, 2010]

Recuerdo que en mi primer año de universidad, una de las asignaturas electivas que tomé fue Apreciación Musical 101.

En una clase en la que la profesora hablaba de la ubicua Für Elise de Beethoven [quizás la pieza musical clásica más reconocida en todo el mundo], mencionó el ensayo de Walter Benjamin llamado “La Obra de Arte en la Era de Reproductibilidad Técnica.”

En pocas palabras, el argumento de Benjamin consiste en que una obra de arte original, por su condición de original y única, crea una distancia, una barrera entre objeto y espectador. Benjamin anota en su tesis que dicha barrera, ese aura de misticismo, se pierde una vez la obra es reproducida masivamente. Es como si la ubicuidad de Für Elise, ominipresente en ringtones de celulares o en ascensores cortesía de Richard Clayderman, le haya despojado de parte de su valor.

Todo esto viene al caso, porque Abbas Kiarostami, autor consagradísimo, punta de lanza del cine iraní de vanguardia, parece tomar ese argumento de Walter Benjamin y darle una vuelta de tuerca en esta magnífica película.

James Miller llega a una ciudad de la Toscana a presentar su última obra llamada Copie Conforme. Su teoría es diametralmente contraria a la de Benjamin: no hay razón para otorgar un valor mayor a una obra original por encima de sus reproducciones o copias. Una reproducción de La Noche Estrellada de Van Gogh es tan hermosa y valiosa como la original, es sólo nuestra percepción de que es una copia lo que determina el valor menor que le asignamos.

Percepción y no origen es lo que debería conferir valor a una obra, pues.

Kiarostami parte de esta idea para presentarnos a la que podría ser la copia de un pareja tratando de copiar [o revivir] el supuesto origen de la pareja copiada, Juliette Binoche recitando frases e ideas copiadas de su pasado o de otras personas, dejándonos en todo momento la incertidumbre de qué es real y qué no lo es. En fin, son un hombre y una mujer que no se conocen, o tal vez sí, que son una pareja, o tal vez no, que no se se han visto nunca ni tienen 15 años de romance, o tal vez sí. Supera eso, Inception.

Rodada enteramente con cámaras RED One, visualmente es posible que sea la película más ambiciosa de Kiarostami, pero es una riqueza visual orgánica, casi invisible, la marca de un maestro que ya ha encontrado su centro, especialmente luego de una larga etapa de experimentación con video digital. El primer tercio es todo reflejos en espejos y cristales, tomas a través de marcos y puertas. El segundo, cuando la conversación profundiza y el juego entre los personajes comienza, son planos y contraplanos en los que un personaje parece ser un reflejo del otro. Finalmente, cuando el grado de intimidad nos hace sentir casi como voyeurs, el close-up extremo nos da la impresión de que él y ella se dirigen directamente a la audiencia.

El propio Kiarostami ha repetido en varias ocasiones que la mejor manera de encontrar la verdad es mintiendo. Creo que no hay una máxima que defina mejor al cine, un medio que permite mostrar con vividez sin paralelo realidades y experiencias a través de métodos y herramientas puramente artificiales, falsas.

En lo artificial, en lo minuciosamente construído como Copie Conforme, hay verdades que invitan a ser decifradas, pero de todas, creo que la que más interesa a Kiarostami es la idea de que si al convivir por un largo tiempo con un objeto [en este caso, ¿un amor?], creyéndolo original y auténtico, al descubir que es una copia, ¿pierde su valor o adquiere una dimensión totalmente nueva? Sin original no hay copia, y sin copia no hay recuerdos ni vivencias. El objeto será falso, pero el recuerdo definitivamente no.

Io Sono L’amore [Luca Guadagnino, 2010]

El verdadero melodrama, el de autores como Max Ophüls y Douglas Sirk, se desenvuelve entre lo improbable y lo inverosímil. El sentimiento y la pasión preceden a la razón.

Io Sono L’amore es un melodrama puro, onírico, una película de placeres sensuales.

Cuando el neoralismo italiano alcanzaba sus postrimerías, un nuevo movimiento comenzaba a surgir, liderado en gran parte por los mismos autores que habían iniciado el anterior. Luchino Visconti, quien es ampliamente considerado el padre del neorealismo con su obra maestra Ossessione, fue uno de los iniciadores de este nuevo cine italiano. La realidad sin filtros, sin adornos del neoralismo daba paso a una realidad exaltada, las prioridades históricas e ideológicas no se abandonaban del todo, pero el fin ahora era predominantemente artístico, estético.

Luca Guadagnino se inspira en el Visconti de Senso, Rocco y sus Hermanos y Los Malditos, en su fascinación con el drama familiar, evocando memorias de decadencia y privilegio, y lo trae al presente en forma de una familia industrial del norte de Italia, una región donde familias old-money de este tipo son legendarias.

La cámara de Guadagnino flota con elegancia inusual entre la arquitectura de Milán [un franco homenaje a Antonioni, otro pionero] y  los colores y formas de la naturaleza, que junto a la partitura de John Adams, dotan a la película de una textura distintiva, de una belleza barroca que sobrecoge. Como en el cine de Sirk, personajes y ambiente son uno.

La exquisita Tilda Swinton interpreta a Emma Recchi, una Madame Bovary postmoderna. Está a punto de convertirse en la nueva matriarca, su esposo ha heredado el imperio familiar y sus hijos ya son independientes, por lo que sus obligaciones con la familia que la trajo de Rusia a vivir en una jaula de oro ya están casi saldadas.

El personaje de Emma Recchi [y Swinton] opera a lo largo del relato en dos niveles, primero como un objeto que se ha resignado a parecer, no a ser, y luego, como una fuerza de la naturaleza con un apetito voraz por los placeres que ésta ofrece. Presenciar esta transformación es absolutamente fascinante, y todo es gracias a Swinton, sin duda la intérprete de su generación.

Dicha transformación viene dada por dos factores, una confesión de su hija que despierta de alguna forma su curiosidad por lo que existe fuera de su status quo, y luego, una escena sacada de Ratatouille, en la que como Anton Ego, luego de probar un platillo, un torrente de emociones la convierten de figura de alabastro a mujer de fuego.

Guadagnino hace un interesante comentario sobre cómo el despertar de una mujer puede sacudir los cimientos de una institución como la familia Recchi de forma mucho más contundente que  el cambio de poder generacional.

Los mejores melodramas de Douglas Sirk como All That Heaven Allows estaban construidos milimétricamente. Cada emoción medida con precisión. El hecho de que confecciones tan artificiales, tan obviamente elaboradas hayan tenido y sigan teniendo un impacto emocional tal, es un testamento del poder del cine como forma artística.

Io Sono L’amore agrega a esta artificialidad su esteticismo barroco. Lo que se supone debería distanciarnos, nos absorbe.

Io Sono L’amore es un reverie, pero también es un despertar, el abrirse al placer y la aceptación hecho imágenes y sonidos.

“¡Ya no existes!”, exclama su esposo Tancredi a Emma al final. Los Recchi tampoco.

Magnífica.

 

The Chairman Dances [Foxtrot for Opera] – John Adams

It’s a Wonderful Life [Frank Capra, 1946]

Hay dos versiones de Estados Unidos. La real, y la que el país tiene de sí misma, esa de “Land of the free, home of the brave”.

Frank Capra fue y sigue siendo el que mejor supo retratar esa autoimagen, y en It’s a Wonderful Life alcanza su punto cumbre como observador, como comentarista social norteamericano.

Ignorada y olvidada tras su estreno en 1946, rescatada cuando quedó en el limbo del dominio público, convirtíendose en un símbolo de la Navidad gracias a las estaciones de televisión que la transmitían cada año sin falta, It’s a Wonderful Life 60 años más tarde se revela como una cápsula del tiempo, como una vision clarísima de una nación luego de dos turbulentas décadas.

Capra resume a su país en una idea sencilla que tiene dos caras: la forma en que el espíritu comunal puede unir a confrontar los peores problemas, y la forma en que la avaricia es una consecuencia necesaria del capitalismo. También sirve como metáfora de una idea mayor: una nación que paulatinamente toma su posición como el poder mundial que aún es, y sobre las dudas y miedos que un proceso como ése acarrea, apoyándose para ello en un enorme personaje llamado George Bailey.

En la presente y en todas sus películas, Capra estaba del lado de hombres como Bailey y de su filosofía [la decencia, el sentido de comunidad siempre prevalecerán al final], pero a la vez muestra una nueva arista de esta pensamiento: su fragilidad.

Si [como presenta en el extraordinario tercer cuarto de la película], removemos a un hombre como Bailey del escenario, ¿qué sucede? Caos total. Bedford Falls, la consumación del sueño americano, de la vida de pueblo ideal, se convierte en Pottersville, la antítesis total de ese sueño.

Siempre he creído que la perdurabilidad de It’s a Wonderful radica en que George Bailey es el espejo en el que los americanos se reflejan. Están convencidos de que son él o deberían ser como él, aunque muchos de ellos sean más como Mr. Potter. Bailey es definitivamente un mito americano, igual que el Cowboy.

Aunque se ha ganado la reputación de ser una película sentimental y manipuladora, intencionalmente o no, Capra imbuye cada momento sentimental con una oscuridad y un cinismo que nunca se vio en el resto de su carrera.

Me explico. En el universo de Capra eres un buen hombre no porque eres inherentemente bueno y generoso, no. Lo eres porque la única alternativa es la desgracia y la destrucción. Bedford Falls es su Shangri-la no porque sea un pueblo en el que todos cantan y rien agarrados de la mano, sino porque es un lugar en el que la colectividad es más importante que el individuo.

George Bailey, a pesar de no haber vivido la vida que planeó, a pesar de haber vivido literalmente de fracaso en fracaso, de sacrificar sus sueños para cumplir los de otros, entiende que es el hombre más rico del mundo no por todos los amigos que tiene, sino porque su existencia es absolutamente vital para la felicidad de la colectividad.

No será el gran explorador que pensó que sería, pero sí es un GRAN hombre.

Kynodontas [Yorgos Lanthimos, 2010]

Arrested Development.

Tomar aquella famosa máxima de que “Todas las familias tienen un secreto: no son como las demás familias”, y llevarla al paroxismo.

Convertir lo mundano y normal en perverso, raro, absurdo. Filtrarlo a través de la percepción distorsionada de sus personajes. Una percepción distorcionada que bien puede tomarse sin buscar subtextos, como una farsa, o como sugerente, como una gran alegoría de algo más profundo, Orwelliano.

Tomar tres personajes, retratarlos como tres experimentos pavlovianos que han crecido en un mundo de competencia constante y brutal, competencia hasta por la más ínfima recompensa emocional. Hacer que cada movimiento sea calculado, medido en un gran juego en el que la perfección y la aprobación del amo son la recompensa.

Crear un microcosmos en el que las reglas están clarísimamente establecidas, en el que la unidad familar está delineada no por el amor y los cuidados, sino por el control, control absoluto de cuerpo y voluntad desde la cuna.

Hacer que cuestionemos lo que consideramos mundano y normal, comenzando con la que se supone es la unidad más básica de la sociedad: la familia, mostrándola como un estado amurallado infranqueable.

Descomponer lo que al principio parece una moralidad naïf retorcida [aunque coherente], y mientras progresa el relato, mostrar cómo se desmorona con la entrada a ese microcosmos perfecto, aséptico, de factores ajenos al amo.

Sugerir, cual Mito de la Caverna, que la realidad fuera de ella es indescifrable y sin sentido, poner en duda su propia existencia.

Filmar una película de Michael Haneke sin ser Haneke, y usando algo que Haneke parece no saber existe: humor, un humor Buñueliano tán ácido que arde.

Demostrar que la educación y el adoctrinamiento lo son todo. Quitando la razón, somos animales salvajes.

Todo eso hace Yorgos Lanthimos en su extraordinaria Kynodontas, la mejor película del año 2010.

Fly me to the Moon - Frank Sinatra

Das Weisse Band [Michael Haneke, 2009]

Mi día más emocionante en La Croisette el año pasado fue definitivamente en el que vi Das Weisse Band.

Fue en el pase de prensa del mediodía, en el que todos parecen estar mucho más atentos [y despiertos] que en el de las 8:30am.

Al concluir, los que estábamos en la sala grande del Palais, le dimos una ovación de pie que ahora no recuerdo cuánto duró, pero lo que sí recuerdo es algo difícil de describir. Fue como una especie de conciencia colectiva que podía casi palparse, la realización de que acabábamos de ver no sólo a la que sería la ganadora de la Palma de Oro, sino de que lo que habíamos visto había sido algo especial, concluyente. Una sensación que con Haneke se repite mucho.

En su cine sucede algo curiosísimo. A pesar de tener la fama de retratar temas escabrosos [que lo hace], Haneke parece mucho más interesado en estudiar dos cosas: los momentos que ocurren antes de la consecución de un acto, y las consecuencias que dicho acto acarrea. Estas situaciones ubicadas en los extremos le atraen mucho más que el acto como tal.

En el cine de Haneke tampoco hay soluciones ni respuestas. Las rechaza de plano. Para Haneke, el cine actual, la narrativa inicio-nudo-desenlace, nos ha condicionado como audiencia a esperar y demandar resoluciones que simplemente no existen.

Su cine también se compone del deseo de ocultar cosas, de la cotidianidad del mal, pero sobre todo, de las relaciones de poder, y la presente es probablemente su más importante discurso sobre este tema, yéndose directo a la raíz, a encontrar el huevo de la serpiente.

Un acto de violencia es la consecuencia de otras mini-acciones, y la historia de Das Weisse Band es en parte sobre la interconexión entre estos eventos: un hombre se quita la vida porque ha perdido su trabajo, lo perdió por un acto de venganza de su hijo, la ira del hijo hacia el padre proviene por la muerte de su madre, pero ¿por qué murió la madre? La respuesta a esa pregunta no es tan importante, su objetivo más bien es ayudarnos a contextualizar el status quo de esta comunidad.

Haneke nos presenta una comunidad en la que el sistema de privilegios es el caldo de cultivo perfecto para desarrollar desde muy temprano un resentimiento, una rebeldía hacia la autoridad.

Nos adentramos en un pueblo en el que diferentes grupos o actitudes de la sociedad son representados por personajes individuales: los puritanos, los campesinos, el pastor, la institutriz, el discapacitado, el señor y señora feudal, madres, padres, intelectuales, pseudo-intelectuales retratados en exquisito blanco y negro, como sacados de un retrato de August Sander.

El escenario pastoral-costumbrista es perfecto para abundar sobre las contradicciones que tanto apasionan a Haneke: por un lado apacible, pero por otro lejano y gélido, un lugar en el que es fácil entregarse a la violencia [tras puertas cerradas, claro, nunca en público] en medio de un clima de supresión, servilismo, miedo y obediencia. La pasividad con la que todos los personajes ven que ocurren los actos más atroces, sólo sirve para que sigan incrementando en frecuencia y sadismo. Como hizo Clouzot en Le Corbeau, una obvia fuente de inspiración para Haneke, estos actos son una respuesta contundente de parte de un grupo que no se deja ver hacia las malas acciones de sus líderes.

Este mismo escenario da la sensación de que Haneke y su narrador [del que hay que decir no es 100% confiable] nos cuentan un relato mitad fábula, mitad historia perdida del Libro de Revelaciones, en el que no hay moraleja.

Esperen, sí la hay…el mal simplemente nace del mal, el libre albedrío y la redención no existen. Los abusados de ahora serán, como autómatas, los abusadores de mañana. La guerra aprendida a librar con el propio cuerpo y las emociones es la misma que se peleará en el campo de batalla dentro de muy poco.

Un doctor ilustrado [presumiblemente judío], un niño que toca la flauta [presumiblemente homosexual] y un niño discapacitado [presumiblemente el único inocente en toda la comunidad] son tres de las principales víctimas de una fuerza al principio invisible, pero que al final tiene, literalmente, caras y voces. Caras y voces que irán, entre muchos otros, tras los grupos representados por estos tres personajes.

A pesar de las comparaciones, por suerte Haneke no es ni Bergman ni Dreyer. Haneke responde el humanismo de esos dos con una misantropía que sobrecoge.

Haneke es de los que piensa que la letra con sangre entra. Los valores que se aprenden e interiorizan desde muy temprano son para siempre.

Pesimista, sí, pero ¿cierto?

BRB

Y “mañana” se convirtió en 8 meses…

Vuelvo, porque acabo de darme cuenta otra vez que escribir en este blog me da una satisfacción que me cuesta describir.

Lo prometido en el último post viene en cinco minutos. La mejor película del 2009 es……………….

Lo Mejor del 2009, III/III

Películas que me gustaron/admiré, pero que no quedaron en esta lista:

The Messenger de Oren Moverman, Crazy Heart de Scott Cooper, Antichrist de Lars von Trier, Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans de Werner Herzog, 35 Rhums de Claire Denis, Moon de Duncan Jones, The Princess and the Frog de Ron Clements y Robert Musker, 500 Days of Summer de Marc Webb, Ponyo de Hayao Miyazaki, y Revanche de Götz Spielmann.

 

Finalmente, las mejores películas del 2009 son:

24.

Fuera de la extraordinaria actuación de Catalina Saavedra, el mayor acierto de La Nana es la forma natural y sincera, sin efectismos ni falsos dramas, con que su director Sebastián Silva logra comunicar las ambigüedades y contradicciones de la posición de una mujer como Raquel en el microcosmos que es un hogar latinoamericano.

Una mujer que al final encuentra el camino para liberarse de la mentalidad servil de la que ella misma se había hecho presa.

 

23.

El espíritu de Yasujiro Ozu, el de su familia irremediablemente fragmentada por las circunstancias, vive y de qué forma en esta hermosísima película.

 

22.

Sólo los ingleses son capaces de hacer una comedia tan punzante, con un humor tan ácido como oscuro, con tantas verdades ocultas tras situaciones para llorar de risa.

Peter Capaldi en la actuación cómica del año.

 

21.

La culpa, el vaivén entre aceptarla y negarla, y el efecto que tiene en quien la sufre son el objeto de estudio de Lucrecia Martel.

Son pocos los directores actuales que utilizan la composición visual con esta efectividad. Con un sólo encuadre, Martel es capaz de comunicar el estado mental de su protagonista de una manera que tres páginas de diálogo jamás podrían.

Todavía recuerdo el día que ví esta película en el Renoir Les Corts cuando vivía en Barcelona. La sala fue quedándose desierta hasta que quedamos tres personas.

Ellos se lo perdieron.

 

20.

Chan-Wook Park es en una especie de semi-dios para geeks y fans del cine de género por igual.

Al margen de ello, se ha convertido en una de las voces más representativas del nuevo cine asiático. Con un estilo inconfundible, demuestra que cine de género y cine de autor no son términos mutuamente excluyentes. 

Aquí demuestra sus capacidades como esteticista y como storyteller, siendo capaz de mezclar con éxito tres géneros distintos, en tres actos que no pueden ser más diferentes uno de otro.  La forma en que maneja los cambios de tono radicales de uno a otro, demostrando más que nunca una ausencia y un desprecio total a cualquier noción de restricción o compostura es admirable.

La locura vampírica que han traído las desechables películas de la saga Twilight necesitan de más entradas como esta.

Al final, no queda otra cosa más que arder.

 

19.

Un individuo prácticamente desechado por el sistema es capaz de reinventarse, de reconstruírse a sí mismo. Aquí, un drama sobre tensiones raciales y la fortaleza del esperítu disfrazado de drama carcelario y de mafiosos, observamos la creación de un mito ante nuestros ojos desde cero.

 

18.

Comisionado por el Musée d’Orsay, Olivier Assayas construye un retrato familiar íntimo que desborda frescura, con un discurso minimalista pero contundente sobre la pérdida, los lazos familiares, el relevo inevitable de una generación a otra, cómo aquellos objetos materiales que poseemos terminan siendo una extensión de nosotros mismos, y, por supuesto, la importancia de los museos.

Da igual que el pasado se encuentre representado en la mesa de una casa o en un escaparate de un museo, donde importa que esté es en la mente y el corazón de quien lo vivío.

 

17.

Pixar lleva años coqueteando con el estilo visual y temático de Hayao Miyazaki, y aquí finalmente dan rienda suelta a demostrar su obsesión con el maestro.

Un flight of fancy que no da tregua, y que va retando en incrementos nuestra imaginación y nuestra suspención de incredulidad.

Hermosa. Y cualquier cosa que se diga de esos primeros 10 minutos es poca.

 

16.

 

La esencia de este reboot de una franquicia cansada y alicaída, que muchos daban como terminada, queda definida a la perfección en la imagen de arriba: un grupo de aventureros jóvenes buscando su lugar en un universo tan inmenso, tan brillante y lleno de posibilidades, que los hace parecer diminutas células en un océano sin fin.

 

15.

El mejor drama familiar que he visto en muchísimo tiempo.

La vida vista como un partido de futbol.

 

14.

Un hombre que busca desesperadamente una conexión humana en medio del dolor de una enorme pérdida. Una búsqueda que jamás se había presentado de forma tan intoxicantemente hermosa sonora y visualmente.

Wong Kar Wai, Almodóvar y Douglas Sark se juntan en este impresionante debut de Tom Ford.

 

13.

Bellísima crónica de una joven perteneciente a una generación perdida, sin identidad ni memoria, y la enorme carga emocional que ello implica.

La entrañable Fausta es un personaje sacado del ascetismo trascendental del cine de Robert Bresson y sus heroínas como Mouchette, que actúa como si sólo a partir del martiro y el sacrificio se puede alcanzar la redención [la de sus antepasados y la suya propia], utilizando de manera inusual su propio cuerpo para recordarse a sí misma el dolor de ese pasado.

 

12.

El suplicio de una madre.

Posiblemente la mejor actuación femenina del año de parte de Kim Hye-ja como una madre dispuesta a todo.

El instinto maternal demostrado con devoción y ferocidad inusitados, enmarcado en un thriller con tintes de Hitchcock, y con el humor negro-absurdista de uno de los más prometedores talentos emergidos de esta nueva ola de cine asiático.

 

11.

Ciencia ficción de altísima factura que a la vez sirve de ejercicio revisionista de los problemas de la historia reciente del país donde tiene lugar: VIH, colonialismo, pobreza extrema, regímenes dictatoriales y tensiones raciales.

Un tercio de comentario social, dos tercios de acción. Ambas partes congenian a la perfección con una resonancia emocional poco vista en este tipo de cine. Un éxito.

 

10.

Lo que Carey Mulligan irradia y la cámara es capaz de captar, ni se vende ni aprende. Se tiene o no.

 

9.

Almodóvar nos deja claro que el cine puede ser un encargo, un oficio, una pasión, pero tanto para él como para Mateo Blanco, el cine es un medio de sanación, de exorcismo. Terminar Chicas y Maletas es la única manera de sanar una herida abierta y sangrante. Las películas deben terminarse.

 

8.

En estos meses he descubierto que esta es una película que podría ver todos los días. Divertidísima, y, créalo o no, una película de terror subversiva, y con un subtexto bastante interesante.

El peor demonio al que Christine se enfrenta está dentro de sí: su inseguridad, sus problemas de peso, su baja autoestima y su sentimiento de culpa. Christine se encuentra en un predicamento similar al de Catherine Deneuve en Repulsion o al del mismo Roman Polanski en su Le Locataire. Las circunstancias externas son sólo catalizadores para que salga lo que ya existe dentro, y hacer que el personaje se horrorice de sus propios complejos más que del demonio que se acerca. La diferencia aquí estriba en que Polanski lo hace con seriedad, Raimi con una sonrisa cínica.

Como si fuera poco, Christine se pasa las dos terceras partes de esta historia luchando incansablemente por conseguir cosas: un ascenso laboral, el respeto de los padres de su novio, olvidar un pasado del que se avergüenza, controlar la forma en la que los que la rodean la ven [su peso], y finalmente, la salvación de su alma, fracasando una y otra vez a pesar de sus esfuerzos. ¿Acaso hay algo más terrorífico que eso?

 

7.

Dios no existe, y si existe, es un bromista genial.

Más adelante hablaré de ella in extenso. Aquí hay muchísimo de qué hablar.

 

6.

Michael Mann sigue siendo el ejemplo por excelencia de el autor que aún trabajando para el sistema, jamás sacrifica su esencia.

Otra deconstrucción de un género, otra deconstrucción de un mito, otro mood piece fascinante y absorbente. Aquí lo que escribí de ella.

 

5.

Kathryn Bigelow hace algo interesante. A diferencia de otras películas de acción que utilizan la guerra como trasfondo, en la suya, el heroísmo y el coraje son retratados no como cualidades suprahumanas o como la ausencia total del miedo, sino como una resistencia especial, como un desafío al miedo en el momento en que se encara.

La guerra tiene el poder de convertir a todos los que luchan inútilmente en ella en lockers, en armarios, en entes estandarizados, iguales entre sí en apariencia y en actitud. Dentro de cada uno de esos armarios hay un dolor como ningún otro: ya sea el de extrañar a la familia que se encuentra lejos, o la que nunca se tuvo el chance de comenzar, los compañeros entrañables perdidos en combate, y hasta el anhelo de la simplicidad que ofrece una vida regular. La guerra se encarga de manufacturar estos armarios, tanto el diseño exterior como el bagaje emocional que se deposita en él.

 

4.

El cine no como un reflejo de la realidad, sino como un herramienta para reconstruirla, para manipularla por el que está en control. El que gana la guerra la escribe a su manera.

El cine sí es capaz de cambiar el mundo, y en esta película, literal y simbólicamente lo logra.

 

3.

En esta hermosísima película, Jane Campion se apoya en un lenguaje audiovisual basado en mostrar la conexión mutualista del hombre con la naturaleza -en este caso un artista- y la utiliza como una extensión de la persona [la naturaleza se comporta como el hombre que se nutre de ella], y como la más inagotable de las fuentes de inspiración. Keats concibió Ode to a Nightingale, uno de sus poemas más famosos, al contemplar la simpleza de un ruiseñor posado en una rama. La aparente sencillez de sus palabras está cargada de una profunda belleza, en la que celebra la perfección de una creación de la naturaleza, y a la vez se lamenta con una sonrisa de su muerte que se acerca: “Now more than ever seems it rich to die/ To cease upon the midnight with no pain/ While thou art pouring forth thy soul abroad/ In such an ecstasy.”

En sus poemas, John Keats trataba de encapsular sensaciones, no pensamientos, y entendiendo ello, Campion logra retratar la emoción indescriptible que produce el roce de una mano o una simple mirada. Porque aquí, a diferencia de otras de sus películas en la que ha demostrado de sobra que no se priva de mostrarlo todo cuando es necesario, el romance se expresa a través de caricias inocentes y miradas. Joan Keats y Fanny Brawne viven en una especie de sueño taciturno, un rêverie en que la presencia del ser amado puede sentirse hasta en el viento que mueve una cortina.

 

2.

Como Mr. and Mrs. Fox, Wes Anderson es un producto de la era en que creció, una era de rebelión y de cambios drásticos.

En este punto de sus vidas, ellos y Anderson [quien acaba de cumplir 40] se encuentran en un punto en el que hay que “domesticarse”, en el que pareciera que hay que conformarse y ceder a sus instintos animales y aventureros.

Pues no, aquí descubren que sí es posible encontrar un punto intermedio, y que hacerlo es divertidísimo.

Fantastic Mr. Fox es grande por sí sóla, y más grande aún porque se convierte en una clave importantísima para apreciar y redescubrir la riqueza de los trabajos anteriores de su autor.

 

 

y la mejor película del 2009….se conocerá con la reseña de mañana. Hasta entonces.